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La notable belleza visual y sonora del filme dirigido por Joe Wright, que remite con precisión a épocas específicas, otorga a la historia de Jane Austen un carácter distintivo y una personalidad única que va más allá de la simple historia de amor.
Esta adaptación logra mantenerse fiel al espíritu de la novela, donde la diferencia de clases, el orgullo, los prejuicios sociales y por supuesto el romance se entrelazan con elegancia, convirtiéndose en una muestra sólida y ejemplar de cine de época.
Cabe destacar, de manera especial, la espontánea quimica entre Keira Knightley y Matthew Macfadyen, cuya presencia en pantalla enriquece cada escena que comparten.
Con una realización impecable en cada uno de sus elementos técnicos, visuales y sonoros, "Orgullo y Prejuicio" continúa brillando en las pantalla a dos décadas de su estreno.

Watched on Sunday May 4, 2025.

Watched on Sunday May 11, 2025.

Watched on Saturday May 3, 2025.

Watched on Saturday April 26, 2025.

Experimentar por primera vez "Live at Pompeii" de Pink Floyd, especialmente con una impecable remasterización en calidad visual y una detallada fidelidad sonora, fue una vivencia profundamente gratificante y envolvente. Esta obra no es solo un concierto, sino un viaje sensorial que permite sumergirse en una atmósfera única, donde la música y lo visual se entrelazan de forma hipnótica.

Los pasajes psicodélicos que atraviesan todo el filme nos transportan a una dimensión en la que la banda se muestra en su estado más puro: frío, cósmico y creativo. Es una ventana hacia una época en la que Pink Floyd se encontraba en pleno proceso de transformación, consolidando un legado histórico que influiría profundamente en la evolución de la música contemporánea. Resulta inevitable, al verlos en acción, identificar elementos sonoros y estéticos que serían adoptados por generaciones posteriores de músicos.

La conexión entre David Gilmour y Roger Waters es un espectáculo en sí mismo. Su entendimiento mutuo va más allá del virtuosismo individual; se trata de una sinergia explosiva y emocional. A esto se suma la serenidad magistral de Richard Wright, cuyo teclado añade un equilibrio casi meditativo frente a la energía incontrolable de un Nick Mason poderoso y preciso en la batería.

"Live at Pompeii" no solo es un registro de un momento artístico, es también un punto de inflexión en la carrera de la banda. Apenas estaban a un paso de lanzar "The Dark Side of the Moon", y ya demostraban una madurez y una visión artística que cambiaría para siempre la historia del rock.

Boon Joon Ho logra integrar con acierto esta historia cargada de humor negro, donde la multiplicidad de temas se convierte en un eje constante de una película colosalmente ejecutada a nivel técnico, aunque con una dirección algo imprecisa en cuanto a su propósito narrativo. Más alineado con el enfoque hollywoodense de "Snowpiercer" y "Okja", Joon Ho aborda cuestiones complejas como la clonación, la vanidad de los lujos innecesarios de las élites, la sobreexplotación de los recursos naturales y, por supuesto, la invasión de hábitats naturales. "Mickey 17" se presenta como un ejercicio intrigante, sostenido por la multifacética y sólida actuación de Robert Pattinson, quien logra equilibrar el caos conceptual de la trama. Aunque la película es entretenida y en gran parte efectiva, no consigue cristalizar completamente su discurso narrativo, quedando difusa en cuanto a su mensaje central.

"El jorobado de Notre Dame" representa de manera bastante decente ese Disney intrépido y con corazón que tanto se extraña hoy en día, en una era donde la creatividad suele ceder ante las tendencias y los algoritmos. Visualmente deslumbrante —sobre todo para una producción de los años noventa—, la película destaca no solo por su ambición artística, sino también por su poderoso mensaje de inclusión.

Jesse Eisenberg escribe, dirige y actúa en esta comedia dramática que, de forma directa, nos invita a reflexionar sobre nuestro lugar de privilegio. Lo hace a través de los ojos de dos primos con personalidades completamente opuestas: uno es introvertido y obsesivo-compulsivo, mientras que el otro es extrovertido (interpretado de manera impecable por el ahora premiado Kieran Culkin).
Juntos, estos personajes lanzan cuestionamientos a la sociedad, generando una reflexión que, en su sencillez, se convierte en la mayor cualidad de la película.

Los temas que Eisenberg aborda son, de manera acertada, un ejercicio de empatía hacia el duelo y el dolor ajeno, además de plantear importantes interrogantes sobre los privilegios que disfrutamos. A través de un tour turístico en Polonia, la película cuestiona: ¿qué hacemos con ese dolor? ¿Por qué sentimos una especie de goce al observar el sufrimiento de generaciones pasadas? Con estas preguntas, A Real Pain se transforma en una obra que, utilizando la comedia, nos hace mirar al pasado, cuestionarlo y decidir cómo empatizar con él en el presente.

Watched on Thursday April 17, 2025.

Una de las principales virtudes de "Conclave" de Edward Berger, es su guion, que va mucho más allá de la anécdota superficial de una ceremonia religiosa.
Lo que realmente destaca es la forma en que la historia se despliega con inteligencia, tensión y un pulso narrativo que no da tregua.
En el corazón de este intrigante entramado se encuentra Lawrence (sobrio Ralph Fiennes), quien se convierte en nuestro guía a través de los muros silenciosos del Vaticano, donde las intrigas y los juegos de poder revelan una institución atrapada entre la fe y la corrupción.
Mediante diálogos precisos y una puesta en escena alucinante, la película utiliza la intriga no solo como recurso narrativo, sino como una herramienta para desenmascarar a una Iglesia católica envuelta en lujos desmedidos, contradicciones éticas y un peso histórico que parece aplastarla desde dentro.
"Conclave" no solo es un thriller político y espiritual; es también una crítica sutil pero punzante a los mecanismos de poder dentro de una institución que, a pesar de su aura sagrada, no escapa al juicio terrenal.

Watched on Saturday April 5, 2025.

El inesperado debut en la dirección de Anna Kendrick "Woman of the Hour", se basa en un caso verídico relacionado con el infame asesino Rodney Alcala, quien participó en un programa de citas en la década de 1970. Kendrick utiliza esta premisa como un recurso narrativo para presentar, de manera ingeniosa y cautivadora, un análisis sobre la perspectiva de género que resulta tanto auténtico como alarmantemente contemporáneo. A través de su guion, Kendrick logra articular, a través de su personaje, una serie de interrogantes sobre el machismo en una época en la que la voz femenina apenas comenzaba a tener resonancia. La interpretación del meticuloso asesino, un ferviente irador de Roman Polanski, a cargo de Daniel Sovatto, es notablemente precisa y contribuye a la profundidad de la narrativa. Estos cuestionamientos no solo enriquecen la trama, sino que también convierten la película en una experiencia entretenida e intrigante, dejando al espectador ansioso por lo que Anna Kendrick ofrecerá en su futura labor como directora.

Watched on Monday March 17, 2025.

La magnimidad cinematográfica de la obra de Brady Corbet trasciende la impecable calidad técnica, tanto visual como sonora, que caracteriza a "The Brutalist". Su verdadero valor radica en la pluralidad de interpretaciones que se pueden extraer de prácticamente cada línea de su guion. A estas cualidades se suma la magistral interpretación de Adrien Brody, quien encarna al visionario arquitecto László Toth, lo que eleva el discurso a nuevas alturas. La película aborda temas complejos como las adicciones, la migración, la avaricia y el arte, creando así una experiencia cinematográfica inmersiva y única.
"The Brutalist" se erige como una obra de resistencia, aprovechando una puesta en escena excepcional y utilizando de manera ingeniosa el arte del brutalismo para ofrecer una crítica incisiva a la sociedad estadounidense contemporánea. La narrativa pone en primer plano la relevancia de cuestiones que van desde los discursos xenófobos de la era Trump hasta el cuestionamiento del antisemitismo que permeó en Estados Unidos tras la Segunda Guerra Mundial. Corbet emplea encuadres que revelan la carga emocional no solo de László, sino también de la representación de la comunidad judía en un contexto hostil. Así, la cinta se convierte en un poderoso vehículo de reflexión sobre la identidad, la pertenencia y las luchas que enfrentan aquellos que buscan un lugar en un mundo que a menudo les resulta adverso.

La calidez de la adaptación cinematográfica de Chris Sanders de la primera obra de una serie de libros de Peter Brown es una puntual demostración de como narrar una historia no solo en per ce de la anécdota, sino en un muy propositivo discurso debajo de los impecables trazos técnicos de una majestuosa animación, misma que casualmente pasa a complementar de una manera bastante acertada un guion en el que los cuestionamientos a las etapas de la maternidad, la inclusión, la adaptación a diferentes entornos y por supuesto la independencia en la juventud, son temas tratados con un acertado cuidado que rememora a las cintas animadas clásicas de antaño que tenían más allá de sus proezas técnicas, volverse entrañables para quien se acerque a ellas.

"Wild Robot" es un logro de nuestros tiempos, un acogedor abrazo al alma con una proeza técnica imprescindible que te tocará el corazón.

En "A Complete Unknown", James Mangold nos sumerge de manera natural y evocadora en la creatividad del icónico poeta de Minnesota, Bob Dylan. A través de una narrativa rica en matices y épocas, la película nos invita a explorar las diversas tonalidades de su obra, donde cada canción se convierte en un hilo conductor que teje la historia de un artista en constante evolución.
Desde el inicio, la figura de Bobby, interpretada magistralmente por Timothée Chalamet, nos presenta a un Bob Dylan casi anónimo, cuya voz siempre protestante y transgresora se convierte en el corazón palpitante de la cinta. La actuación de Chalamet es fundamental, aportando una profundidad emocional que mantiene a la audiencia cautivada. La película brilla al abordar temas como el ego artístico, la evolución musical y la brillantez poética, todo ello en un contexto social y político complejo, donde el Estados Unidos prometido por Kennedy en 1964 se enfrenta a una realidad desalentadora.
La guitarra eléctrica de Dylan se erige como un símbolo de resistencia, sus acordes cuestionan y transforman lo tradicional, convirtiéndose en una voz musical que sigue resonando en el mundo contemporáneo. Mangold se aleja de las convenciones típicas de las biopics, optando por un enfoque más artístico y poético, lo que enriquece la experiencia cinematográfica y nos invita a reflexionar sobre el impacto duradero de Dylan en la cultura.
Con una cinematografía que captura la esencia de la época y una banda sonora que resuena con la autenticidad de las letras de Dylan, "A Complete Unknown" es un homenaje vibrante a un artista que sigue inspirando a generaciones.

¿Hasta dónde nos llevará el viento de su legado?

Es fundamental reconocer que el cine de animación actual va más allá de simplemente ofrecer narrativas e imaginaciones innovadoras; también nos brinda una experiencia inmersiva gracias a su impresionante acabado artístico. En este contexto, la película originaria de Letonia "Flow", dirigida por el casi debutante Gints Zilbalodis, se destaca con una propuesta visual fascinante. A través de los ojos de un gato, la película nos invita a reflexionar sobre el instinto de supervivencia, el miedo a lo desconocido y la adaptación entre especies.
"Flow" se presenta como una obra artística completa, donde el entretenimiento y la estética se entrelazan de manera armoniosa, convirtiéndose en una de sus características más sobresalientes. Este filme es un viaje de crecimiento que refleja la conciencia animal, una travesía en la que las diferencias entre especies se convierten en una cálida sutileza para enfrentar las adversidades del mundo.
En definitiva, nos ofrece una experiencia cinematográfica envolvente, que se posiciona como una de las mejores contribuciones del cine de animación en los últimos años.

Extremadamente estilizada en la mayor parte de su forma, que esta, incluso se antepone ante su mediano guion.
"Oz" Perkins entrega unas lúcidas tomas de cámaras que tensan, con ángulos que técnicamente son irreprochables creando una atmósfera bastante lúgubre y propositiva.
El problema de "Longless" no es su forma ni los involucrados en ella (destaca más Maika Monroe que Cage), sino su fondo, en un argumento predecible que se desmorona conforme avanza una cinta apresurada en la que difícilmente empatizas con los personajes y que se queda navegando entre la medianía del montón.
Ejemplo perfecto de como anteponer un irreprochable estilo sobre lo argumental que se necesita en el cine de terror actual.

Obra maestra del cine animado, donde Hayao Miyazaki infunde magia, originalidad y un enternecedor optimismo en cada uno de sus encuadres. Esta película evoca la maravillosa experiencia de crecer y madurar por nuestra propia cuenta, al mismo tiempo que nos enseña que no es necesario cambiar ni perder nuestra esencia para encontrar nuestro lugar en el mundo.
El mensaje de aceptación y la búsqueda de inspiración se entrelazan con la magia y el arte en cada línea de su meticuloso guión. Las secuencias de vuelo, con sus trazos detallados, nos sumergen en la belleza de esta cinta, recordándonos a momentos icónicos de otras obras de Miyazaki donde la naturaleza y la fantasía se fusionan de manera sublime.
A lo largo de esta entrañable aventura, que ya cuenta con más de 30 años, nos sentimos inspirados a emprender el vuelo junto a Kiki en una historia que sigue intacta, tanto visualmente como en su discurso, y que al día de hoy resuena con fuerza en una nueva generación de espectadores que encontrarán en ella una cautivadora cinta que toca el corazón desde la imaginación.

A lo largo de los siete capítulos de "Disclaimer", primer proyecto de Alfonso Cuarón en formato de serie, se despliega una narrativa sumamente efectiva que, mediante líneas de desarrollo casi exclusivas para cada uno de sus personajes, nos cuenta una historia que se mueve entre los géneros del thriller y el drama. A través de intrigantes flashbacks, la trama mantiene al espectador cautivo de principio a fin. El oficio de Cuarón, combinado con la impresionante fotografía de Emmanuel Lubezki, crea una experiencia única en cada episodio, invitándonos no solo a empatizar con los personajes, sino también a entender sus razones para buscar la verdad en medio de un conflicto entrelazado con dilemas del presente y el pasado. La intriga, siempre presente, se refuerza por la cámara, que se convierte en un elemento esencial para transmitir las angustias y momentos luminosos que definen el papel de cada personaje en esta historia. Cuarón logra romper moldes al trasladar su maestría cinematográfica a un formato diferente, ofreciendo una miniserie que brilla tanto por su contenido como por su forma.

La versión contemporánea de Robert Eggers del clásico de horror "Nosferatu" no solo destaca por su excepcional calidad técnica en términos de producción, sino que también presenta en cada uno de sus personajes discursos relevantes que abordan temas actuales. Eggers explora cuestiones como la libertad sexual, las relaciones tóxicas y el uso de símbolos, lo que enriquece el ambiente tenso y atmosférico de la película.
La obra se configura como una propuesta que integra el horror dentro de un drama meticulosamente estructurado, donde las pesadillas se entrelazan con la obsesión de Ellen (sobresaliente Lily Rose Depp) hacia el ente demoníaco. En este contexto, la sexualidad, el deseo carnal y la lujuria se convierten en elementos centrales de la narrativa, haciendo referencia directa a "Drácula" (1992) de Francis Ford Coppola.
Más allá de su aclamada ejecución técnica, la película rinde homenaje al mito vampírico, manteniendo su esencia a lo largo de toda la historia. Eggers logra articular un discurso renovado que trasciende el mero susto, proponiendo una reflexión profunda sobre la maldad y la oscuridad, lo que resulta fascinante para aquellos que deseen sumergirse en esta experiencia inmersiva.

Tomada de la adaptación de la obra musical de teatro de 2003, Jon M. Chu presenta un espectáculo repleto de parafernalia extrema que, aunque carece de profundidad, destaca por las actuaciones de Cynthia Erivo y Ariana Grande.
A pesar de sus intentos de abordar temas sociales, estos se pierden entre diálogos sosos y una duración excesiva.
La película parece dudar de sí misma, consciente de que su enfoque está dirigido a un público específico. Con un servicio al fan poco convincente y una fotografía limitada, las canciones se vuelven poco memorables, desaprovechando su potencial.

Watched on Saturday November 30, 2024.

Watched on Sunday October 27, 2024.

"Late Night With the Devil" es una espeluznante propuesta de cine independiente en la que más allá de los temas sobrenaturales y demoníacos que embonan perfectamente con un aire de sátira con un humor negro bastante atinado que nos mantienen atentos a esta presentación de show nocturno de TV que a manera de metraje encontrando ambientada impecablemente en los años 70', en la cual no solo nos narra la particular historia de la frustración de la búsqueda inmediata del exito y la fama del presentador Jack Delroy (lucido David Dastmalchian), sino lo turbio y oscuro que se puede llegar a serlo para encontrar ese añorado rating y extrema ambición utilizando como recurso el morbo, la ingenuidad y el desconocimiento de parte de una audiencia que trayendola a nuestros tiempos cae en la trampa todavía del entretenimiento banal, cruel y estúpido de las actuales tendencias.
"Late Night With the Devil" es una crítica frontal y directa a esa tendencia de la fama inmediata en nuestros días, que más allá del horror de una noche de Halloween desafortunada en un show de TV encuentra su mayor valor en ese discurso, lanzando su crítica utilizando al diablo como mero pretexto para reforzar la idea o confirmar que la fama siempre cuesta.

¿A quienes realmente le damos la atención y el éxito?

Watched on Sunday September 8, 2024.

Watched on Sunday July 14, 2024.

Watched on Saturday July 6, 2024.

Cinta que adapta la novela homónima de 2015 de Otesssa Moshfegh, dirigida por el casi debutante William Oldroyd en la que mediante un thriller policíaco de época visualmente bastante propositivo nos cuenta la historia de Eileen (magnética Thomasin McKenzie) que trabaja en una prisión dónde conoce a Rebecca (Anne Hathaway en estilo de casi femme fatale) lugar dónde comienzan una relación afectiva y cercana en el que la química de ambas sostiene un filme bastante regular, corrosivo y oscuro, en que la obsesión y el deseo llegan hasta sus máximos límites en los que reluce la ingenuidad y la introversión de Eileen que justamente en su cercanía con Rebecca encontrará un lado que incluso ella misma desconocía. Thriller discreto, de buena manufactura y con discursos interesantes sobre la venganza, el abuso sexual, los entornos familiares tóxicos, el placer, la violencia, la justicia, la salud mental y, sobre todo, la liberación de las arraigadas ataduras.

La exploración y asimilación de nuevas emociones en "Intensamente 2" es uno de los mejores aciertos para esta nueva entrega de Pixar, está vez dirigida por el debutante Kelsey Mann y producida por el director de la primera entrega Peter Docter.
"Intensamente 2" muestra una clara evolución para sus personajes e incluso nos muestra de una manera más detallada la sensibilidad de los mismos, dándole un agregado en el que la ansiedad tomada como la parte antagónica de esta introspectiva aventura nos arroja las mejores reflexiones alrededor de la inicial adolescencia de Riley.
Y es justo ahí, además de sus destacadas cualidades visuales y técnicas que año con año resaltan mucho más, donde la película encuentra su valor como producto y cinta funcional tanto para taquilla como para quien busca la redención desde hace varias entregas del estudio que nos ha regalado momentos cinematográficos únicos e irrepetibles que ya parecen tan lejanos actualmente.
La película ofrece una visión actualizada sobre los temas emocionales alrededor de la formación de la personalidad en una edad en la que buscamos encajar cueste lo que cueste, una idea basada en una generación que sí, vive en pantallas viendo TikTok, pero que válida las emociones y la aceptación como ninguna otra, hoy incluso como parte de otra generación sentimos la necesidad de expresar y no reprimir nuestras emociones mostrando nuestra cara más auténtica ante los ojos de nuestro entorno.
"Intensamente 2" es el regreso más cercano al nivel que estamos acostumbrados del estudio Pixar, un divertido e introspectivo viaje a través de entrañables personajes que nos invita a abrazar las cosas buenas y malas que sentimos sin importar que edad tengamos, y eso, hoy en día, si es más que digno de resaltar.

Un introspectivo y doloroso retrato sobre las dificultades humanas desde el punto de vista de la paternidad alrededor de la soledad y la depresión. Charlotte Wells a través de sensoriales tomas, artísticos encuadres y la memoria como base de una historia de unas inolvidables vacaciones entre padre e hija, rememora la espontaneidad, la fragilidad humana e incluso la ambigüedad que pueden parecer las relaciones humanas. Lo atinando de sus diálogos y silencios repletos de cuestionamientos sobre el amor, la ausencia, el saber estar ahí en el momento adecuado, apoyados incluso en conmovedores momentos con canciones que se adhieren como un distintivo de su coherente guion volviendo a "Aftersun" una propuesta que nos invita a entrar en la conexión y convención a través de un discurso en el que el montaje y sus tomas cerradas se vuelven parte fundamental de las sensaciones exploradas en los personajes que nos presenta Wells de manera silenciosa, sutil y con una delicadeza humana que le dan peso a una propuesta única hasta el momento. "Aftersun" es el viaje a través de la memoria, la comprensión del dolor desde los más bellos recuerdos a través de una videocámara.

Watched on Monday June 10, 2024.

Watched on Wednesday June 5, 2024.

Interesante propuesta de Luc Besson con un guion que navega entre el thriller, el drama y la acción y que se presta para la reflexión desde el punto de vista de los traumas infantiles, pero al mismo tiempo por las cualidades teatrales e histriónicas de su protagonista Douglas (magnético Caleb Landry Jones) que terminan por ser, además de los perros, la mejor cualidad de la película.
La demencia alimenta el arte y Douglas sabiéndose roto se refugia en Shakespeare, el teatro, la música y por supuesto los perros, obsequiando líneas que cuestionan desde su particular punto de vista el amor por la figura canina, la crueldad humana, la banalidad de la riqueza y la justificada violencia con la que actúa Douglas con la gente que topa a su alrededor.
"Dogman" es una atrayente reflexión a manera de flashback sobre la psique del maltrato, la belleza de la puesta en escena en la que la locura cabe en el escenario desbordado por el amor de un hombre roto que logra brillar a pesar de la crueldad con la que la vida le ha tratado.

No siempre tenemos que ver para poder percibir y "La Zona de interés" de Jonathan Glazer lo tiene muy claro desde un inicio.
La cinta nos narra desde la perspectiva de una familia alemana, más específicamente del general Rudolf Höss que tiene a su cargo el campo más grande de concentración ubicado en Auschwitz donde prácticamente al lado sitúan una especie de vecindario donde viven algunas familias alemanas su privilegiado día a día.
Lo interesante es que Glazer ilumina la pantalla con imágenes casi contemplativas de los campos de la residencia del general nazi mostrando a cuadro incluso gran parte de la diversidad floral que tienen en esta especie de enorme jardín en donde vemos algo completamente diferente de lo que podemos muy a lo lejos alcanzar a escuchar a fondo, el incisivo sonido industrial del campo o de la locomotora, los lamentos, el llanto y la crueldad completamente fuera de cuadro volviendo a la cinta una propuesta cinematográfica poco convencional donde el horror se vuelve parte de la rutina y la indiferencia de esta familia alemana a lo que sucede detrás del muro, aun oliendo, aun tosiendo por las cenizas, aun escuchando y sabiendo lo que está pasando.
La crítica frontal de Jonathan que se siente cuadro por cuadro es apabullante y se percibe poderosa para nuestros días donde los conflictos en medio oriente terminan por diluirse en una nota más para el periódico en turno, miles de muertes por las que nadie vela justicia en una indiferencia mundial realmente alarmante. Ahí es donde radica el valor visual, narrativo y cinematográfico de "La zona de interés" desde lo que escuchamos, desde lo poco que vemos y de lo poco que importa la crueldad humana en cualquier época donde nos situemos. Propuesta única que se presta para una interesante reflexión que viene desde el horror del Holocausto hasta el actual conflicto palestino, en dónde la vida humana parece no tener valor para quienes tienen el poder.

Un sorprendente y eficaz guion realizado por Justine Triet en conjunto con su esposo Arthur Harari en el que logran eficientemente que la conjetura de cada uno de sus personajes se vaya develando poco a poco y sorprendentemente frente a nuestros ojos volviéndonos no solo espectadores sino una parte activa de la misma cinta.
La palpable y bien cimentada línea argumental de presentación del conflicto en un sofisticado y espectacular montaje logra que mantengamos el interés no en per se de resolver algo, sino ahondar en las entrañas emocionales tanto de Sandra (espectacular Sandra Hüller), Samuel, Daniel e incluso Snoop exhibiendo a través de su inquieta cámara la anatomía de la caída de un matrimonio y de una familia con una naturalidad realmente envolvente, inquietante y que termina exponiendo moralmente a cada uno de los involucrados tanto en el accidente como en las circunstancias alrededor de el, en el que los matices y cualidades de su eficiente guion en conjunto con actuaciones comprometidos y espontáneas relucen en la pantalla y juegan con la suposición tanto nuestra como de los involucrados de manera realmente brillante.
"Anatomía de una caída" es la demostración excepcional de como si y para donde hay que dirigir la pluma cuando de guiones se trata, logrando que la proeza del entretenimiento vaya mucho más allá de estructurar de manera lineal la resolución de un conflicto con sub textos bien interesantes que no hacen otra cosa que engrandecer sus discursos incluso feministas que tiene la película ofreciendo una narrativa que logra mantenernos expectantes y atentos en nuestro asiento de principio a fin.

Pablo Berger nos obsequia un cálido homenaje al cine silente con una historia que a través de escenarios coloridos y puntualmente detallados, encuadres que son una especie de viñetas que se van armando a lo largo de la cinta para narrar está inocente amistad de un perro y un robot, además de tomar como insignia desde su título nuevamente la figura del robot en el mundo cinematográfico partiendo de una historia que de una manera particularmente emocional sabe utilizar sus recursos a su favor sin necesidad alguna de un solo diálogo usando vehículos narrativos como la música, gestos y escenas donde el mensaje de saber soltar, el dejar ir y ser feliz desde el punto de vista personal ya sea de Perro como mera ilusión para llenar ese hueco de soledad o sueños como el mismo robot, nos hacen rememorar y viniendo nuevamente desde el mismo título una sugerencia que va más allá de la anécdota que bien se puede interpretar el que se nos propone por un principio como espectadores dejarnos llevar por el bello viaje visual que ofrece Berger y que por supuesto, no solamente se queda en un discurso superfluo sobre las relaciones interpersonales debajo de la belleza visual que eso supone, también sugiere entender al mismo tiempo nuestra dependencia con la tecnología y nuestra conexión emocional de nuestros días con la inteligencia artificial que cada vez tiene más relevancia en nuestros tiempos tanto a nivel social como interpersonal y que por supuesto terminar por redondear una cinta propositiva y muy diversa en las lecturas que se le puedan encontrar.
"Robot Dreams" es una obra completa, una emocional, cálida y trascendente historia sobre la amistad y una muestra de la calidad narrativa donde las palabras terminan sobrando y los sentimientos no terminan faltando.

Watched on Saturday March 30, 2024.

Watched on Sunday March 24, 2024.

Watched on Saturday March 16, 2024.

Watched on Sunday March 17, 2024.

"Dune: Part 2" es definitivamente la consagración de la visión cinematográfica más propositiva de la obra de Frank Herbert en la que Denis Villaneuve eleva el género de ciencia ficción de alto entretenimiento a escalas superiores que no se veían hace mucho tiempo, esto sin olvidar en definitiva su cercanía al cine de autor que ya desde sus inicios se percibía.
Los alcances contemplativos que tuvo la primera parte aquí se terminan por complementar de manera magnánima ofreciendo una épica epopeya con secuencias de acción realmente alucinantes en el que una arenosa y certera cámara IMAX se vuelve no solo una de las mejores cualidades de la película sino que la hace parte protagónica de la misma experiencia cinematográfica que significa "Dune: Part 2" si a esto le sumamos una cantidad de delirios visuales que encajan atinadamente con el conflicto político, distópico, futurista casi espiritual psicodélico que propone la cinta con un ensamble actoral sobrado de talento que muestra enormes desarrollos en todos y cada a uno de sus personajes tenemos definitivamente una cinta imperdible que te dejara boquiabierto volviéndola una experiencia sensorial que se tiene que vivir en una sala de cine.

Watched on Monday February 19, 2024.

Emerald Fenell diluye su propuesta anteponiendo estilo ante sustancia con cualidades técnicas que si bien logran por momentos inquietar e impactar al espectador utilizando cualquier cantidad mezclada de géneros de manera un tanto apresurada como el thriller, el homoerótismo y la comedia negra terminan desembocando en una narrativa poco elemental en un guión que no sabe para dónde apuntar y que termina siendo un tanto pretencioso y poco convincente.
Definitivamente, además de la calidad a nivel de producción la cualidad más grande que tiene "Saltburn" es el personaje de Oliver Quick que es interpretado de manera muy comprometida por Barry Keoghan y que termina por entregar un papel bastante transgresor que en unos cuantos años se valorará un poco más. Más cercana al hype y el morbo que a la de una propuesta solida, "Saltburn" se queda navegando en la medianía de tener con qué pero no saber cómo.

Una de las principales cualidades que tiene el director griego Yorgos Lanthimos es lograr incomodar al espectador con delirios visuales metidos en viaje de ácido, bastantes gráficos y peculiares que terminan no siendo otra cosa que una completa propuesta cinematográfica que utiliza favorablemente estos recursos en pro de comunicar lo que hay debajo de las historias que presenta en pantalla.
En “Poor Things” y utilizando a Bella Baxter (majestuosa y delirante Emma Stone) como eje central de su historia mezclando géneros como el horror y la comedia de humor negro, Yorgos utiliza a su favor el delirante diseño de producción, la música y los cuadros de fotografía como parte de la narrativa en la evolución desde los ojos de la propia Bella y que termina siendo un viaje de autoexploración tanto física, sexual, como mental que termina por redondear un arco narrativo en el que la crítica y el descubrimiento de un mundo superfluo y repleto de cuestionamientos morales para Bella termina por ser una palpable posibilidad para que ella vaya construyendo, conquistando y desarrollando su propia personalidad y que repito termina por armar un personaje sólido que cuestiona de manera frontal el rol que tiene como mujer tanto a nivel de género codeándose con diferentes tipos de masculinidades como en la sociedad que cuestiona la libertad sexual en las que el placer es una celebración para ella y que por supuesto se presta para las erróneas lecturas que le han dado a la cinta al quedarse solo en lo que se ve y no se lee.
“Poor Things” es un onírico viaje a través del ácido sobre la libertad sexual e intelectual que tiene la mujer en la sociedad que termina cuestionando con un sentido del humor muy particular lo moralmente aceptable tanto dentro como fuera del bizarro mundo de Yorgos Lanthimos y que termina siendo una decorosa cinta plagada de cualidades visuales y narrativas que por supuesto hay que revisar más de una vez.

Casi tan silenciosa como encantadora, "Fallen Leaves" es la estoica comedia romántica retrato de la clase trabajadora en el que música tiene una narrativa determinante en el sentir de nuestros protagonistas mientras se desarrolla un enamoramiento entre una empleada de súper y un solitario obrero sumido en el alcoholismo.
La sutileza en las tomas de Aki Kaurismäki armonizando de manera minimalista sus encuadres con una combinación de colores muy particular no hace sentir en sintonía con lo que se nos muestra en pantalla y logra engancharnos casi desde el primer minuto con referencias al cine clásico y contemporáneo que nos hace entender cineastas actuales que han intentado encontrar en el estilo del finlandés su tan particular manera de contar historias impregnadas de humanismo, estoico sentido del humor y estéticamente atractivas, además si a eso le sumamos el sub texto sobre las clases sociales desfavorecidas tanto en la vieja como en al actual Eupora podemos encontrar mucho más que una convencional comedia romántica.
"Fallen Leaves" es una fábula contemporánea sumamente humana y cercana a nosotros, un bonito retrato de la humanidad en tiempos complicados que cree todavía en el amor a primera vista y que puede ser casi tan real como lo queramos imaginar, silenciosa como la inmediata química entre dos desconocidos y casi tan expresivos como los gestos de los primeros encuentros de nuestros protagonistas, la película finlandesa encuentra sus cualidades en la sencillez de transmitir la calidez de la estación que hace alusión a su nombre, un perfecto atardecer de otoño donde las hojas caen sobre nuestros hombros obsequiándonos la belleza de lo espontáneo acompañado de un perrito.

Adaptando la novela que lleva el mismo nombre, Bayona se apropia completamente de esta impresionante historia de supervivencia haciéndonos reflexionar en todo momento con diálogos profundos que tocan el alma en un coherente guion que encuentra sus más álgidos momentos cada día que pasan nuestros protagonistas en las frías montañas donde la soledad, la desesperación, el hambre, el dilema moral, la reflexión de la vida, pero ante todo la infalible fidelidad de una bella amistad convergen en medio de una helada montaña de nieve en el que está bien llamada sociedad mantiene siempre el halo de esperanza de regresar a casa y mantenerse vivos a pesar de las terribles adversidades a las que se enfrentan día con día.
A la par de la consistencia emocional de su guion, lo realmente brillante que logra la cámara de Pedro Luque a nivel técnico en medio de esta magnificencia de un amenazante paraíso blanco son esas tomas cerradas en espacios reducidos que irremediablemente nos hacen partícipes activos de la película en el que por supuesto se apropia de nosotros la dureza, la desesperación y la esperanza que irremediablemente nos llevan a los abismos emocionales más profundos que le dan ese toque de suspenso en el que el director muestra la calidad y el oficio que tiene para filmar.
"La sociedad de la nieve" es la respetuosa representación cinematográfica sobre la unión en la desgracia y el valor de la calidad humana, sobre la sensibilidad en medio del caos, un genuino y merecido homenaje a la amistad mostrado con una particular calidez que esté suceso merecía.

Lejos de parecer un filme que en el momento de su lanzamiento en salas fue calificado como necesario e indispensable de ver, ciertamente “Heroico” tiene mucha valentía de abordar los maltratos tanto físicos y psicológicos que sufren los aspirantes a cadetes en el Heroico Colegio Militar Nacional. Rescataría la evidente realidad con la que está filmada la cinta en el que Zonana ahonda con aire de crudeza y sin tapujos un tema pocas veces explorado en el cine mexicano.
A nivel técnico la película nos ofrece cualidades que hace que nos sintamos inmersos tanto en la realidad vivida como por los constantes flashbacks de los pensamientos/pesadillas en las que Luis (Santiago Sandoval) se ve inmerso desde que comienza su estadía en el colegio, aderezado de una extraña empatía amistosa por parte del abusador sargento Eugenio (imperdible Fernando Cuautle) comienza a desarrollar una cinta que se inclina más por el horror, lo turbio (incluso por sus tomas) y el trauma, que por mostrar la luminosidad del supuesto orgullo nacional y que aunque aquí se toca ese tema, lo aborda de una manera bastante efectiva y frontalmente crítica que se siente no tan lejana de lo palpable de una realidad que logra estremecer y que ciertamente se vuelve cuestionable viniendo de la supuesta enseñanza de la honorabilidad que representan las supuestas enseñanzas de las fuerzas armadas del país.

“Heroico” más allá de sus palpables carencias narrativas, es una fuerte acusación directa hacia la violencia de manera altamente gráfica y cruel, medianamente eficaz cómo cinta, pero con la valentía suficiente para sustentar denuncias en tiempos donde el ejército está puesto contra nuestra voluntad en las calles de un país que lo ha ido empoderando erróneamente y que abre la conversación de los tabúes que hay alrededor de una tema tan delicado que hasta hace poco todavía parecía intocable.

Es innegable la cantidad de cintas que han abordado, ya sea de manera profunda o superficial, el conflicto de la Segunda Guerra Mundial.Las visiones cinematográficas regularmente suelen abordar el tema de una manera marginada, conflictos, ya sea de personajes históricos, el holocausto, momentos previos a la detonación de la bomba nuclear o situaciones donde la libertad creativa florece a la par de la ficción, claro, regularmente vistas desde el punto de vista norteamericano. Para fortuna nuestra e incluso para bien del grandilocuente cine de entretenimiento y de la mano de Takashi Yamazaki este año obtenemos a través de "Godzilla Minus One" el punto de vista desde los ojos de los civiles del pueblo nipón en plena postguerra en que los traumas generados por el mismo conflicto bélico recaen sobre derrocar la palpable amenaza que representa "Gojira" para un país sumamente golpeado y en el que de manera bastante puntual Yamazaki lanza una crítica hacia el forzado uso de esos mismos civiles de un gobierno fascista como soldados de guerra y que contextualiza de manera muy redonda para también contar la casi imbatibilidad que representa "gojira" en su cinta. Adicional a lo bien ejecutado de un excelso guion en el que además de homenajear no solo a la figura de peso que significa Godzilla para el cine nipón y mundial, logra incluir y mezclar de manera adecuada un sensible drama postguerra que termina aderezado con secuencias de acción realmente imponentes que homenajean y dignifican al cine más tremendamente entretenido de kaijus y de monstruos gigantes.
"Godzilla Minus One" es la colosal manera de conjugar a través del lenguaje cinematográfico de la ficción y el entretenimiento, la diferente visión del conflicto bélico mundial desde el punto de vista de un país que renaciendo literalmente desde sus cenizas, busca la sanación que dignifica de cierta manera heroica a través de la unión de su gente y que termina por condenar la guerra usando como vehículo de narrativa buscar derrotar al denominado gran "dios de los monstruos" en un combate en donde definitivamente nosotros como espectadores terminamos ganando.