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Watched on Tuesday May 20, 2025.

Watched on Thursday May 15, 2025.

🇺🇸👩🏿📝English review below📝👩🏿🇺🇸

"You men got some crazy ideas about being a man. Fighting, beating up on somebody. That makes you a man, right? Screwin' all the broads and makin' babies."
~ Claudine, talk to 'em!

"Claudine" galt im Jahre 1974 als neue Tapete für das Blaxploitation-Kino aka Black Cinema, da man hier nicht die coolen, flotten Sprüche, das oft gewollte Overacting, die Überzeichnung weißer Charaktere und die Action sprechen ließ. Zeitgenössische Regisseure der 70er wie Peter Bogdanovich oder Drehbuchautoren wie Paul Schrader hatten gelegentlich einen Fuß in die bisherigen Versäumnisse der Gesellschaft und des Systems in unterschiedlichen Gewändern gefasst. Von der Seriösität des Themas her bewegte man sich hier auf ähnlichem Pflaster. Nur der Unterschied hierbei ist, dass man es etwas leichtfüßiger angeht durch romantische und kommdiantische Impressionen sowie ein doper Score.

Diahann Carrol als titelgebende Claudine Price, sechsfache Sozialhilfe bekommende und von Gedanken überstrapazierte Mutter wuchs bei mir, je länger der Film andauerte. Glänzen tut sie gerade in den Momenten der Verzweiflung ob der misslichen Lage von systematischer, ökonomischer Ungleichheit und das unzureichende Geld, um die grundsätzlichen Bedürfnisse zu decken.
Währenddessen kommt auch der männliche Gegenpart, gespielt vom einzig wahren James Earl Jones, der sogar noch mehr diametrale Gefühlslagen fortlaufend spielen muss und das mit einer langsam bröckelnden Fassade initialer Lockerheit.
Auch hier beweist sich durch das Schauspiel, dass dies vom Blaxploitation-Charakter trennt und einen eher "natürlicheren" Ansatz wählt. Daneben sind die Darsteller und Darstellerinnen Claudines Kinder auch in ihrer nebencharakterlichen Zeichnung überraschend detailliert, sodass der Fokus nicht nur Claudines innere und äußere Lasten beleuchten.

Man muss Regisseur John Berry sowie das Drehbuch-Duo Lester und Tina Pine in dieser Kürze wirklich würdigen, dass sie die damals und prinzipiell noch heute bestehende Aktualität dieser Thematik solch einen fast organischen Komplex schafft. Diese Palette von Themen ist kein Kontrastprogramm, aber da habe ich Filme gesehen, die wesentlich größere Probleme haben daraus ein in sich stabiles Konstrukt zu errichten.

Hin und wieder gab es Szenen, in denen diese Mischmasch aus Quasi-Doku, Sozialdrama und Romcom ein bisschen mir zu verspielt daherkommt, gerade im ersten Drittel, wo sich die Tonalität sich noch nicht ganz eingepegelt hat. Das ist aber mit dem Verlauf mehr und mehr gefestigter und kontrollierter geworden.

Wenn man mich fragt, was mit die Quintessenz des Black Cinema präsentiert, dann ist es ein funky, geschmackvoll schwunghafter und beruhigender bis zum B.A.D.A.S.S.-Anschlag bringender Score. Oftmals wurden Lieder, manchmal auch ein ganzes Album dem Film thematisch gewidmet. Hier wurden Gladys Knight and the Pips engagiert und werden pointiert in romantischen bis lockeren Szenen eingesetzt, während ein beachtlicher Handlungsraum eine damals für diese Welle unkonventionelle Ernsthaftigkeit der amerikanischen Welfare-Bredouille zeigt. Dass ich ein Liebhaber für eine Assemblage aus Soul, R&B und Funk bin, habe ich sicherlich schon mal erwähnt und vor allem für samtige Stimmen wie von Miss Knight. Geschrieben wurden aber die Songs von Curtis Mayfield, den man an dieser Stelle als Dirigent dieses Filmgenres achoren könnte (kleine Empfehlung für die Alben "Superfly" und "Curtis").

"Claudine" hat wirklich vieles in den 90 Minuten an Gesprächsstoff zu bieten, weiß aber damit umzugehen, dass die brodelnde Wahrheit auch in Leichtigkeit überliefert werden kann, wenn man nur den richtigen Schrauben dreht.

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"You men got some crazy ideas about being a man. Fighting, beating up on somebody. That makes you a man, right? Screwin' all the broads and makin' babies."
~ Claudine, talk to 'em!

In 1974, "Claudine" was considered the new wallpaper for blaxploitation cinema aka Black Cinema, as it didn't have the cool, snappy lines, the often deliberate overacting, the exaggeration of white characters and the action. Contemporary directors of the 70s like Peter Bogdanovich or screenwriters like Paul Schrader occasionally had a foot in the previous failings of society and the system in different guises. In of the seriousness of the subject matter, they were treading on similar ground here. The only difference here is that the approach is a little more light-footed with romantic and comedic impressions and a dope score.

Diahann Carrol as the titular Claudine Price, a mother of six on welfare and overburdened by thoughts, grew on me the longer the movie went on. She shines in her moments of despair at the predicament of systematic economic inequality and insufficient money to meet basic needs.
Meanwhile, the male counterpart, played by the one and only James Earl Jones, has to continuously play even more diametrically opposed emotional states with a slowly crumbling façade of initial looseness.
Here too, the acting proves that this separates it from the blaxploitation character and opts for a more “natural” approach. In addition, the actors and actresses portraying Claudine's children are also surprisingly detailed in their secondary characterization, so that the focus is not only on Claudine's inner and outer burdens.

Director John Berry and screenwriting duo Lester and Tina Pine really deserve credit for creating such an almost organic complex, given the topicality of the subject matter at the time and, in principle, still today. This range of themes is not a contrasting program, but I have seen films that have much greater problems building a stable construct out of it.

Every now and then there were scenes in which this mishmash of quasi-documentary, social drama and romcom came across as a little too playful, especially in the first third, where the tonality hadn't quite settled down yet. But as the movie progresses, it becomes more and more stable and controlled.

If you ask me what the quintessence of Black Cinema presents, it's a funky, tastefully upbeat and soothing score that takes you all the way to the B.A.D.A.S.S. beat. Often songs, sometimes even an entire album, were thematically dedicated to the movie. Here Gladys Knight and the Pips were engaged and are pointedly used in romantic to light-hearted scenes, while a sizable plot space shows a seriousness of American Welfare predicament that was unconventional for this wave at the time. I've certainly mentioned before that I'm a sucker for an assemblage of soul, R&B and funk, and especially for velvety voices like Miss Knight's. However, the songs were written by Curtis Mayfield, who could be considered the conductor of this film genre at this point (small recommendation for the albums "Superfly" and "Curtis").

"Claudine" really has a lot to offer in its 90 minutes of talking points, but knows how to deal with the fact that the bubbling truth can also be delivered with ease if you just turn the right screws.

Watched on Sunday May 11, 2025.

Watched on Wednesday May 7, 2025.

🇬🇧🚃🏏English review below🏏🚃🇬🇧

Es kam mir wieder zugute, endlich mal wieder einen Hitchcock zu sehen, wo ich mich filmtechnisch und konzeptionell in mit den besten Händen liege.

"The Lady Vanishes" von Alfred Hitchcock ist bisher das älteste Werk, dass ich aus seiner Vita gesehen habe und zeigt seine technische Finesse mitsamt einer Handlung, die wie ein Cocktail mehrere Themen aufnimmt. Es ist nicht der "Cocktail für eine Leiche", sondern ein "Cocktail des Alltäglichen".

Dieser 1938 veröffentlichte Thriller birgt und komprimiert nahezu alles, was diese Kombi des Genres und Hitchcock darbieten kann. Eine für damalige Verhältnisse verdammt clever konstruierte Handlung, scharfe Dialoge verziert mit einer Humorpalette variierend zwischen klassisch trockenen Humor der Briten, spitzbübische Kommentare und eine Ironie in der sich anbahnenden Lage - politisch und kulturell - in den Folgejahren und ein im Geiste agierender Vorfahre für Hitchcock-Thriller à la "North by Northwest".
Dazu noch die starke Chemie des Casts sorgte bei mir reihenweise Schmunzler und Auflachen ob der Lässigkeit, wie man diese Handlung von einem augenscheinlich alpinen Hotel eines fiktiven Staates auf einem Express gefüllt mit höllisch vielen Themen tragen konnte - und das in knapp mehr als 90 Minuten!

Wenn man mal von einem Shootout - würde man bei einem Hitchcock nicht unbedingt in dieser frühen Phase oder allgemein erwarten - absieht, der jetzt handlungstechnisch nicht das raffiniersteste, aus meiner Sicht, ist, hat der Film alles, was mich als Filmfan begehrt.

"The Lady Vanishes" ist einer der zugänglichsten, witzigsten und womöglich wichtigsten Filme aus Hitchcocks Schaffenswerk.

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It felt good for me to finally see another Hitchcock, where I am in the best of hands both technically and conceptually.

"The Lady Vanishes" by Alfred Hitchcock is so far the oldest work I have seen from his vita and shows his technical finesse along with a plot that incorporates several themes like a cocktail. It is not the "cocktail for a corpse", but a "cocktail of the everyday".

Published in 1938, this thriller contains and compresses almost everything that this combination of genre and Hitchcock can offer. A plot that was damn cleverly constructed for the time, sharp dialogues embellished with a humorous palette varying between classic dry British humour, mischievous comments and irony in the situation that was developing - politically and culturally - in the following years and an ancestor in spirit for Hitchcock thrillers à la "North by Northwest".
In addition, the strong chemistry of the cast made me smile and laugh out loud at the nonchalance with which this plot could be carried from an apparently alpine hotel in a fictitious state on an express filled with a hell of a lot of themes - and in just over 90 minutes!

If you disregard the shootout - something you wouldn't necessarily expect from a Hitchcock in this early phase or in general - which isn't the most sophisticated in of plot from my point of view, the movie has everything I desire as a film fan.

"The Lady Vanishes" is one of the most accessible, funniest and possibly most important films in Hitchcock's oeuvre.

Watched on Saturday May 3, 2025.

🇺🇸👊English review below👊🇺🇸

Hollywood-Durchschnitt in purster Form!
Ich brauch kein Heroic Buttshit!
Lasst Gareth Evans in Ruhe, Netflix!

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The average Hollywood production in its purest form!
I don't need no Heroic Buttshit!
Leave Gareth Evans alone, Netflix!

🇮🇹🧜🏻‍♀️English review below🧜🏻‍♀️🇮🇹

In Kooperation mit Neapel und Yves Saint Laurent (again)

"Parthenope" ist eine bebilderte Ode an die Schönheit, welche die Menschheit zu bieten hat und das in der im griechischen definierten "neuen Stadt", die aber vielerlei Fragen aus alten Zeiten aufwirft.

Inszenatorisch triumphiert Paolo Sorrentino erneut für mich durch seine himmlisch klaren Bilder, makellosen Tracking Shots und stimulierenden Zooms. Neapel wäre bei einer Italienreise meinerseits mit Sicherheit eine Anhalt wert, vor allem aufgrund der schönen Magmatit- und Kalk-Klippen, deren Grazie die horizontale Schnittstelle zum ebenso verführerisch azurblauen Tyrrhenischen Meer bildet.
Es ist filmjournalistisch betrachtet eine für den Film inflationäre Phrase, dass es "der schönste Film des Jahres" sei. Es sind zwar erst 4 Monate von 2025 vergangen, allerdings nominiert er sich absolut für diese Bezeichnung und mal sehen, ob sich dies bewahrheiten könnte.

Neben der geographischen Schönheit bekommt man auch das Debüt einer menschlichen Schönheit, Celeste Dalla Porta. Für diese poetisch anmutende Geschichte in Prunk und ausufernder Rastlosigkeit nach Leben ist sie wohl etwas, was ich als perfekten Cast sehe. Noch dazu strahlt sie nicht nur optisch, sondern mit einem Intellekt, der sofortige Antworten und Konter gibt. Umzingelt von Menschen - Männer als auch Frauen - die sie nahezu immer begehren, ignorieren ihr Bestreben nach Wissen, was sie in die Wissenschaft der Anthropologie treibt. Ohne zu wissen, was Anthropologie bedeutet, um das noch zu erwähnen. Man sagt ja "die Lehre von...", aber das reicht nicht, um zu verstehen. Es durstet nach Antworten, ob sie aber all die Dinge über Bord wirft, die sie selbst erfüllen?

Ich schätze, dass viele sich womöglich nach der Jugend, der Nostalgie und der Freiheit im höheren Alter sehnen, in der viele die pursten Momente von Emotionen verspürt haben und das Leben als Erwachsener mit Verantwortung, Selbstbehrrschung und Arbeit bis auf Urlaubstage täglich gefüllt sind. Und dieses Gefühl transportiert Sorrentino und Kameramann Lele Marchitelli zusammen mit dem sprunghaften Schnitt elegant.

Doch so sehr ich die bildliche und thematische Poesie schätze, so zehrend wurde die Narrative, je länger der Film fortsetzt. Ohnehin ist die Handlung für fast 140 Minuten viel zu lang gestreckt und zeitweise in der Mittelphase habe ich mich mehrmals die Laufzeit blicken lassen, sobald ich fühlte, der Film bleibt stehen. Und das ist etwas, was ich von "La Grande Belezza" gar nicht kenne, der andere Sorrentino, den ich gesehen habe. Circa 30 Minuten, auch die Szenen, wo Gary Oldman als Schriftsteller und Melancholie-Alkholiker präsent ist, werden nicht sonderlich genutzt, um Parthenope zu entwickeln und streckten Momente mit Charakteren, in denen die Kritik durch ihr selbstgefälliges, dekadentes Verhalten lasch ist.

Für die Bilder und die Personen ein einziger Augenschmaus und eine Modeschau, die Menschen und die Ängste und Tragiken des Lebens und des städtischen Chaos von irdischer Poesie angehaucht, aber durch die Erzählung defintiv keine Empfehlung in das Schaffen Sorrentinos einzusteigen.

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In cooperation with Naples and Yves Saint Laurent (again)

"Parthenope" is an illustrated ode to the beauty that humanity has to offer in the "new city" defined in Greek, but which raises many questions from ancient times.

Paolo Sorrentino once again triumphs for me with his heavenly clear images, flawless tracking shots and stimulating zooms. Naples would certainly be worth a stop on a trip to Italy on my part, especially because of the beautiful magmatite and limestone cliffs, whose gracefulness forms the horizontal interface with the equally seductive azure Tyrrhenian Sea.
In of film journalism, it is an inflationary phrase for the movie that it is “the most beautiful film of the year”. It's only been 4 months of 2025, but it absolutely nominates itself for this designation and let's see if this could prove to be true.

Alongside the geographical beauty, you also get the debut of a human beauty, Celeste Dalla Porta. For this poetic story of pomp and rampant restlessness for life, she is probably what I see as the perfect cast. What's more, she is not only visually radiant, but with an intellect that provides immediate answers and counters. Surrounded by people - men and women alike - who almost always desire her, ignore her quest for knowledge, which drives her into the science of anthropology. Without knowing what anthropology means, just to mention it. They say "the study of...", but that's not enough to understand. It thirsts for answers, but whether it throws overboard all the things that fulfill it itself?

I guess many may long for the youth, nostalgia and freedom of old age, when many felt the purest moments of emotion and life as an adult is filled with responsibility, self-devotion and work except for vacation days every day. And this feeling is elegantly conveyed by Sorrentino and cinematographer Lele Marchitelli together with the erratic editing.

But as much as I appreciate the visual and thematic poetry, the longer the film goes on, the more draining the narrative becomes. In any case, the plot is stretched out far too long for almost 140 minutes and at times in the middle phase I found myself watching the running time several times as soon as I felt the movie was coming to a halt. And that's something I'm not at all familiar with from "La Grande Belezza", the other Sorrentino I've seen. About 30 minutes, including the scenes where Gary Oldman is present as a writer and melancholy alcoholic, are not used much to develop Parthenope and stretched out moments with characters where the criticism is lackadaisical due to their smug, decadent behavior.

For the images and the characters, a single feast for the eyes and a fashion show, the people and the fears and tragedies of life and urban chaos tinged with earthly poetry, but definitely not a recommendation to enter Sorrentino's oeuvre through the narrative.

🇪🇸🚺English review below🚺🇪🇸

"Wenn der Hahn seine Federn verliert, hört er auf zu singen."

"Tristana" beschreibe ich gerne als einen kleinen räumlichen Ausschweifer, da Regisseur Luis Buñuel zu Plätzen seiner Anfänge zurückkehrt. Oder besser gesagt: Es geht wieder nach Spanien, ohne Dalí, sonstige Kollegen der 1920/1930er Surrealistenszene und ohne Drehbuchpartner Jean-Claude Carrière.
Für diesen Film wird in vielerlei Hinsicht auch auf den sanftmütig-cleveren Surrealismus verzichtet und eine geradlinige Geschichte vorzieht. Zugleich handelt es sich hierbei um eine Adaption des gleichnamigen Romans von Benito Pérez Galdós aus dem Jahre 1892.

Aufgefangen wird der Zuschauer von der titelgebenden Tristana (Catherine Deneuve), welche als Tochter einer verstorbenen Mutter vom vermeintlichen Edelmann und Hypokriten Don Lope (Fernando Rey) adoptiert wurde. Einerseits präsentiert er sich als umweltbewusst für die Gesellschaft, andererseits lässt er seine Fassade von Aussagen über Unabhängigkeit umbauen als Wall der Überwachung. Nicht nur, dass er sie unter seiner Obhut als erklärter Vormund nimmt, sondern sie ist zugleich als Geliebte von ihm behandelt. Nahezu ohne wirkliches Taglicht auf der Haut ist sie zusammen mit Dienstmagd Saturna (Lola Gaos) in der üppigen Wohnung des Dons nahezu der Öffentlichkeit verwehrt. Immer mehr bauscht sich ein Widerstand von Seiten Tristanas auf. Angefangen mit spöttischen Gesprächen mit der Saturna bis hin zu ausschweifenden Nachtausflügen. Noch dazu ist die erzwungene Liebesbeziehung zum Don am bröckeln als dann auch der Künstler Horacio (Franco Nero) hinzukommt und Tristana eine Chance auf wahre, ausgeglichene Liebe sieht.

Catherine Deneuve spielt wie gewohnt mit wandelnden Gefühlslagen. Man kennt ja die Madame Deneuve mit ihrer schnörkellos geradlinigen blonden Pracht und den sentimentalen, braunen Augen, was manchmal den einen oder anderen warm werden lässt. Von Natur aus, dürfte nicht überraschend sein, ist sie Brünette. Und hier lässt sich argumentieren, ob sie in blond oder brünett eine stechendere Persona ausstrahlt? Weil hier wirkt es redlich erfrischend, sie ohne große Nachhilfe vom Make-up- und Kostüm-Department zu sehen, während ihre Figur charakterlich eine starke aber verständliche Kehrtwende vollzieht.

Das Thema wird offengelegt und seziert. Emanzipation ist der Stein, der immer schneller zum Rollen gebracht wird. Psychische Manipulation, Gefangenschaft und inzestuöse Anleihen. Immer mehr entstand bei mir das Gefühl, dass man hier charakterlich eine Revolte der wahren Liebe bis hin zu einer sexuellen Vergeltung bekommt. Die Änderung der Emotionen von Tristana und dem Don laufen stets diametral und wechseln sich im Charakter die Seiten. Und in Bezug auf die Figur Franco Neros kommt dann ein eher unkonventioneller und ehrlicher Take daher, welcher dieses Verhältnis in dieser Konstellation nachvollziehbar macht und stark unterfüttert.

Auch hier ist erneut keine extradiegetische Musik zu hören. Sobald man in die Hände eines Meisters gelegt wird, auf den Plot fokussiert ist, lässt dies einen die Stummheit verblassen und die Omnipräsenz vom Ton der Handlung sowie Figurenkonstellation etablieren.

"Tristana" erscheint unscheinbar unter den großen, beliebten Werken Buñuels, denn es ist ein kurzer Abstecher in den Ort seiner Anfänge sowie erzählerisch ein Rückblick auf die Stringenz seiner mexikanischen, fast neorealistischen Filme. Surrealismus, wie er zu der Zeit üblich war, ließ er fast gänzlich beiseite liegen, nutzt jedoch eine ähnliche Palette an Symbolik wie gewohnt, gerade wenn es um (Alb-)träume geht.
Ein Dämpfer bei der sehr wichtigen Odyssee der Komplexität weiblicher Emanzipation bleibt die Buñuel-untypische Langatmigkeit im letzten Drittel des sonst dramaturgisch interessanten Identitätsdramas. Als Einsteiger für Buñuels Schaffen nicht sonderlich repräsentativ, jedoch als Juwel unter lauteren Vorgängern und Nachfolgern auf alle Fälle zu empfehlen.

Eine Notiz und Frage zur Sichtung:
Mit einem 2 Jahre alten Blu-ray-Player und einem Bildschirm, der vor 9,5 Jahren in mein Zimmer landete und für mich ungewöhnliche 60p bei Bildwiedergabe abspielen lies, ist mir gerade bei Discs von "The Night of the Hunter", "Peeping Tom" und eigentlich allen Buñuel-Filmen aus der Box aufgefallen, dass das alle 10-20 Sekunden kurz ruckelt. Es ist so als würde die Kombination aus 4K-Restauration, filmstandardmäßige 24p der Disc sowie Playereinstellung und den 60 Frames des TVs diesen Effekt erzeugen. Nun, es ist kein Debakel, ansonsten läuft der und andere Buñuels einwandfrei in anderen technischen Aspekten. Es ist tiefenscharf, läuft bis auf die kleinen Tics flüssig. Das Witzige ist ja, dass Filme derselben Zeit wie "For a Fistful of Dollars" reibungslos. Also am Alter des Films und der vorherigen Restauration scheint es nicht zu liegen. Vielleicht war es im Brennen der Discs nicht reibungslos abgelaufen. Dass es an Eastman Color liegt (von "Belle de Jour" aufwärts), sortiere ich erstmal aus.
Was denkt ihr?

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I like to describe "Tristana" as a small spatial digression, as director Luis Buñuel returns to places from his beginnings. Or rather: he goes back to Spain, without Dalí, other colleagues from the 1920/1930s surrealist scene and without screenwriting partner Jean-Claude Carrière.
In many respects, this film also dispenses with the gentle and clever surrealism in favor of a straightforward story. It is also an adaptation of the novel of the same name by Benito Pérez Galdós from 1892.

The viewer is captured by the titular Tristana (Catherine Deneuve), who, as the daughter of a deceased mother, was adopted by the supposed nobleman and hypocrite Don Lope (Fernando Rey). On the one hand he presents himself as environmentally conscious for society, on the other he has his façade of statements about independence rebuilt as a wall of surveillance. Not only does he take her under his care as a declared guardian, but she is also treated as his mistress. With almost no real daylight on her skin, she and maid Saturna (Lola Gaos) are virtually denied publicity in the don's lavish apartment. More and more resistance builds up on Tristana's part. Starting with mocking conversations with Saturna and ending with debauched night outings. In addition, the forced love affair with the Don is crumbling when the artist Horacio (Franco Nero) comes along and Tristana sees a chance for true, balanced love.

As usual, Catherine Deneuve plays with shifting emotions. You know Madame Deneuve with her straightforward blonde splendor and sentimental brown eyes, which sometimes warms the heart of some. By nature, it should come as no surprise, she is a brunette. And here you can argue whether she radiates a more striking persona in blonde or brunette? Because here it's genuinely refreshing to see her without much help from the make-up and costume department, while her character undergoes a strong but understandable character turnaround.

The theme is laid bare and dissected. Emancipation is the stone that is set rolling faster and faster. Psychological manipulation, captivity and incestuous bonds. More and more, I got the feeling that I was witnessing a revolt of true love and even sexual retribution. The changing emotions of Tristana and the Don are always diametrically opposed and the characters change sides. And with regard to the character of Franco Nero, there is a rather unconventional and honest take, which makes this relationship in this constellation comprehensible and strongly underpins it.

Once again, there is no extradiegetic music to be heard. Once placed in the hands of a master, focused on the plot, this allows the muteness to fade and establish the omnipresence of the tone of the plot and constellation of characters.

"Tristana" appears inconspicuous among Buñuel's great, popular works because it is a brief detour to the place of his beginnings and, in narrative , a look back at the stringency of his Mexican, almost neo-realist films. He left surrealism, as was common at the time, almost completely to one side, but uses a similar palette of symbolism as usual, especially when it comes to nightmares/dreams.
A damper on the very important odyssey of the complexity of female emancipation remains the Buñuel-atypical tediousness in the last third of the otherwise dramaturgically interesting identity drama. Not particularly representative of Buñuel's work as a newcomer, but definitely recommended as a jewel among its louder predecessors and successors.

A note and question about the viewing:
With a 2 year old Blu-ray player and a screen that landed in my room 9.5 years ago playing an unusual 60p for me in picture playback, I've just noticed with discs of "The Night of the Hunter", "Peeping Tom" and actually all Buñuel films from the box that it jerks briefly every 10-20 seconds. It's as if the combination of the 4K restoration, the movie-standard 24p disc and player settings and the 60 frames of the TV create this effect. Well, it's not a debacle, otherwise this and other Buñuels run flawlessly in other technical aspects. It's in sharp focus and runs smoothly except for the small tics. The funny thing is that films of the same era as "For a Fistful of Dollars" run smoothly. So it doesn't seem to be the age of the movie or the previous restoration. Maybe it was the burning of the discs that didn't go smoothly. I'll sort out that it's due to Eastman Color (from "Belle de Jour" upwards) for now.
What do you think?

Irgendwie kein Bock eine anständige Review zu schreiben, deswegen eine typisch deutsche Aussage, wenn man ein cineastisches Bildgefühl nicht so recht für sich einordnen kann und nachdenklich mit gemischtem Gemüt zurückgelassen wird:

Tja...

🇧🇷👦🩸English review below🩸👦🇧🇷

Eine Film über eine Geschichte, welche von einer Tatsache eingeholt wird...

Eine Studie über eine Tatsache, welche das Umdenken in der Rechtslage aufforderte...

Eine Rechtslage mit einer Lücke, welche verheerende Folgen mit sich brachte...

Einige Folgen, welche den Bodensatz einer Gesellschaft immer weiter wie ein wünschenwert sicheres Kissen zerfleddert...

Der Bodensatz der Gesellschaft beginnt dann infiltrieren, wo die Kette von Bösartigkeiten ein Glied mehr gewinnt...

Man gab dem Menschen das Meer, Bäume, den Wind, Kinder, Gespür von Liebe, das Leben.
Menschen gaben den Menschen Asphalt, Armut, Drogen, Waffen, Korruption, Ausbeutung.

In einer bösartigen Welt bildet sich ein Geschwür in der Jugend. Ein Gefühl vom jungen Gemüt bescheidener Umstände, dass die ganze Welt sich gegen sie lehnt. Manchmal frage ich mich, ob letztendlich diese Bösartigkeit sich nur in andere Gefilde geschoben und intensiviert hat?

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A movie about a story that is caught up in a fact...

A study of a fact that prompted a rethink of the legal situation...

A legal situation with a loophole that had devastating consequences...

Some consequences that continue to tatter the sediment of a society like a desirable safe cushion...

The dregs of society then begin to infiltrate, where the chain of wickedness gains one more link...

To us, it was given the sea, trees, the wind, children, a sense of love, life.
People gave people asphalt, poverty, drugs, weapons, corruption, exploitation.

In a vicious world, an ulcer forms in youth. A feeling from the young mind of humble circumstances that the whole world is leaning against them. Sometimes I ask myself whether, in the end, this malignancy has only shifted and intensified into other realms?

Watched on Tuesday April 15, 2025.

🇺🇸💉English review below💉🇺🇸

Eine Frau sagt im Film: "Someone better turn the fan on, I think the temperature's rising."

In Wahrheit ist nicht nur Temperatur in ihre Höhen geschossen, sondern auch der Zeitpunkt des Black Cinemas in den 70ern. Ein paar Ziele davon:
- dass das schwarze Publikum ein Gefühl von Präsenz und Representation im Kino erhält, eine eigene Bühne
- eine Bühne, in der den Weißen aufgezeigt wird, dass ihnen die Stirn geboten werden kann und man nicht als Spielball der Umgebung benutzt wird
- eine Umgebung, die zuvor ständig mit unterwürfigen, teils animalischen Stereotypen der Schwarzen Massen, anlockten, unterhielten und Geld mit verdienten

Black Cinema oder auch "Blaxploitation" war damals eine scharfe Klinge, an der sich sowohl der gegenüber, an dem es vor quergehalten wurde als auch mit der Hand am Griff bloß beim Blick schneiden konnte. Für die Afroamerikaner war es ein Ticket gehört und gesehen zu werden. Und auch wenn diese Welle ab den 1980ern implodierte durch die Repitition, hinterließ sie ihre Spuren und verschaffte einigen Menschen Erfolg, Anerkennung und demzufolge eine Stimme. Budget und realistisches Schauspiel seien zweitrangig. Die Message sollte möglichst deutlich, zugänglich und gesellschaftspolitisch sein wie auch den Willen nach Freiheit ansprechen.

"Coffy" stellt für mich bisher die No. 1 des Ganzen heraus und zeigt ebenfalls ein deutliches Zeichen für das Loslösen der schwarzen Frau aus dem Gewinde endloser Unterdrückung oder Unscheinbarkeit. Als dieses Genre durch Kerle wie Melvin van Peebles über die Community außerhalb der Staatsgewalt lostrat, vergaß man doch schnell die Idee darüber, dass nicht nur die Männer, sondern auch die Frauen ein Wörtchen mitzureden haben.
Und wer konnte diese Attitüde mit einer furiosen Screenpräsenz vereinen wie Pam Grier. "Foxy Brown", ebenfalls von Jack Hill, hinterließ bei mir bereits einen verlockenden Eindruck, aber dieser hier zeigte nochmal etwas mehr Pepp im Erzähltempo. Man braucht kein Dope für ein Rendezvous mit der Couch, wenn man Kino wie dieses hat!

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A woman says in the movie: "Someone better turn the fan on, I think the temperature's rising."

In truth, not only has the temperature shot up, but also the timing of Black Cinema in the 70s. A few goals of this:
- For black audiences to have a sense of presence and representation in cinema, a stage of their own
- a stage to show white people that they can stand up to them and not be used as a pawn in the environment
- an environment that previously constantly attracted, entertained and made money with submissive, sometimes animalistic stereotypes of the black masses

Black Cinema or "Blaxploitation" was a sharp blade at the time, which could cut both the person holding it in front of and the hand on the handle just looking at it. For African-Americans, it was a ticket to be heard and seen. And even though this wave imploded from the 1980s onwards due to repitition, it left its mark and gave some people success, recognition and consequently a voice. Budget and realistic acting were of secondary importance. The message should be as clear, accessible and socio-political as possible, as well as appealing to the desire for freedom.

"Coffy" stands out for me as the No. 1 of the whole thing so far and also shows a clear sign of the black woman breaking free from the thread of endless oppression or inconspicuousness. When this genre was kicked off by guys like Melvin van Peebles via the community outside of state violence, the idea that not only men but also women had a say was quickly forgotten.
And who could combine this attitude with a furious screen presence like Pam Grier. "Foxy Brown", also by Jack Hill, already left a tantalizing impression on me, but this one showed a little more pep in the narrative pace. You don't need dope for a rendezvous with the couch when you have movies like this!

🧱⛏English review below⛏🧱

Zum Anlass des Geburtstags der Tochter einer Bekannten und abgesehen davon, dass ich gestern nichts wichtigeres zu tun hatte, gab ich doch klein bei und erhoffte eine gute Zeit im Kino. Ich folgte dem zuversichtlichen Motto: "Wenn schon ein immersives Erlebnis, dann im Kino!"
Und ich muss sagen, insgesamt hatte ich eine gute Zeit in der Gruppe, aber nicht unbedingt aufgrund von "A Minecraft Movie", denn da wurden mit gemischten Gefühlen der Saal durch eben jenen Film bis zum Rand gefüllt. Es war zu 90-95% voll. Vertonung: Deutsch, also inklusive deutsche Influencer, die keine professionelle Ausbildung als Synchronsprecher haben.

Folgendes ist iert:
Gerade ein paar Spät-Teenies - fünf, um genau zu sein - standen nach 20 Minuten auf, verließen den Saal und einer wank vor Verlassen der Leinwand entgegen ab. Keine 5 Minuten später fingen auf einmal eine Reihe runter schräg rechts an die Handys anzuschalten und von der Entfernung aus sah es nach WhatsApp-Chatverläufe aus, in denen diese im regen Austausch zu anderen standen. Vielleicht waren die das untereinander. (Macht die Handys aus im Saal, ihr Lackaffen!) Dann wurde bei all der mehr oder weniger verborgenen Ironie, welche die Blockbuster heutiger Zeit beinhalten, nicht ein einziges Mal laut aufgelacht. Sozusagen "Thema "Humor" verfehlt, 6, setzen!" Andererseits wurde von der Tochter und anderen um mich herumsitzenden Kindern öfters mit Euphorie leise zu sich geredet, was für Details in der Overworld gesichtet worden sind, aber das nur an zwei Stellen wie "Enderperle" oder "Gib' dem Wolf den Knochen!"
Sobald aber eine Gesangseinlage von German Jack Black kam, habe ich ein bisschen mit meinem Finger im rechten Ohr gebohrt, während sieben bis acht entweder den Saal verlassen oder auf dem Klo gewesen und erst gegen Ende wieder eintraten.

Puh... ja, Jack Black... das ist, ähm... ja, vorbei, finito und das bereits seit gefühlt einer Dekade. Er als verkommener Steve fungiert als "verkannter Meister der Exposition" und erklärt alles Mögliche über diese kubisch verzierte Welt, sobald er das Bild einnimmt. Keine Stille herrscht, wenn er präsent ist. Es ist furchtbar nervig und zugleich ein trauriges Abbild eines Typecasts, dessen Relevanz über die Jahre graduell abnahm und nur noch auf die Karikatur seiner Selbst zurückgegriffen werden kann. Er scheint an dem Punkt angelangt zu sein, wo es trotz Leidenschaft nur noch darum geht, so laut wie möglich die sinnbefreitesten Verniedlichungen von Wörtern zu sagen.

Ach ja, und dann gibt es Schauspieler X-Y, welche Figuren X-Y darstellen, deren Namen ich nicht zuordnen kann. Jason Momoa als abgehalfterter Oldie aus der 80er-Acade-Ära ist auch so ein Kandidat für die dämlichste Filmfigur mit der spannendsten Story in einem Film dieser Größenordnung.
Die Story in der realen Welt, bietet trotz der deutlich kreativeren Over- und Netherworld die deutlich kreativeren Ansätze für eine Handlung über das Aufbauen einer neuen Existenz, woraus aber nur am Ende das kurz abgefrühstückt wird. Außerdem sieht die reale Welt auch aus wie eine sterile, polierte Welt.

Ich hätte mir auch ein Texture Pack gewünscht, bei welchem man schlussendlich in der Lage gewesen wäre, reale Darsteller adäquat ihre Silhouetten mit der Welt zu verschmelzen. Ist natürlich eine Mordsarbeit, aber wenn ich daran denke, dass man (hoffentlich) von 150 Millionen US-Dollar nicht nur die Gagen der Darsteller gezahlt hat, wäre sicher mehr drin gewesen.

Dafür, dass dieses Projekt unmittelbar nachdem das Spiel endgültig durchbrach, ist es doch ein für mich ernüchterndes Fazit, dass es solch einen Film über eines der kreativsten Videospiele nicht gebraucht hat. Die Zusammensetzung von der realen Welt und der Over- und Netherworld vertrugen sich untereinander nicht. Seien es die stark kontrapunktierten Visualisierungen der Welten oder die Dramaturgie. "A Minecraft Movie" hat ein solides Pacing, unterhielt mich aus unerklärlicher Weise, aber ja...

Sobald wir uns darüber kurz in der Gruppe unter den "Älteren" sprachen, wie der Film war, habe ich gleich gesagt:
"Entweder bin ich zu alt schon für Minecraft geworden oder die Macher versuchten sich so krampfhaft an die jüngste Generation anzubiedern, die das Minecraft, was ich als Kind sporadisch gespielt habe, gar nicht kennen."

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On the occasion of a friend's daughter's birthday and apart from the fact that I had nothing more important to do yesterday, I gave in and hoped for a good time at the movies. I followed the confident motto: "If an immersive experience, then at the movies!"
And I have to say, overall I had a good time in the group, but not necessarily because of "A Minecraft Movie", because the theater was filled to the brim with mixed feelings by that very movie. It was 90-95% full. Dubbing: German, including German influencers who have no professional training as dubbing actors.

Here's what happened:
Just a few late teens - five, to be exact - stood up after 20 minutes, left the auditorium and one wobbled off towards the screen before leaving. Less than five minutes later, a row of people diagonally to the right suddenly turned on their cell phones and from a distance it looked like WhatsApp chat histories in which they were in a lively exchange with others. Maybe they were with each other. (Turn off your cell phones in the auditorium, you paint monkeys!) Then, with all the more or less hidden irony that today's blockbusters contain, there wasn't a single laugh out loud. "Missed the "humor" point, so to speak, F-, sit down!" On the other hand, my daughter and other children sitting around me were often talking quietly to each other with euphoria about what details had been sighted in the Overworld, but only in two places like "Enderperle" or "Give the wolf the bone!"
However, as soon as a vocal interlude by German Jack Black came on, I picked my right ear a little with my finger, while seven to eight either left the hall or went to the loo and only re-entered towards the end.

Phew... Yes, Jack Black... that's, um... well, over, finito, and it feels like it's been over for a decade. He as degenerate Steve acts as the "unrecognized master of exposition" and explains all sorts of things about this cubically decorated world as soon as he takes the picture. There is no silence when he is present. It's terribly annoying and at the same time a sad reflection of a typecast whose relevance has gradually diminished over the years and can only be reverted to a caricature of himself. He seems to have reached the point where, despite his ion, it's all about saying the most meaningless trivializations of words as loudly as possible.

Oh yes, and then there are actors X-Y who play characters X-Y whose names I can't place. Jason Momoa as a washed-up oldie from the 80s arcade era is also a candidate for the dumbest character with the most exciting story in a movie of this size.
The story in the real world, despite the much more creative Over- and Netherworld, offers a much more creative approach to a plot about building a new existence, but only gets a short shrift at the end. In addition, the real world also looks like a sterile, polished world.

I would also have liked to have seen a texture pack that would have finally enabled the real actors to adequately blend their silhouettes with the world. It's a hell of a job, of course, but when I think that (hopefully) more than just the actors' salaries were paid out of 150 million US dollars, more would certainly have been possible.

Given that this project was made immediately after the game finally broke through, it is a sobering conclusion for me that such a movie about one of the most creative video games was not needed. The composition of the real world and the overworld and netherworld didn't get along with each other. Be it the strongly counterpointed visualizations of the worlds or the dramaturgy. "A Minecraft Movie" has a solid pacing, entertained me for some inexplicable reason, but yes...

As soon as we briefly talked about how the movie was in the group among the "older" people, I immediately said:
"Either I've gotten too old for Minecraft already or the makers were trying so hard to pander to the youngest generation who don't even know the Minecraft I played as a kid."

Watched on Tuesday April 8, 2025.

🇬🇧👨‍👩‍👧‍👦English review below👨‍👩‍👧‍👦🇬🇧

"Adolescence" bietet mir nicht die Offenbarung, viel mehr aber eine Warnung für nicht nur mich als junger Erwachsener, sondern für die Verantwortung als Erwachsener für den Nachkommen, denen man nahesteht, unabhängig ob im Blute verbunden oder durch entstandene Bindung.
Ich schätze die filmtechnische Methode, verschiedenste Perspektiven je Episode im One-Shot-Verfahren darzustellen. Damit ist eine intimere Sicht auf die Figuren gewährt und wurde durch das umschwenken auf eine vorbeilaufende Person sehr geschmeidig umgesetzt.
Vom Schauspiel muss ich neben den etablierten, britischen Darstellern à la Stephen Graham (Tommy Gun in "Snatch"), Erin Doherty (The Crown), Ashley Walters oder Christine Tremarco, die sehr gut sich der Immersion anfügen, eine Lanze für die Newcomer brechen. Allen voran Owen Cooper als Jamie Miller, ein 13-jähriger Junge, dessen generelle Ausstrahlungskraft eines fragilen Unschuldslammes gleichkommt, in Verbindung mit der Ermordung eines gleichaltrigen Mädchens verhaftet wird. Gerade in einem Verhör in Episode 3 brillieren diese inneren Turbulenzen und das überwältigende Maß an Einfluss von all dem, was wir verteufeln: Social Media.
Als dann aber die letzte, emotional für mich sehr aufwühlende Episode ihr Ende nahm, war Minuten später wirklich überzeugt davon, dass diese Miniserie nicht nur für Hype, sondern auch für gesellschaftlichen Nachhall sorgen könnte. Jedenfalls ist das Potenzial an Schulen definitiv gegeben, wo man es in Bezug zu Themen wie Medienkompetenz einbauen kann und etwas aufschlussreicher nicht nur für Jugendliche, sondern ebenso für Lehrer dient, die diesem Stadium nicht gewachsen zu scheinen.

Die Geschichte mag zwar in großen Teilen rein fiktionalisiert sein, andererseits beruft man sich hier auf Fälle von Messerattacken und erschreckenden Statistiken, vornehmend aus Großbritannien. Von solchen Taten kann sich nahezu keine Gesellschaft in den Ecken der Welt freisprechen.

Gerade die Jugendzeit ist geprägt von emotionalen Entwicklung, im Inneren durch vowiegend hormonelle Schwankungen. Nicht jeder gleich stark betroffen, in einigen aber wird ein Rebellierungsgedanke erweckt, erstes Moment von Libido, eine fragile Persönlichkeit, die eine deprimierende Selbstreflexion hervorrufen kann, manchmal auch aus dem simplen Grund, dass die Eltern dir am Küchentisch sagen: "Räum' doch bitte mal dein Zimmer auf!" Kleinste Dinge können das Achterbahn-Gemüt aus dem Konzept bringen und es ist manchmal sehr müßig.
Ich komme aus einer Generation, die man vielerlei Dinge nennt: "Gen Z", "Digital Natives", "Zoomer" und manchmal weitaus herabwertender. Ich konnte die ersten 9 Jahre meines Lebens ohne Technologie auskommen. Als ich schließlich meinen ersten, eigenen PC geschenkt bekam, ist seitdem der Gedanke von einem Leben immer verschwommener. Mit 11 Jahren das Nokia mit Tasten und vermutlich der stabilste Typ von Smartphone, den ich in der Hand hielt. Dass diese Lebensweise auf weitaus nicht alle zutrifft, sollte aber klar sein.
Seit den 2020ern scheint dies wohl durch alle Schichten der Gesellschaft durchgesickert zu sein. Denn vor 10 Jahren, wo ich jugendlich war, erschien die Idee, dass mein Vater auf von mir verschmähten Social Media Plattformen wie TikTok sich Clips von Kochrezepten oder Auto-Dummy-Tests über WhatsApp und politisch fragwürdigen Aktionen schickt, absurd. Wie sehr man nachgibt, sobald man die Notwendigkeit im Alltag oft genug beworben hat.

Dennoch ist zu meiner Zeit eine Sache schon ein normaler Gedanke in der digitalen Welt: Cyberbullying und eine Abspaltung in Randgruppen radikalen Gedankenguts, welche in die düstersten Ecken gabeln, wenn wir von der Zukunft einer gefestigt sein wollenden Gesellschaft reden. Abwegige, manchmal auch kontroverse, stark aneckende Meinungen sollten toleriert sein, die auch manchmal nötig sind für Entwicklungen. Wenn aber die Transparenz für weitaus mehr Menschen in anonymen und öffentlichen Gruppen auf Social Media gegeben ist und Algorithmen einen dezent fragwürdige Formate hineinwerfen, dann werden diese Meinungen geballt, intensiviert und exzessiv präsentiert. Und das auf den größten Bühnen, die Social Media bieten kann. Themen wie Incel-Kultur und ein hemmungsloses Idealisieren von Männlichkeit durch seelenlose Pappfiguren, was hier auch direkt angesprochen wird. Andrew Tate ist eine direkte Erwähnung diesbezüglich wert. Dieser Überkonsum von Medientrends, Kurzclips und Meinungsbloggern in Kombination mit der Radikalisierung sowie Intoleranz abweichender, diametraler Meinungen in der Bevölkerung bewirkt ein ätzendes, schleichendes Nervengift, wo die Synapsen aus Verzweiflung, Wut oder Überforderung platzen.

Social Media ist ein effektives und sehr zweckdienliches Werkzeug für jegliche Branche, für Personen, die sich präsentieren oder auch austauschen wollen. Doch je nachdem, wie es eingesetzt wird, entscheidet den Tag und den danach. Und wie der Status Quo sich aktuell präsentiert, hat sich dieses "ist" zu Beginn des Absatzes mehr in ein "war gewesen" als in ein "wird sein" geformt.

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"Adolescence" does not offer me a revelation, but rather a warning not only for me as a young adult, but for the responsibility as an adult for the offspring to whom one is close, regardless of whether they are connected by blood or by a bond that has developed.
I appreciate the cinematic method of presenting different perspectives per episode in a one-shot process. This provides a more intimate view of the characters and was realized very smoothly by switching to a person walking by.
In addition to the established British actors such as Stephen Graham (Tommy Gun in "Snatch"), Erin Doherty (The Crown), Ashley Walters or Christine Tremarco, who are very well suited to the immersion, I have to take up the cudgels for the newcomers. First and foremost is Owen Cooper as Jamie Miller, a 13-year-old boy whose general charisma is that of a fragile innocent who is arrested in connection with the murder of a girl of the same age. It is in an interrogation in episode 3 that this inner turmoil and the overwhelming amount of influence of all that we demonize: social media, shines.
But when the last episode, which I found very emotionally stirring, came to an end, minutes later I was really convinced that this mini-series could not only create hype but also social reverberations. In any case, the potential is definitely there in schools, where it can be incorporated in relation to topics such as media literacy and serve something more enlightening not only for young people, but equally for teachers who don't seem to be up to this stage.

The story may be purely fictionalized in large parts, but on the other hand, it refers to cases of knife attacks and frightening statistics, mainly from the UK. Almost no society in any corner of the world can absolve itself of such acts.

Adolescence, in particular, is characterized by emotional development, internally by predominantly hormonal fluctuations. Not everyone is affected to the same extent, but in some a rebellious spirit is awakened, the first moment of libido, a fragile personality that can cause depressing self-reflection, sometimes for the simple reason that your parents say to you at the kitchen table: "Please tidy your room!" The smallest things can upset the rollercoaster mind and it is sometimes very tedious.
I come from a generation that has been called many things: 'Gen Z', 'digital natives', 'zoomers' and sometimes far more derogatory. I was able to get by without technology for the first 9 years of my life. When I finally got my first personal computer as a present, the idea of a life since then has become increasingly blurred. At 11 years old, the Nokia with buttons and probably the most stable type of smartphone I held in my hand. But it should be clear that this way of life doesn't apply to everyone.
Since the 2020s, this seems to have percolated through all levels of society. Because 10 years ago, when I was a teenager, the idea of my father sending clips of cooking recipes or car dummy tests via WhatsApp and politically questionable actions on social media platforms like TikTok, which I despised, seemed absurd. How much you give in as soon as you've d the necessity in everyday life often enough.

Nevertheless, in my time, one thing is already a normal thought in the digital world: cyberbullying and a split-off into fringe groups of radical ideas that fork into the darkest corners when we talk about the future of a society that wants to be stable. Deviant, sometimes controversial, strongly offensive opinions should be tolerated, which are also sometimes necessary for developments. But when transparency is available to far more people in anonymous and public groups on social media and algorithms throw in discreetly questionable formats, then these opinions are concentrated, intensified and presented excessively. And on the biggest stages that social media can offer. Topics such as incel culture and an unrestrained idealization of masculinity through soulless cardboard figures, which is also directly addressed here. Andrew Tate is worth a direct mention in this regard. This over-consumption of media trends, short clips and opinion bloggers combined with the radicalization and intolerance of dissenting, diametrically opposed opinions in the population creates a corrosive, insidious neurotoxin where synapses burst out of despair, anger or overwhelm.

Social media is an effective and very useful tool for any industry, for people who want to present themselves or exchange ideas. But how it is used determines the day and the day after. And as the status quo currently stands, this "is" at the beginning of the paragraph has become more of a "has been" than a "will be".

Watched on Thursday April 3, 2025.

🇺🇸⚰English review below⚰🇺🇸

Wenn sich ein Mythos bis in das Aufblüten des Filmgeschäfts durchlebt...

"Tombstone" kann sich als das Magnum Opus vom griechischen Regisseur George P. Cosmatos betrachten. Na gut, "Cobra" mit Sly ist vielleicht der größere Kassenschlager und besitzt eine absurde Loge im 80er-Action-Komitee meines Herzens. "Rambo II" ist ja auch noch von ihm. Im Großen und Ganzen einer, der inszenatorisch, auf welche Weise auch immer, auf den Putz haute. Sein Sohn Panos wiederum hat mit "Mandy" einen Metal-Revenge-Cocktail zubereitet, welcher einen in das fiebrige Delirium aka die Wahnsinnswelt des Nicolas Cage beförderte, aber darüber sprach ich bereits.

Dieses staubige Stadt-Spektakel, vom schmalen Grat zwischen der Moral von Gesetzesgebung und der Besitz von Waffen als Mittel der Selbstverteidigung oder Vergeltung, hat bei allen heutigen Maßstäben einen bierernsten Charakter.
Neulich habe ich ein Essay über die "Sincerity: Hollywood's Forgotten Currency" - also Aufrichtigkeit/Ehrlichkeit - gesehen und muss bei einigen Punkten zustimmen, wenn es darum geht, dass größere Filmproduktionen, gerade aus Hollywood der Ironie überdrüssig werden. 1993 war in Filmen wie "Tombstone" keine Ironie versteckt. Hier wird der Ernst der Lage auch ernst genommen, aufrichtig. Und es wird zu keiner Sekunde ein dramaturgisch geschmackloses Witzegewitter von Szene zu Szene eingebaut, um die Spannung die Kehle zuzuschnüren.

Nichtsdestotrotz kann der Film nicht an andere Filmklassiker des Westerngenres, sei auf US-amerikanischem oder italienischem anknüpfen. Der Grund liegt in der Vorhersehbarkeit und den charakterlichen Hüllen, da fast alle Figuren keine Komplexitäten mitbringen, sondern sehr simplifiziert in eine Geschichte über Kontrolle, Waffen und Rache eingebettet wurden.
Interessant ist aus heutiger Sicht schon die Betonung auf den Besitz von Waffen als Wehr oder Angriff. Sicherlich ist dies der Wilde Westen, in denen jene Gesetzlichkeiten und "Gesetzlosigkeiten" selbstverständlich sind, aber in der heutigen Gesellschaft würde dieser Verlauf, den es nimmt, wahrscheinlich nicht abgenommen und als Befeuerung für sowas wie die NRA angesehen werden würde. Ist ein Gedanke, den ich mal anstupsen wollte, ob der heutzutage noch mit dieser thematischen Auslegung abgedreht werden kann?

Was mir neben den grundlegend gut aufgebauten und anhaltenden Spannungsbögen zwischen den Auseinandersetzungen aufgefallen ist, ist natürlich die gute, alte, eingeölte Bass-Stimme von Robert Michtum als einläutender Erzähler, der auch das Schlusswort und somit die Klammer der Geschichte bildet.

Val Kilmer als der historische Revolverschütze Doc Holliday ist von dem ganzen Kollektiv am interessantesten geschrieben. Holliday, der als einstiger Zahnarzt, Gambler und schwerer Trinker überliefert wurde, war mit der treueste Weggefährte Wyan Earps. Schlitzohrig und und provokativ, gleichzeitig aber belesen (in Bezug, dass er Latein kann), selbstbewusst und sehr schnell mit der Kugelschleuder. Seine Absicht als der, der er ist oder sein Streben selbst wird aber weitesgehend im Dunkeln gelassen.
Wahrscheinlich ist das mit die beste Darbietung, die ich von ihm bisher sehen konnte. Zunächst war sein starker Südstaaten-Dialekt mir zu viel, aber fügte sich mit Verlauf der Geschichte fortwährend besser ein. Das sorgt für ein Alleinstellungsmerkmal, das fast kaum eine andere Figur besitzt. Leider könnte auch das, was am Ende mit Doc Holliday geschieht nicht ender sein für den Tod einer der vielversprechenden Schauspieler, die in den 80ern ihren Durchbruch erlangten.
Möge Val in Frieden ruhen.
(1959-2025)

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When a myth lives through to the blossoming of the movie business...

"Tombstone" can be considered the magnum opus of Greek director George P. Cosmatos. All right, "Cobra" with Sly is perhaps the bigger box office hit and has an absurd box in the 80s action committee of my heart. He also made "Rambo II". On the whole, he's someone who, in whatever way, really went for it. His son Panos, on the other hand, prepared a metal-revenge cocktail with "Mandy", which transported you into feverish delirium aka the insane world of Nicolas Cage, but I've already talked about that.

This dusty urban spectacle, of the fine line between the morality of law enforcement and the possession of weapons as a means of self-defense or retribution, has a beery seriousness to it by today's standards.
I recently saw an essay on "Sincerity: Hollywood's Forgotten Currency" and I have to agree with some of the points about major movie productions, especially Hollywood, becoming weary of irony. In 1993, there was no hidden irony in movies like "Tombstone". Here, the seriousness of the situation is taken seriously, sincerely. And at no point is a dramaturgically tasteless flurry of jokes inserted from scene to scene to choke the tension.

Nonetheless, the film cannot match up to other film classics of the western genre, whether American or Italian. The reason for this lies in the predictability and the character shells, as almost all the characters have no complexities, but are embedded in a very simplified story about control, weapons and revenge.
From today's perspective, the emphasis on the possession of weapons as a defense or attack is interesting. Sure, this is the Wild West where those legalities and "lawlessness" are taken for granted, but in today's society this course it takes would probably not be accepted and would be seen as fueling something like the NRA. It's a thought I wanted to poke at, whether it can still be turned off with this thematic interpretation nowadays?

What struck me, apart from the fundamentally well-constructed tension between the confrontations, is of course the good old, oiled bass voice of Robert Michtum as the narrator who heralds the end and thus forms the bracket of the story.

Val Kilmer as the historical gunfighter Doc Holliday is the most interestingly written of the whole bunch. A former dentist, gambler and heavy drinker, Holliday was one of Wyan Earp's most loyal companions. Sly and provocative, yet literate (in that he knows Latin), confident and very quick with a slingshot. However, his intentions as who he is or his aspirations themselves are left largely in the dark.
This is probably one of the best performances I've seen from him so far. At first, his strong southern dialect was too much for me, but it gradually blended in better as the story progressed. This provides a unique selling point that almost no other character has. Unfortunately, what happens to Doc Holliday at the end couldn't be more fitting for the death of one of the promising actors who made his breakthrough in the 80s.
May Val rest in peace.
(1959-2025)

Watched on Tuesday April 1, 2025.

Lache und die Welt lacht mit dir,
Weine, aber lache mit dazu,
Esst nicht, wenn ihr schaut,
Sonst ist auf Hos' und Schuh der Ragout!

🇪🇸🥘¡Muchas gracias, señor Risitas!🥘🇪🇸

🇺🇸🐜English review below🐜🇺🇸

Phase I:
Für einen Fan von Typographie und Grafikdeg dürfte 1974 ein vielversprechendes Jahr gewesen sein. Nicht sonderlich auf der Tatsache basierend, dass Filme wie "Chinatown", "The Godfather: Part II", "The Conversation", "A Woman under the Influence", "Death Wish", "Murder on the Orient Express", "Blazing Saddles", "Young Frankenstein" in der Traumfabrik anliefen. Viel mehr sorgte einer der renommiertesten Herren in den oben erwähnten Professionen für Aufsehen. Sein erster und einziger Langfilm.
Saul B.A.S.S.
Mit seiner beachtlichen Arbeit für Filmvorspanne ikonischer Filme von "The Seven Year Itch" (1955) bis "Casino" (1995) erschien es wie eine willkürliche Motivation, dass er sagt: "Ich werde es mir jetzt zur Aufgabe machen, einen Film auf eigenen Füßen durch die eigene Linse drehen!" Und spannend ist auch, dass er sich ausgerechnet dem heute eher verpöhnten Genres des Tierhorrorfilms bediente. Er hatte vermutlich durch seinen Ruf die Möglichkeit gehabt Drehbücher mit intellektuelleren Ansätzen zu wählen. Aber er entschied sich für die Verfilmung einer der am härtesten arbeitenden Kollektive der Tierwelt, die sich gegen die Menschheit auflehnt: Ameisen.

Phase II:
Was in den ersten Momenten der dankbaren 84 Minuten an Makroaufnahmen der durch kosmische Phänomene veränderten Ameisenwelt zusammengeschnitten wurde, zeigt besonders den Hintergrund, den er mitbrachte. Bilder, die selbst auch ohne Ton und Kommentar Tiere ohne Gesichtsexpressionen verständlich wären und en detail die Formation unter den verschiedenen Ameisenstämmen darstellt. Dies sorgte einerseits für ein unbehagliches Foreshadowing und zieht sich bis zum Ende durch. Dann sorgen auch Szenenbilder von Großaufnahmen ihrer Verhaltensmuster und dem Schaffen für eigenartige, aber effektive Bauten. Allgemein brilliert der Detailgehalt durch die Makroaufnahmen der Opposition der Wissenschaftler und Anwohner. Ein großes Lob auch an den zuständigen Fotografen Ken Middleham! Optik ist trotz des sehr gelungenen Remaster angestaubt und klar ein 70er-Streifen begrenzten Budgets. Charmant bleibt dennoch alle Mal, auch in Bezug auf das für Genre-Verhältnisse ordentliche Schauspiel. Dieses Setting sorgt für zusätzliches Unbehagen mit dieser ausufernden, nicht enden wollenden Tageshitze, die dann in ungewisse Nachtstunden überschlägt, wie man denn wissenschaftlich weiter seine Geländearbeit verrichten soll.

Phase III:
Ob es mit den Off-Kommentaren gerade am Ende sein muss bzw. es nicht ein bisschen die zeitliche Logik verdreht, kann zur Debatte stehen.
Dieser Film ist in den hitzigen Hochebenen Arizonas ein apokalyptisches Kriegsgeschehen zwischen dem Menschen und vermeintlich schwächeren Erdmitbewohnern. Wo der Zweibeiner unter sich seit Ewigkeiten Mieten auftischt, haben wir als Spezies insgesamt das Glück auf dem Boden dieser Erde wandeln zu dürfen. Wir sind jedoch nur ein Mieter von vielen Millionen Arten der Flora und Fauna. Es darf der Drang nach Kontrolle nicht Überhand gewinnen im Glauben, man könne all die natürlichen Gegebenheiten in Zaun halten. Allerdings besteht der Mensch mit seiner Innovation in Anung und Fortschritt auf Herausforderungen, wodurch es durchaus spannend wäre, sollten extraterrestrische Energien oder irdische Katastrophen eintreten, wie nicht nur die Wissenschaft, sondern die Spezies selbst reagiert.

Phase IV:
Wir sind gefickt.

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Phase I:
For a fan of typography and graphic design, 1974 must have been a promising year. Not particularly based on the fact that films such as "Chinatown", "The Godfather: Part II", "The Conversation", "A Woman under the Influence", "Death Wish", "Murder on the Orient Express", "Blazing Saddles" and "Young Frankenstein" were released in the dream factory. One of the most renowned gentlemen in the above-mentioned professions caused much more of a stir. His first and only feature film.
Saul B.A.S.S.
With his notable work for film credits of iconic films from "The Seven Year Itch" (1955) to "Casino" (1995), it seemed like an arbitrary motivation for him to say, "I'm going to make it my mission to shoot a movie on my own two feet through my own lens!" And it is also exciting that he chose the nowadays rather frowned upon genre of animal horror films. His reputation had probably given him the opportunity to choose scripts with a more intellectual approach. But he decided to film one of the hardest-working collectives in the animal world that rebelled against humanity: ants.

Phase II:
What was edited together in the first moments of the grateful 84 minutes of macro shots of the ant world altered by cosmic phenomena particularly shows the background he brought. Images that would be understandable even without sound and commentary animals without facial expressions, showing in detail the formation among the various ant tribes. On the one hand, this made for uncomfortable foreshadowing and continued right through to the end. Then there are close-ups of their behavioral patterns and the creation of strange but effective structures. In general, the level of detail shines through the macro shots of the scientists' and residents' opposition. Kudos also to the photographer in charge, Ken Middleham! Despite the very successful remaster, the look is dusty and clearly a 70s film with a limited budget. Nevertheless, it remains charming, also in of the acting, which is decent by genre standards. This setting makes for additional discomfort with this escalating, never-ending daytime heat, which then spills over into uncertain nighttime hours as to how one should scientifically continue to carry out one's terrain work.

Phase III:
Whether the off-screen commentary has to be at the end or whether it doesn't twist the temporal logic a little is open to debate.
This film is an apocalyptic war between man and supposedly scary creatures in the heated high plains of Arizona.Where the bipeds have been serving up rents among themselves for ages, we as a species as a whole are lucky enough to be able to walk the earth. However, we are only one tenant of many millions of species of flora and fauna. The urge for control must not gain the upper hand in the belief that all natural conditions can be kept in check. However, with its innovation in adaptation and progress, mankind is facing challenges, so it would be exciting to see how not only science but the species itself reacts should extraterrestrial energies or earthly catastrophes occur.

Phase IV:
We are fucked.

🇰🇷🤖English review below🤖🇰🇷

Eine Sache, die jeden Schaltkreis beflügeln lässt ist der Hunger. Welchen Hunger? Nun... das ist Ansichtssache.

"I'm a Cyborg, But That's OK" (Koreanisch: "싸이보그지만 괜찮아") stellt 2008 Park Chan-wooks Abweichen seiner Serie von Rachedramen, die ihn in die oberste Stufe der Regisseur-Etagere Südkoreas avancieren ließ. Und es ist seltsam, dass solch ein Film seinen Platz in einer Filmographie mit vorwiegender Düsternis damals fand. Aber dieser Film konnte, trotz des finanziellen Misserfolgs, viele Herzen im Nachgang für sich gewinnen und stellt durch seine Leichtfüßigkeit bis heute eine sonderbare Rolle in Chan-wooks Vita ein.

Von einer absurden, nahezu märchenhaften Prämisse, die davon resultiert, dass die junge Fabrikarbeiterin Young-goon (Lim Su-jeong) glaubt, sie wäre ein Cyborg. Ein von Ärzten attestierter Selbstmordversuch verschlägt sie zudem in eine Psychatrie voller eigenartiger Menschen mit ihren eigenartigen Vorzügen und Problemen. Essen ist ein... sagen wir mal schwieriges Thema für sie. Anstatt richtiges, nährstoffreiches Essen zu konsumieren, ist sie darauf aus, dass sie als Cyborg sich von Energie bzw. Strom ernähren sollte, um vollstens aufgeladen zu sein. Mitinsasse Park Il-sun (Rain) versucht dahingehend ihr diese "Essstörung" umzustellen, doch es hat einen Haken: Die Illusion, dass sie sich als Cyborg sieht. Noch dazu entwickelt Il-sun allmählich Gefühle für sie und nutzt die unkonventionellsten Methoden, um sowohl die Essgewöhnheiten umzustellen als auch zu verhindern, dass er ihre angenommene Identiät/Existenz nimmt.

Dieses skurrile Szenario wird unterstützt durch eine hochpolierte Optik, die obwohl der vowiegend klinischen Farbpalette die bunteren Töne kräftig zeigt.
Man könnte insgesamt feststellen, dass Chan-wook viel auf physische Komik setzt anstatt des Dialogs. Die Dialoge verwirrten mein Gemüt häufig, denn zum einen wird im Kosmos des Denkens unterschiedlicher Charaktere zueinander geredet und zum anderen bedingen so manche Nebenstränge nicht so gut. Sie sind wie hereingeworfen. Es hat die Aufgabe die beengte Welt mit ungewöhnlichen Charakterzügen zu bereichern, jedoch sind das die Abschnitte, die ich oft als zehrend empfand. Dadurch fühlt sich diese Erfahrung länger an als ich es von Filmen von Chan-wook gewohnt bin.

Die stärksten Aspekte finden sich für mich in der Chemie beider Hauptdarsteller, die eine abgefahrene Romantik herüberbringen müssen. Und dementsprechend mögen die Momente theatralisch bis surreal erscheinen, jedoch mit einer leidenschaftlichen Widmung der verspielten Prämisse. Nebenbei brillieren visuelle Effekte, welche für heutige Verhältnisse noch richtigen Charme haben, die sich in die absurd herzliche Handlung wunderbar integrieren.

Die Tatsache, dass dieser märchenhaft-bizarre Hybrid als ein Geschenk für Chan-wooks Tochter gewidmet war, damit sie sich seines Schaffenswerk annähern kann und als Entschuldigung für dessen Abwesenheit. Ungewöhnliche Art einen Film zu kreieren, definitiv, aber keine Neuheit. "House" entstand ebenfalls aus dem Gedanken eines Kindes, wobei hier direkt die imaginären Bilder auf Papier niedergeschrieben wurden.
Im Herzen ist dieses Stücks über Isolation, Andersartigkeit, Depressionen als auch Liebe schwebt die Frage nach der Bestimmung, die wir sicherlich in den vergangenen fünf Jahren individuell hin und wieder gespürt haben. Welche Bestimmung hat unsere Existenz? Am Ende des Tages formt man die Existenz dadurch, was man glaubt und wen man an seiner Seite stehen hat.

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One thing that gives every circuit wings is hunger. Which hunger? Well... that's a matter of opinion.

"I'm a Cyborg, But That's OK" (Korean: "싸이보그지만 괜찮아") represents Park Chan-wook's 2008 departure from his series of revenge dramas that have propelled him to the top rung of South Korea's directorial etagere. And it is strange that such a movie found its place in a filmography of predominantly gloom at the time. But despite its financial failure, this film was able to win over many hearts in the aftermath, and its light-footedness gives it a strange role in Chan-wook's career to this day.

From an absurd, almost fairytale-like premise that results from the young factory worker Young-goon (Lim Su-jeong) believing she is a cyborg. A suicide attempt certified by doctors also lands her in a psychiatric ward full of peculiar people with their own peculiar preferences and problems. Food is a... let's say difficult subject for her. Instead of consuming real, nutrient-rich food, she's determined that as a cyborg she should feed on energy or electricity to stay fully charged. Fellow inmate Park Il-sun (Rain) tries to change her "eating disorder", but there's a catch: the illusion that she sees herself as a cyborg. What's more, Il-sun gradually develops feelings for her and uses the most unconventional methods to both rearrange eating habits and prevent him from taking away her assumed identity/existence.

This whimsical scenario is ed by a highly polished visual style that, despite the predominantly clinical color palette, boldly displays the more colorful tones.
Overall, one could conclude that Chan-wook relies a lot on physical comedy instead of dialog. The dialog often confused my mind because on the one hand, they talk to each other in the cosmos of different characters' thinking and on the other hand, some of the subplots don't flow well. They are as if thrown in. It does the job of enriching the cramped world with unusual character traits, but these are the sections that I often found draining. This makes the experience feel longer than I'm used to from Chan-wook's films.

The strongest aspects for me are found in the chemistry of both leads, who have to convey a wacky romance. And accordingly, the moments may seem theatrical to surreal, but with a ionate dedication to the playful premise. The visual effects, which still have real charm by today's standards, also shine and integrate wonderfully into the absurdly heartfelt plot.

The fact that this fairytale-bizarre hybrid was dedicated as a gift for Chan-wook's daughter so that she could get closer to his creative work and as an apology for his absence. An unusual way to create a movie, definitely, but nothing new. "House" was also born from the thoughts of a child, but here the imaginary images were written down directly on paper.
At the heart of this piece about isolation, otherness, depression and love is the question of destiny, which we have certainly felt individually from time to time over the past five years. What is the purpose of our existence? At the end of the day, you shape your existence by what you believe and who you have by your side.

Watched on Thursday March 20, 2025.

Joa,
Serengeti.
darf.
nicht.
sterben.

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Yep,
Serengeti.
shall.
not.
die.

That ol' cycle of dyin' breed wouldn't have it any other way...

"The Wild Bunch" ist vielleicht das Werk Sam Peckinpahs, das im Nachgang den größten Nachhall sorgte und womöglich die Formel über ein Lieblingsthema seinerseits am besten darstellt: Gewalt.
Die zeitgenössischen Kritiker zerrissen ihn zu großen Teilen, die Kasse schallerte wenig, um es als Erfolg zu verbuchen und markierte das Ende einer großen Karriere. Wobei "The Gateway" (1971) zum Erfolg wurde, blieb ihm der Weg zu einer unumstrittenen Größe verwehrt. Mit seinem revisionistischen Ansatz des heiligen Westernmythos mit einem zuvor in Hollywood nie dagewesenen Gewaltgrad stieß er vielen vor die Köpfe.
Man erkennt auch anhand des vergleichsweise üppigen Budgets und der Auslegung auf was Größeres von Peckinpah angestrebt wurde.

Das Editing ist faszinierend dynamisch und energetisch, was fast wie eine Kombination aus Italowestern und Schnittgeschwindigkeiten aus den 90ern und 2000ern erscheint. Sinnbildlich dafür ist der ikonische Shootout zu Beginn des Films, dessen Raffinesse sich bis in Videospiele wie "Red Dead Redemption 2" zurückverfolgen lässt. Bei den Opening Credits bereits sorgte man für einen starken Eindruck als dann der Satz fiel "If they move, kill 'em!", wodurch erbarmungslos die Gänsehaut einsetzte.
Ein ungewöhnlich wildes, blutiges Geballer in alle Richtungen mit zutiefst anprangerndem Blick auf das Ausmaß. Er verlieh schon durch den simultan sich aufbauend ominösen Score eine Spannung, die auf ein unkontrolliertes Massaker hinläuft. Das riss mich so mit, dass ich nicht saß, sondern stand.

Außer William Holden hätte ich retrospektiv keinen besseren Charakter von Darsteller im zeitlichen als auch optischen Kontext mir vorstellen können. Ein teils mürrischer Haudegen des Wilden Westen, der in Zeiten der 1910er seine Relikte so langsam verblassen ließ, und durstiger denn je einen letzten "big score" tätigen will, um abzutreten. Egal auf welche Weise scheint es zu sein. Als Anführer des „Wild Bunch“ ist es keineswegs leicht grundverschiedene Charaktere mit Tumultpotenzial zu halten, wodurch eine eiserne Hand mit angeprangertem Ultimatum von Mal zu Mal sich nützlich erweist, damit die Gruppe zusammenhält.

Gewalt ist hierbei nicht ein einst angenommenes Werkzeug zur Schaustellung von durchlöcherten, blutigen Körpern und eines neuen Body-Count-Rekords. Vielmehr ist es ein Statement einer vergangenen Zeit, des Zeitgeistes von 1969 und der zynischen Sichtweise intergenerationellen Überganges von Gewalt. Kinder sind in Zeiten des Zorns, des Hasses, der Revolution und des Krieges ein gezwungener Zeitzeuge und nehmen alle Reize auf, die die Erwachsenen vorzeigen. Und Kinder werden hier mit metaphorisch-symbolischer Manier gezeigt, die eine bittere Note des Vermächtnisses verleihen. Auch wird etwas an die eigene Moral appelliert, ob man das richtiger oder falsche tut im Alter, ob man den sicheren Pfad für sich beschreitet, der aber falsch für sein Schicksal ist oder der richtige Weg mit vollen Risiken, wo man drauf und dran ist zu sterben.

Nach diesem Watch war ich durch dieses erfrischende Pacing eiskalt überrascht worden und ich dachte nach 140 Minuten "Ja... ist das der beste Spin eines Italowesterns aus den USA?"
Und Tage später antwortete ich mir selbst mit einem in Stein gemeißeltem "JA, Mann!"

"The Wild Bunch" ist vermutlich der ungewöhnlichste, dreckigste und ehrlichste Schliff eines amerikanischen Westerns und das zu einer Zeit, in der man in einer doch Peckinpah-untypisch beachtlichen Produktionsgröße solch einen ungeschönten Gewaltgrad und frontale Symbolik den einst geliebten Mythos des Wilden Westens herausreißt. Sie kannten definitiv kein Gesetz in einer Welt, die die jagt, wie eine Horde von Löwen im Tal der modernen Wilderer.

🇺🇸🩸🇯🇵English review below🇯🇵🩸🇺🇸

"The Yakuza" ist ein interessanter Thriller, inszeniert von Sidney Pollack, den ich solch einen Film auf ersten Blick gar nicht zugeordnet hätte. Natürlich war er in der Lage anprangernde Dramen wie der großartige "They Shoot Horses, Don't They?" sowie sein Beitrag zu Frank Perry's "The Swimmer", satirische Identitätsstücke wie "Tootsie", eine Romanze wie "Out of Africa" oder den Politthriller "The Three Days of the Condor", den ich ewig nicht mehr gesehen habe, geschaffen. Der Mann hatte sich der Side Quest als Schauspieler vermehrt gewidmet, wo er auch stets einen guten Eindruck machte wie bei "Eyes Wide Shut". Es gab wahrscheinlich wenige Kerle in der Hollywood-Historie, wo man als Regisseur, Produzent und Schauspieler Haus hält.

Dieser Film erscheint mir in seiner Konstellation in Verbindung zu seiner Handlung wie eine reine Wunschvorstellung:
Pollack als Regisseur eines Yakuza-Thrillers (ursprünglich für Robert Aldrich angedacht) und ein alternder Robert Mitchum in der Hauptrolle (ursprünglich Lee Marvin) mit einem Maß an visuellen, eindrucksvollen Bildern sowie Szenenbildern als auch ein wunderbare Untermalung eines Score von Dave Grusin? Count me in!

Und im Grunde genommen habe ich all diese lobpreisenden Attribute in den knallig roten Ending Credits bekommen.
Jedoch verbringt Pollack zu Beginn mit mir zu überschwänglicher Exposition über den Protagonisten, die man für einen stärkeren Effekt mit Brotkrumen im Fortschreiten der Handlung verstreuen hätte können.

Heraustechend ist wirklich, dass ein Michtum durch seine abgebrühte Attitüde, gepaart mit der aufbauschenden Bürde, wirklich auftrumpft und hervorsticht. Prinzipiell alles wie immer bei ihm. Dazu gefiel mir diese starre, von Lasten gezeichnete Performance Ken Takakura. Die kann dem, was Mitchum leistet, das Wasser reichen.

Ab und zu jongliert das Drehbuch gerne für über eine Stunde hindurch, nachdem nach etwa 30 Minuten der von mir antizipierten Handlungsverlauf abgefrühstückt wurde, wo ich mich fragte: "Was will der Film mir erzählen?" Die Naivität des Westens, dass dieser selbst im Fernen Osten nach all den Jahren nach der Besetzung die Fäden noch zieht? Das womöglich im erweiterten Sinne vielleicht auch, aber das Thema der Bürde schwingt dezent einher, was auch im Ende eine der ehrlichsten Momente beschert, die ich seit einer Weile im Thrillergenre gesehen habe.

Wenn es einen Film gäbe, dessen tendenzielle Unscheinbarkeit in der Filmwelt ein überraschendes Juwel darstellt, dann kann dieser oben mitspielen und öfters gesehen werden.
Für jeden eine glasklare Empfehlung, abgesehen derer, die das Maß an blutig-kleffenden Wunden und Schießereien - sprich Gewalt - nicht sehen wollen.

PS: Es kommen die Tage meines Urlaubs möglicherweise ein paar Reviews, die schon Tage/Wochen her liegen, welche auf Eis gelegt wurden durch mein Studium.

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"The Yakuza" is an interesting thriller directed by Sidney Pollack, who I wouldn't have assigned such a movie at first glance. Of course, he was capable of denouncing dramas like the great "They Shoot Horses, Don't They?" as well as his contribution to Frank Perry's "The Swimmer", satirical identity pieces like "Tootsie", a romance like "Out of Africa" or the political thriller "The Three Days of the Condor", which I haven't seen in ages. The man had devoted himself increasingly to the side quest as an actor, where he also always made a good impression, as in "Eyes Wide Shut". There have probably been few guys in Hollywood history where you hold house as director, producer and actor.

This movie in its constellation in connection with its plot seems to me like pure wishful thinking:
Pollack directing a yakuza thriller (originally considered for Robert Aldrich) and an aging Robert Mitchum in the lead role (originally Lee Marvin) with a measure of visually striking images as well as set pieces as well as a marvelous underscore of a score by Dave Grusin? Count me in!

And I basically got all of these laudatory attributes in the bright red ending credits.
However, Pollack spends too much gushing exposition about the protagonist at the beginning for me, which could have been scattered with breadcrumbs as the plot progresses for a stronger effect.

What really stands out is that Michtum really stands out with his hard-boiled attitude, paired with the pompous burden. Basically the same as always with him. I also liked Ken Takakura's rigid, burdened performance. It can hold a candle to what Mitchum does.

Every now and then, the script likes to juggle for over an hour, after about 30 minutes of the plot I had anticipated, where I asked myself: "What is the movie trying to tell me?" The naivety of the West, that it is still pulling the strings even in the Far East after all these years following the occupation? Maybe in a broader sense, but the theme of burden resonates subtly, which also gives the ending one of the most honest moments I've seen in the thriller genre for a while.

If there was a movie whose tendentious inconspicuousness in the film world is a surprising gem, then this one can play at the top and be seen more often.
A crystal clear recommendation for everyone, apart from those who don't want to see the level of bloody, gory gore and gunplay - i.e. violence.

PS: There may be a few reviews coming the days of my vacation that were days/weeks ago that were put on hold due to my studies.

🇺🇸❓📽English review below📽❓🇺🇸

"So we are the only people who can really sort of function like a chorus, you know... to figure out what we're actually doing here."

"Symbiopsychotaxiplasm: Take One" ist die Meta-dokumentarische Antwort des englischen Sprichworts "a riddle wrapped in a mystery inside an enigma": Es ist ein Dokumentarfilm über Beziehungsdramatiken innerhalb eines Dokumentarfilms als Dokumentarfilm... und das alles nochmal andersrum! Mehr Original geht vermutlich nicht, vor allem in dieser Zeit des Umschwungs. Der Titel selbst klingt wie die Inspirationsquelle von Künstlern wie Isaac Hayes oder George Clinton, der mit Parliament/Funkadelic die absurdesten Songtitel zusammenklamüsert.

Wir haben das Konzept der Cinéma vérité bzw. wir sind die "fly on the wall". Eine Observation ohne ein Voice-over, welches die Ereignisse einordnet oder die Richtung diktiert. Wir beobachten kommentarlos, wie ein kleiner Filmstab rund um William Greaves, wie er den Darstellern im Central Park so vage Orientierungspunkte für die Handlung mitgibt und eine Filmcrew, die den Prozess filmt darüber philosophiert, was für einen Mumpitz Mr. Greaves vorhat. Und letztere werden ebenfalls dokumentiert. Also wenn mein Mathe für diesen Metakommentar nicht versagt hat, bin ich auf drei verschiedene Filmcrews am Ende herausgekommen.

Es ist teilweise echt witzig, wenn dann eine Szene gut und natürlicher gespielt wurde, es dann heißt: "We ran out of film."
Der Film steckt voller Fragezeichen, sowohl im Drehprozess als auch für den Zuschauer. Worum geht es hier? Was hat Greaves vor? Kein Mensch weiß, was er verfilmen will, nicht mal er.
Teilweise in Begleitung von angenehmen Jazzstücken von Miles Davis, dessen Trompetenspiel ich direkt erkannt habe, aber noch zu Zeiten, wo er noch geradlinigere Stücke spielte.

Es iert gar nicht so oft, dass ich am Ende vor dem Bildschirm grinsend sitze, sodass ich meine Muskeln entspannen muss.
Dieses Projekt reiht sich in Filme wie "Punishment Park" ein, die sich über Metakommentare zum Ziel machten, die US-amerikanische Gesellschaft im Moment aufzunehmen, manchmal in einer drastischen Weise, andererseits in der Grundsatzdiskussion, warum Kunst ein Thema der Meinungskultur ist. Was ist Kunst? Wie kann man eine cinematische Erfahrung effektiv und nahbar umsetzen? Welche Regeln halten einen davon ab zu definieren, was Kunst ist?

Nun bleibt die wesentliche Frage offen, zu der ich keine Antwort bisher gefunden habe: War wirklich der gesamte Verlauf Absicht?

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"So we are the only people who can really sort of function like a chorus, you know... to figure out what we're actually doing here."

"Symbiopsychotaxiplasm: Take One" is the meta-documentary answer to the English proverb "a riddle wrapped in a mystery inside an enigma": It's a documentary about relationship dramas inside a documentary as a documentary... and all that the other way around! It probably couldn't be more original, especially in these times of upheaval. The title itself sounds like the source of inspiration for artists such as Isaac Hayes or George Clinton, who used Parliament/Funkadelic to concoct the most absurd song titles.

We have the concept of cinéma vérité or we are the "fly on the wall". An observation without a voice-over that classifies the events or dictates the direction. We watch without comment as a small film crew around William Greaves gives the actors in Central Park vague points of reference for the plot and a film crew filming the process philosophizes about what kind of shenanigans Mr. Greaves is up to. And the latter are also documented. So if my math didn't fail me for this meta-commentary, I ended up with three different film crews.

It's sometimes really funny when a scene has been played well and more naturally and then it says: "We ran out of film."
The movie is full of question marks, both in the filming process and for the viewer. What is this about? What is Greaves up to? Nobody knows what he wants to film, not even him.
Sometimes accompanied by pleasant jazz pieces by Miles Davis, whose trumpet playing I recognized immediately, but back in the days when he played even more straightforward pieces.

It's not that often that I end up sitting in front of the screen grinning so that I have to relax my muscles.
This project s films like "Punishment Park", which used meta-commentary to take on American society at the moment, sometimes in a drastic way, but also in the fundamental discussion of why art is a subject of opinion culture. What is art? How can a cinematic experience be effectively and approachably realized? What rules prevent you from defining what art is?

Now the essential question remains unanswered, to which I have yet to find an answer: Was the entire process really intentional?

🇺🇸🙇‍♀️English review below🙇‍♀️🇺🇸

"Companion" bedient sich dem Versuch, eine gescheiterte, diktierende Beziehung im Gewand einer Horrorkomödie zu verwerten. Kein neues bedientes Thema per se. Ehebruch, toxische Beziehungen und Scheidung gehören zu den Dingen, welche kaum von anderen zwischenmenschlichen Aspekten übertroffen werden können, die sich zum Horror entwickeln können.

Der Plot twist hier kommt unverhofft, hat aber längerfristig kaum einen wirklichen Unterbau zu bieten, weil es so schnell vorweggenommen wurde. Er kommt früh, allerdings weder früh genug, sodass eine selbstverständlich wirkende Ausgangslage etabliert wird noch spät genug, um deutlich mehr Spannung aufzubauen. Ich konnte jedoch mit der flotten Erzählung und knackigen Laufzeit von 94 Minuten das einigermaßen kompensieren. Doch der Imapct ist deutlich geschwächt und mehr ein Show-off von "Profileigenschaften".

Gefilmt ohne jeglichen etwas anspruchsvolleren Schnickschnack, der den Film optisch in eine andere Kerbe einschlagen lassen würde wie die Home-Invasion-Thriller oder Yuppie-Residenzen im Nirgendwo in den 2010ern und der jetzigen Dekade. Es wirkt wirklich wie ein Abziehbild von so vielen Filmen, die höchstens durchschnittlich bis in Ordnung sind.

Die Charakterzeichnungen folgen sehr generischen Mustern. Wenn ein russischer Charakter Sergeij heißt, eine Vodkaflasche mit sich herumschleppt, Stalin-Lover ist und dann noch solch einen furchtbaren Vokuhila mit Schnäuzer trägt.
Sophie Thatcher jedoch präsentiert sich ganz gut als "Freundin" ihres charakterlich impotenten Freund Josh (Jack Quaid). Schon die ersten Worte vor den Opening Credits lassen doch spaßige Sachen erahnen. Abgesehen davon, dass sie selber eine optische Augenweide ist, hält sie sich schauspielerisch sehr gut kontrollierend in den Emotionen, die ihr Charakter hergeben kann.

"Companion" findet gute Ansätze für Bewusstseinsentwicklung und künstlicher Intelligenz, jedoch werden einige Ideen und Genres mit ihren daherkommenden Stimmungen wie in einem ausufernden, schieflaufenden Chemiekurs zusammengemischt mit ernüchterndem Ergebnis. Da fehlt die Beiskraft eines aneckenden Films, der den Mumm hat etwas Neues zu erzählen. Meines Erachtens nach wäre ein Kurzfilm mir lieber gewesen, wo expliziter beide oben genannten Aspekte abgehandelt werden. Und REALISTISCHER! Ansonsten ist es ein kurzweiliges Erlebnis, das durchaus an einem kollektiven Filmeabend für solide Erheiterung mit seiner angemessenen Brutalität und Hauptdarstellerin sorgt.

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"Companion" attempts to utilize a failed, dictating relationship in the guise of a horror comedy. Not a new topic per se. Adultery, toxic relationships and divorce are among the things that can hardly be sured by other interpersonal aspects that can develop into horror.

The plot twist comes unexpectedly, but has little real underpinning to offer in the longer term because it was anticipated so quickly. It comes early, but neither early enough to establish a seemingly natural starting point nor late enough to build up significantly more tension. However, I was able to compensate for this to some extent with the brisk narrative and crisp running time of 94 minutes. But the imapct is clearly weakened and more a show-off of "Profile Features".

Filmed without any slightly more sophisticated bells and whistles that would put the movie in a different notch visually than the home invasion thrillers or yuppie residences in the middle of nowhere in the 2010s and the current decade. It really feels like a rip-off of so many movies that are average to okay at best.

The character sketches follow very generic patterns. When a Russian character is named Sergei, carries around a vodka bottle, is a Stalin lover and then wears such a terrible mullet with a moustache.
Sophie Thatcher, however, presents herself quite well as the "girlfriend" of her characteristically impotent boyfriend Josh (Jack Quaid). Even the first words before the opening credits hint at fun things to come. Apart from the fact that she herself is a feast for the eyes, her acting is very well controlled within the emotions that her character is capable of.

"Companion" finds good approaches to the development of consciousness and artificial intelligence, but some ideas and genres are mixed together with their accompanying moods as if in a sprawling, lopsided chemistry course with a sobering result. It lacks the brawn of an edgy movie that has the guts to tell something new. In my opinion, I would have preferred a short film that dealt with both of the above aspects more explicitly. And more REALISTIC! Apart from that, it is an entertaining experience that provides solid amusement on a collective movie night with its appropriate brutality and leading actress.

🇨🇳🏮English review below🏮🇨🇳

"Raise the Red Lantern" (Mandarin: "大红灯笼高高挂") ist eine cinematische Ballade über die Fruchtlosigkeit eines Lebens in Abhängigkeit, der Gier nach Aufmerksamkeit und Freiheit. Ein räumlicher Minikosmos der Hierarchien.

Mit einer superben Gong Li, die als junge Dame in den 1920ern der Republik China durch den Ruin ihrer Familie als eine von vier Mätressen eines reichen Herrn wird, scheint für Songlian, trotz der Bedenken, keine andere Möglichkeit zu bestehen. Der anfängliche Luxus und die akustisch heilvolle Kulisse nimmt eine relativ schnelle Wendung. Zwischen den Mätressen (oder Konkubinen) entspinnt sich eine gallige Intrige untereinander und ein Treten auf die Darunter- wie Darüberliegenden. Wie sehr der Kampf gegen Gefangenschaft sein kann...

Alles andere als furchtbar:
Ein hervorragendes Szenenbild, nahezu majestätisch in seinen filigranen Aufnahme der geschwungenen Xieshan-Dächer. Es ist ein Kammerspiel in einer Residenz, die ob ihrer Schönheit triste Traditionen birgt. Und dabei die hervorstechenden, roten Laternen, die symbolträchtig für so einiges sind. Sowohl für die Kultur Chinas als auch ein Teufelskreis von Sucht, der die Individualität entreißt und doch beinahe unwiderstehlich ist.

Normalerweise will ich mich als fleischgewordener Sightseeing-Flyer darstellen, aber ich sage mal so: Der Qiao Family Compound ist wahrscheinlich bei einer Reise durch China als Filmfan, der den Film gesehen hat, unabdingbar. Und dazu in einer Provinz im Herzen Chinas namens Shanxi mit einer verhältnismäßig überschaubaren Demographie.

Der Sound und der extradiegetische Score ist wie schon erwähnt heilvoll bis befriedigend. Wenn eine Fußmassage und die raschelnden Klänge langsam das Bild einnehmen wirkt es wie ein Tunnel mit Sogkraft, den man nicht entkommen kann oder gar will. Das Auspusten der Laternen hat dagegen eine fast bedrohliche Klangfarbe, die einen den Pfahl gegen die Brust schwingen lässt. Und dann der furiose, sporadische Score am Anfang macht der Kultur alle Ehre.

Wenn ich bei den Themen des Films einen Aspekt hervorheben würde, dann dass der Mensch alles daran setzt seine Freiheit als Individuum in Gefangenschaft zu erkämpfen und dabei - gewollt oder ungewollt - die selbst gefangenen Mitmenschen von sich abdrängt. Der Hauch von Freiheit hat einen Preis. Das noch getüncht durch eine feministische Ader, die in diese Zeit global in jeglichen Ecken anwendbar ist. Und heute scheint dieser Film nach wie vor wichtig, ästhetisch sowie menschlich aufdeckend.
Auch wenn ich persönlich vom Inhalt nicht immer überzeugt war, scheint alles andere so brilliant inszeniert und gespielt zu sein, sodass dieser Status der Großartigkeit vollkommen berechtigt ist.

Ist zurzeit auf YouTube zu finden, aber 🤫

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"Raise the Red Lantern" (Mandarin: "大红灯笼高高挂") is a cinematic ballad about the fruitlessness of a life of dependency, greed for attention and freedom. A spatial mini-cosmos of hierarchies.

Featuring a superb Gong Li, a young lady in 1920s Republic of China who becomes one of four mistresses of a rich lord due to the ruin of her family, Songlian, despite misgivings, seems to have no other option. The initial luxury and acoustically salubrious setting takes a relatively quick turn. A vicious intrigue develops between the mistresses (or concubines) and a treading on those below and above them. How much of a struggle captivity can be...

Anything but terrible:
An outstanding production design, almost majestic in its delicate shots of the curved Xieshan roofs. It is a chamber play in a residence that harbors dreary traditions in its beauty. And the striking red lanterns, which are symbolic of so many things. Both for the culture of China and for a vicious circle of addiction that strips away individuality and yet is almost irresistible.

Normally I want to come off as a sightseeing flyer made of flesh, but I'll say this: the Qiao Family Compound is probably essential when traveling through China as a movie fan who has seen the film. And in a province in the heart of China called Shanxi with a relatively manageable demographic.

As already mentioned, the sound and the extradiegetic score is wholesome to satisfying. When a foot massage and the rustling sounds slowly take over the picture, it seems like a tunnel with suction power that you can't or don't want to escape. The blowing out of the lanterns, on the other hand, has an almost menacing timbre that makes you swing the pole against your chest. And then the furious, sporadic score at the beginning does the culture credit.

If I were to emphasize one aspect of the film's themes, it would be that man does everything he can to fight for his freedom as an individual in captivity and in doing so - intentionally or unintentionally - pushes his fellow human beings away from him. The breath of freedom has a price. All of this is tinted with a feminist vein that can be applied in all corners of the world at this time. And today, this film still seems important, aesthetically and humanly revealing.
Even if I personally wasn't always convinced by the content, everything else seems so brilliantly directed and acted that this status of greatness is fully justified.

Can currently be found on YouTube, but 🤫

Watched on Sunday February 23, 2025.

Watched on Saturday February 22, 2025.

🇯🇵👹English review below👹🇯🇵

Im Krieg diktiert das Chaos den Überlebenskampf. Doch wann und wie holt es dich ein, wenn du selbst zum Mörder wirst?

"Onibaba" (Japanisch: "鬼婆") ist ein in Schwarzweiß gehaltenes Historiendrama, was sich in der Namboku-chō-Zeit ansiedelt, kurz gesagt: Bürgerkrieg im Japan des 14. Jahrhunderts. Shindō Kaneto als Regisseur kennen so manche wahrscheinlich am ehesten durch die japanische Verfilmung von "Hachiko" aus 1987. Für die westliche Welt ist er aber in Filmfankreisen bekannt durch diesen Film. Oft wird er als Horrorfilm deklariert aufgrund der Filmposter und den Titel selbst, der so viel wie "alte Dämonenfrau" steht.

Das natürliche Umfeld, ein wunderschön eingefangenes Reitgrasfeld, wird zum Hexenkessel ohne Gesetz. Die List gewinnt den Besitz und der beirrte Verlierer büßt mit seinem Leben.
Für zwei Frauen, eine junge (Jitsuko Yoshimura) und ältere (Otowa Nobuko) ist die Realität das Überleben von Tag zu Nacht, von Nacht zu Tag.
Als dann ein ihnen bekannter Soldat (Kei Sato) vom Blutbad des Krieges mit eigenartiger Attitüde zurückkehrt, kommt eine gewisse sexuelle Begierde hinzu.

Der Film ist in seinem Schauspiel direkt, in der Erzählweise und der Charakterzeichnung jedoch oft schleierhaft.
Die Symbolik der prägnanten Maske zeigt sich erst gegen Ende und fungiert in seiner Schlichtheit als Schocker der Anarchie, welche in dieser Welt keine Grenzen kennt.
In "Onibaba" werden die Charaktere typischerweise für damals im Stil des Theaters, jedoch sehr denkwürdig dargestellt, insbesondere durch Nobuko Otowa als ältere Frau. Sie spielt sie vermehrt deutlicher als intrigante, hinterlistige und äußerst manipulative Person, deren Schicksal zwar zutiefst erschreckend ist, aber auch seltsamerweise befriedigend.

Technisch sowie inszenatorisch zeigt der Film seine größten Stärken. Im Schwarzweiß wird den Reitgrasfeldern eine unbeschreiblich schöne Ästhetik verliehen, obwohl diese von den Menschen diametral als Jagdgebiet für verirrte Soldaten die Höllen-Labyrinth ist. Mit der Lichtsetzung ist es in den 60ern nach wie vor schwer gewesen ohne eine künstliche Lichtquelle die Nacht der Natur darzustellen, in der es bis auf den Mondschein (auf dem man sich nicht immer verlassen kann) stockduster ist. Nichtsdestotrotz werden die Close-ups oft variierend zwischen manisch, unschuldig, obskur und mystisch - ohne Mystik einzubauen - in großartigen Licht-und-Schatten-Spiel eingefangen.

"Onibaba" ist kein Horrorfilm im Sinne eines Films, sondern mehr Historiendrama in der Prämisse des Gesetzlosen, in dem Horror Tagesgeschäft wird und Menschen dazu verleitet selbst Horror zu verüben.

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In war, chaos dictates the fight for survival. But when and how does it catch up with you when you become a murderer yourself?

"Onibaba" (Japanese: "鬼婆") is a black and white historical drama set in the Namboku-chō period, in short: civil war in 14th century Japan. Shindō Kaneto as a director is probably best known to some through the Japanese film adaptation of "Hachiko" from 1987. For the Western world, however, he is known in film fan circles through this film. It is often declared a horror movie because of the movie posters and the title itself, which stands for "old demon woman".

The natural setting, a beautifully captured field of riding grass, becomes a witch's cauldron without law. The cunning wins possession and the misguided loser pays with his life.
For two women, one young (Jitsuko Yoshimura) and one older (Otowa Nobuko), the reality is survival from day to night, from night to day.
When a soldier they know (Kei Sato) returns from the carnage of war with a peculiar attitude, a certain sexual desire is added to the mix.

The film is direct in its acting, but often veiled in its narrative style and characterization.
The symbolism of the striking mask only becomes apparent towards the end and, in its simplicity, functions as a shocker of the anarchy that knows no bounds in this world.
In "Onibaba", the characters are typically portrayed in the style of theater at the time, but very memorably, especially by Nobuko Otowa as the older woman. She plays her more clearly as a scheming, deceitful and extremely manipulative person whose fate is deeply frightening, but also strangely satisfying.

Technically and staging-wise, the film shows its greatest strengths. In black and white, the riding-grass fields are given an indescribably beautiful aesthetic, even though they are diametrically opposed by humans as hunting grounds for stray soldiers the hellish labyrinth. In the 60s, it was still difficult to depict the night of nature without an artificial light source, in which it is pitch black except for the moonlight (which cannot always be relied upon). Nevertheless, the close-ups often vary between manic, innocent, obscure and mystical - without incorporating mysticism - and are captured in a great interplay of light and shadow.

"Onibaba" is not a horror movie in the sense of a movie, but more of a historical drama in the premise of the outlaw, in which horror becomes the order of the day and leads people to commit horror themselves.

🇺🇸🔥👧🏼English review below👧🏼🔥🇺🇸

Night time is my time...
Ihr Schutzengel ist fort... in Flammen sich in Luft aufgelöst. Die Flamme zog mit ihr... in Welten, die nur mit Angst und Ungewissheit verstanden werden können...

"Twin Peaks: Fire Walk with Me" ist das Prequel zur Geschichte der Laura Palmer, eine Highschool-Schönheit, dessen Mord als Startschuss für eine der wegweisendsten Serien überhaupt galt. Zu Zeiten der Veröffentlichung wurde er - eigentlich auch wie die Serie - gemischt aufgenommen. Und auch heute kann der durchaus spalten. Andererseits auch als Kultfilm hat er sich in manchen Kreisen etabliert.
Eine Bitte: Guckt bitte zuerst die ersten beiden Staffeln "Twin Peaks" an, bevor ihr zum Film kommt! Das macht sonst aufgrund der emotionalen Bindung, die man durch die Episoden erlangt, keinen Sinn.

Nachdem ich die ersten beiden Staffeln der Serie durchgeschaut habe, verblüfft es mich, wie sehr in den zwei Wochen ich an der Lynch-Light-Flasche genuckelt, aber definitiv genossen habe.
Denn hier ist es durchaus mit weniger mit Humor bespickt, dafür greift die dunkle Seite dieser Stadt nahe der Douglasien-Wälder Oregons deutlich intensiver. Die Lichtsetzung ist teils zermürbender und beängstigend, die Point-of-View-Kamera für Lynch-Verhältnisse gewohnt angsteinglößend.

Ich kann mir sehr gut vorstellen, dass einigen dieses Prequel etwas sauer aufstößt, da hier vieles vom Mysterium um Laura offengelegt wird, indem die letzten Tage gezeigt werden. Und das hat auch die Serie aus den 90ern sehr clever in den Schatten stehen lassen. Ehrlich gesagt fand ich das aber nicht so tragisch. Ich weiß zwar nicht, warum genau, da das Gesagte ohne explizite Darstellung in der Serie sehr gewieft weitesgehend umgangen wurde. Nahezu alles, was bei ihr charakterlich im Film gezeigt wird, wurde bereits in der Serie erwähnt. Die Visionen jedoch deuten schon auf etwas hin, dass der Killer ihr schon länger auf den Fährten war und dass sie im Voraus ahnte, wer es ist. Das würde bei den wenigsten Regisseuren funktionieren und Lynch war einer davon, der sich diesen riskanten Griff erlauben kann. Es hat mich doch durchaus bei Stange gehalten.

Das liegt dann vermutlich auch an der Performance der Hauptdarstellerin.
Sheryl Lee porträtiert diese Angst und Panik in Laura Palmers Vorahnungen sehr überzeugend und konnte hier nochmal als Schauspielerin Facetten zeigen, die in der Serie versteckter waren. Tja nun, schließlich war Laura eine Figur, die das Leitthema über weite Strecken bleibt, aber sehr wenig in Erscheinung tritt.
Aufgefallen ist mir schnell, dass die Darstellerin von Donna aus der Serie umbesetzt wurde, was wohl aus terminlichen Überschneidungen lag. Störend war es nicht.

Dafür ist der Film doch schon mit ein paar erzählerischen Fehlgriffen in den ersten 30 Minuten behaftet bzw. hätte ich diese gar nicht nötig gehabt. Und das Verhalten um Lauras Vater Leland ist natürlich etwas wirr. Denn da kann man sich schon fragen, bei welchem Format die Erzählung etwas inkonsequent ist: Die des Films oder die der Serie?

"Twin Peaks: Fire Walk with Me" würde ich als eines der Prequels betrachten, die man sicher nicht gebraucht hätte, aber ich war doch sehr zufrieden (und verstört) mit den für mich schnell verflogenen 130 Minuten. Von seinem Schaffenswerk zwar zu den schwächeren gehörig, aber durchaus mit Rewatch-Value versehen, um das Gefühl "Twin Peaks" und "Lynch" zu bekommen.

Btw die Playback-Dialoge sind gefühlt sauberer formuliert und besser abgemischt als in der Serie oder bilde ich mir das nur ein?

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Night time is my time...
Her guardian angel is gone... vanished into thin air in flames. The flame moved with her... Into worlds that can only be understood with fear and uncertainty...

"Twin Peaks: Fire Walk with Me" is the prequel to the story of Laura Palmer, a high school beauty whose murder was considered the starting shot for one of the most groundbreaking series ever. At the time of its release, it received a mixed reception - just like the series itself. And even today, it can be divisive. On the other hand, it has also established itself as a cult film in some circles.
One request: Please watch the first two seasons of "Twin Peaks" before coming to the movie! Otherwise it makes no sense because of the emotional connection you get from the episodes.

After watching through the first two seasons of the show, it amazes me how much I've been sucking on this Lynch-light bottle in two weeks, but definitely enjoying it. Because here it's definitely laced with less humor, but the dark side of this town near the Douglas fir forests of Oregon takes hold much more intensely. The lighting is at times grueling and frightening, the point-of-view camera is scary as usual by Lynch standards.

I can well imagine that this prequel is a bit of a sour grapes for some, as much of the mystery surrounding Laura is revealed here by showing the final days. And that also very cleverly overshadowed the series from the 90s. To be honest, though, I didn't find that so tragic. I don't know why exactly, as what was said without explicit depiction in the series was very cleverly byed as far as possible. Almost everything that is shown about her character in the movie has already been mentioned in the series. The visions, however, indicate that the killer has been on her trail for some time and that she suspected in advance who it was. This would work for very few directors, and Lynch was one of them who could afford to take this risk. It certainly kept me interested.

This is probably due to the performance of the leading actress.
Sheryl Lee portrays this fear and panic in Laura Palmer's premonitions very convincingly and was able to show facets as an actress that were more hidden in the series. Well, after all, Laura was a character who remained the central theme for long stretches, but appeared very little.
I quickly noticed that the actress playing Donna was recast from the series, which was probably due to scheduling conflicts. It wasn't distracting.

But the movie has a few narrative missteps in the first 30 minutes, and I didn't even need them. And the behavior around Laura's father Leland is of course a bit confusing. You have to ask yourself in which format the narrative is somewhat inconsistent: that of the movie or that of the series?

I would consider "Twin Peaks: Fire Walk with Me" to be one of the prequels that certainly wasn't needed, but I was still very satisfied (and disturbed) with the 130 minutes that quickly flew by for me. It's one of the weaker films in his oeuvre, but definitely worth a rewatch to get that "Twin Peaks" and "Lynch" feeling.

Btw the playback dialogs feel more cleanly formulated and better mixed than in the series or is it just my imagination?

Watched on Saturday January 25, 2025.

🇺🇸⛰⛰English review below⛰⛰🇺🇸

Mir hat mal einer gesagt, die Serie ist gut. Deswegen habe ich hier mal in die Röhre geschaut, gell?

Der Pilotfilm für "Twin Peaks" ist ein fantastischer Set-Up für ein Gefühl, eine Mischung aus Telenovela und außerordentlich unangenehmen Empfinden über die Unklarheit des Falls und der Welt, in dem dieser stattgefunden hat.

Möge der Name "Lynch" auf ewig in die Douglas firs (Gewöhnliche Douglasie) hineinraunen!

Achso, das ist ja hier die Version des Piloten, die 20 Minuten länger läuft, die man hier einloggen kann?
Ich habe mich für die 94-minütige Variante entschieden.
Das heißt, ich darf die Serie weitergucken oder? 👀

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Someone once told me that the series is good. That's why I looked down the tube here, right?

The pilot for "Twin Peaks" is a fantastic set-up for a feeling, a mixture of telenovela and extraordinarily uncomfortable feelings about the ambiguity of the case and the world in which it took place.

May the name "Lynch" forever ripple through the Douglas firs!

Oh, so this is the version of the pilot that runs 20 minutes longer, which you can here?
I opted for the 94-minute version.
That means I am allowed to continue watching the show, right? 👀

🇧🇪⏲English review below⏲🇧🇪

Während ich auf den Klo saß, begann und schaute ich diesen Film.

Zum Zeitpunkt, wo ich nach einer kalten Dusche am Rand der Badewanne saß, schaute ich diesen Film.

Während ich mit dem Rücken an meinem Regal saß und mit der Oberschenkelmuskulatur spielte - nach innen rotieren und dann vom Knie wegziehen - schaute ich diesen Film.

Als ich mit Bleistift mein Bild über eine bergige Landschaft mit Waldstücken, Schneisen, Wolken auf unterschiedlichen Höhen, eine vom Fluss getrennte Kleinstadt, ein Damm und semi-gute Lichtsetzung durch die Sonne weiterzeichnete, schaute ich diesen Film.

Die zweite Hälfte begann ich am frühen Morgen und schmierte mir eine Bemme (Scheibe Brot) mit Rührei und dabei schaute ich diesen Film.

Und während ich diese Review hier nun verfasse, schaute ich diesen Film.

Chantal Akerman macht keinen wirklichen Hehl daraus, worauf sie in ihrem beengten, nüchternen Film mit epochaler Länge hinaus will. Indem die statische Kamera und der sehr sparsame Schnitt teils elendig lange den nahezu bitter-kahlen Alltag der Witwe Jeanne Dielman (Delphine Seyrig) in einem Appartment in Brüssel zeigt.
Ihre gelegentliche Prostitution wird durch minimalste Andeutungen sehr unkonventionell vermieden, was aber dem allgemeinen Stil des Films zugute kommt.
Sie geht sehr routiniert in ihrer Wohnung vor, ein stets ernüchternder, nichtssagender, gar "neutraler" Gesichtsausdruck und bereit für Alltagsgespräche, die von einem Ohr ins andere herauszischen.
Dann ist sie ebenfalls Mutter eines Sohnes, zu dem sie kaum ein kühleres Verhältnis haben könnte und sich in ins Nichts verlaufende, knappe Dialoge austauschen.
Der 3. Tag sorgt jedoch für einen entscheidenden Einschlag für Jeanne, nicht nur für ihren Alltag, sondern auch für ihr Leben.

Die 3 Tage, in der man sie beobachtet, sind so zäh wie der Apfelsirup, den ich vor Jahren aus Versehen getrunken habe. Ich sehe die Methode dahinter und bin einerseits fasziniert davon, wie konsequent Frau Akerman durchzieht, andererseits braucht man dieses Thema nicht auf über 190 Minuten zu strecken, damit es verstanden wird. Gelangweilt habe ich mich zeitweise schon, andererseits meine Neugier für die folgenden Szenen, dass etwas iert. Nicht dass es für das Narrativ des Films explodiert, sondern kleine Stiche, die tatsächlich herausgefahren kamen, aber nicht immer.
Thematisch und dramaturgisch kann man hier von feministischen Anleihen sprechen, aber einerseits wird hier nichts dick aufgetragen, sondern viel mehr mit wenigen Mitteln, die ein Film braucht, um zu erzählen, in welcher Tristesse man im Alltag verfallen kann und niemanden hat, der Wunden der Vergangenheit gezielt öffnet.

Nun denn: "Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles", ein belgisch-fanzösisches Stück über das Alltägliche, was angesprochen werden muss, aber man hierfür schon ein dickeres Kaliber an Geduld auffahren muss. Ich bin froh ihn gesehen haben zu dürfen. Würde ich ihn nochmal sehen wollen? Tendenziell nein.

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While I was sitting on the toilet, I started and watched this movie.


At the time I was sitting on the edge of the bathtub after a cold shower, I watched this movie.


While sitting with my back against my shelf and playing with my thigh muscles - rotating inward and then pulling away from my knee - I watched this movie.


As I continued to pencil my picture of a mountainous landscape with patches of forest, aisles, clouds at different heights, a small town separated from the river, a dam and semi-good lighting from the sun, I watched this movie.


I started the second half early in the morning and made myself a Bemme (slice of bread) with scrambled eggs while I watched this movie.


And as I am writing this review, I watched this movie.

Chantal Akerman makes no real secret of what she is getting at in her cramped, sober film of epochal length. The static camera and the very economical editing show the almost bitterly bleak everyday life of the widow Jeanne Dielman (Delphine Seyrig) in an apartment in Brussels, sometimes for a miserably long time.
Her occasional prostitution is very unconventionally avoided by minimal hints, but this benefits the general style of the film.
She goes about her apartment in a very routine manner, a constantly sobering, vacuous, even “neutral” expression on her face and ready for everyday conversations that hiss out from one ear to the other.
Then she is also the mother of a son with whom she could hardly have a cooler relationship, exchanging terse dialogs that fade into nothingness.
Only the third day is showing an important chain of events where it will eventually influence Jeanne not only in her everyday life, but also the entirety of her life.

The 3 days of watching her are as tough as the apple syrup I accidentally drank years ago. I can see the method behind it and on the one hand I am fascinated by how consistently Ms. Akerman pulls it off, on the other hand you don't need to stretch this subject to over 190 minutes for it to be understood. I did get bored at times, on the other hand my curiosity for the following scenes that something happens. Not that it explodes for the narrative of the movie, but little stabs that actually came out, but not always.
Thematically and dramaturgically, one can speak of feminist borrowings here, but on the one hand, nothing is laid on thick here, but rather with the few means a film needs to tell the story of the dreariness one can fall into in everyday life and have no one to specifically open the wounds of the past.

Now then: “Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles”, a Belgian-French piece about the everyday that needs to be addressed, but for which you have to have a thicker caliber of patience. I am glad to have been able to see it. Would I want to see it again? Probably not.

🇺🇸💸English review below💸🇺🇸

"What was I supposed to do, call him for cheating better than me in front of the others?"

"The Sting" (Deutsch: "Der Clou") ist sehr wahrscheinlich die beste Gaunerkomödie, die ich bisher gesehen habe und zugleich weckte nach langer Zeit meine Faszination darüber, wie wichtig ein zeitlicher Dresscode für die Authentizität der Handlung ist. Darüber hinaus ist die Handlung ein wahres Kunststück von Lügen und Täuschungen, ganz nach dem Sinnbild eines Trickbetrügers, den wir in mehreren Charakteren sehen. Doch Sympathien lassen sich trotz dieser hinterlistigen Beschäftigung finden, denn man hat dieses 2-stündige Stück als einen Trick insgesamt gestaltet, der den Zuschauer von Szenerie zu Szenerie als auch Figuren an der Nase herumführt.

Ein Trio blauäugiger Raubeine, Gentlemen und Gauner, besetzt von Robert Redford, Paul Newman und Robert Shaw, dass hier wieder individuell wie auch zusammen wunderbar schauspielert. Oft wird auch bewusst wie in einem Theaterstück gespielt, sich verstellt und dicker aufgetragen, um Charaktere wie hauptsächlich Mafiaboss Lonnegan zum Narren zu halten.
Dabei besteht der Hauptunterschied zwischen den Aufführungen darin, dass die "für Lonnegan aufgeführte Show" mit der Realität verwechselt werden muss, während die "Show des Films" letztendlich nicht mit der Realität verwechselt werden kann, egal wie real sie sich anfühlt oder wie sehr man es sich auch wünschen, dass sie real ist.

Der Score von Marvin Hamlisch ist verspielt, leichtfüßig und durch die Klaviereinlagen sehr reminiszent zu Stummfilmen, die ohne Ton viel über Bild zu sagen vermochten. Und tatsächlich gibt es auch eine Anlehnung dahingehend, die als einschneidende Überleitung dienen.
Vor allem musikalisch brilliert das Leitthema von Sekunde Eins an durch seine melodische Lebhaftigkeit. Ich bekam fast das Gefühl, diese Melodie schon mal irgendwo gehört zu haben.

Was ich mir im Verlauf der Filmgeschichte sehnlichst gewünscht hätte, wären: Mehr Filme mit dem Duo Redford/Newman oder George Roy Hill-Filme, die genau diese lockere Bildsprache und den humorvollen Tonus in gesellschaftlich herausfordernden Zeiten - die Weltwirtschafstkrise - treffen.
Es war einer der erfolgreichsten Filme seiner Zeit, gefüllt mit viel Liebe zu üppig vielen Sets und die Konstruktiertheit durch die Figuren, nicht durch die Handlung, was ein raffiniertes Werkzeug ist, wenn man es zu diesem Zweck einsetzt.

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"What was I supposed to do, call him for cheating better than me in front of the others?"

“The Sting” is probably the best crook comedy I've seen so far and at the same time, after a long time, it awakened my fascination with how important a period dress code is for the authenticity of the plot. Furthermore, the plot is a true feat of lies and deception, very much in the vein of a con artist that we see in several characters. However, sympathy can be found despite this deceitful activity, as this 2-hour play has been designed as a trick overall, leading the audience from scene to scene as well as characters by the nose.

A trio of blue-eyed roughnecks, gentlemen and crooks, played by Robert Redford, Paul Newman and Robert Shaw, again act wonderfully both individually and together. They often deliberately act as if they were in a play, disguising themselves and applying thicker layers in order to make fools of characters such as mafia boss Lonnegan.
Here, the main difference between the performances is that the “show put on for Lonnegan” must be mistaken for reality, whereas the “show of the movie” ultimately cannot be mistaken for reality, no matter how real it feels or how much you wish it was real.

Marvin Hamlisch's score is playful, light-footed and, thanks to the piano interludes, very reminiscent of silent films, which were able to say a lot about images without sound. And there is indeed a reference to this, which serves as an incisive transition.
Musically, the main theme shines from the very first second with its melodic vivacity. I almost got the feeling that I had heard this melody somewhere before.

What I would have longed for in the course of the movie's history would have been: More films with the Redford/Newman duo or George Roy Hill films that hit that exact loose visual language and humorous tone in socially challenging times - the global economic crisis.
It was one of the most successful films of its time, filled with a lot of love for lavish sets and constructed through the characters, not the plot, which is a nifty tool when used to that end.

🇺🇸🔷️👂🏻English review below👂🏻🔷️🇺🇸

Sometimes a wind blows
And the mysteries of love
Come clear.

R.I.P. zum letzten großen Surrealisten,
David Lynch.

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Sometimes a wind blows
And the mysteries of love
Come clear.

R.I.P. to the last great man of movie surrealism,
David Lynch.

🇺🇸💭English review below💭🇺🇸

Was eine 2500 US-Dollar abgeschlossene Lebensversicherung so auslösen kann...

"The Killers" (Deutsch: "Rächer der Unterwelt") von Robert Siodmak ist einer der Film noirs der höheren Schublade, was den Status in der Filmwelt angeht. Denn so manche Filme dieses Genres wie Billy Wilder's "Double Indemnity", Jacques Tourneur's "Out of the Past", Orson Welles' "Touch of Evil" oder Howard Hawk's "The Maltese Falcon" besitzen einen Status unangefochtener Werke. Und da gab es noch diesen, welche mir noch ins Auge fiel. Einerseits wegen Burt Lancaster, der hier sein Spielfilmdebüt feiert und dass er Ava Gardner hat, von der ich... glaube nichts bewusst gesehen habe.

Und Mensch! Was "Citizen Kane" für Filme inspiriert hat, merkt man am ehesten an einer Welle an Filmen eines Genres, welches fast genauso alt ist.
Ich hätte nicht mit einer Narration gerechnet, die mich als Zuschauer in verschiedenste Zeitebenen bringt und mich immer es leicht genug macht, den Verlauf des ermordeten Mannes "Swede" (Burt Lancaster) in mehreren Facetten zu zeigen.

Es gefiel mir vor allem, neben der butterweich verlaufenden Erzählweise, dass man typische Gazefilter für weiche Gesichter, die eine gewisse Nostalgie und täuschende. Andererseits gibt es auch durch die Lichsetzung einen fast expressionistischen Schliff wie bei "Night of the Hunter" oder "Citizen Kane", der sowohl bedrängend bzw. Spannung innerhalb einer Figur zu zeigen.

Auch fand ich es sehr cool, dass ein MacGuffin als ein Puzzleteil immer vom Versicherungsdetektiv (auch sehr charismatisch gespielt von Edmond O'Brien) mitgetragen wird, einerseits ein tragisches Erinnerungsstück, andererseits bezeichnend für die Femme fatale.

Eine wunderbare Ava Gardner, obwohl sie gar nicht so oft zu sehen ist, lockt nicht nur durch ihren Schlafzimmerblick, sondern auch zeigt eine Präsenz, in der sie, ohne große Beachtung, in den Hintergrund sich fallen lassen kann. Doch wenn man sie einmal im Blick hat, kann sich kaum von ihr abwenden.

In "The Killers" wurde aus einer kurzen Erzählung Ernest Hemingways, in der mehr nur die Kriminalität in Großstädten der 1920er Jahre behandelt wurde, ein erzählerisch komplexeres Konstrukt geschaffen, was nur wenige Film noir, die ich gesehen oder wahrgenommen habe, besitzen. Durch diese Citizen Kane-eske "Zeitzeugenerzählung", macht das Rätseln mit einem Verischerungsdetektiv selbst richtig Spaß. Zugleich bekommt man ein gutes Maß an Spannung in Szenen, in denen man nie so recht weiß, wie sie ausgehen, eine verflucht verführerische Ava Gardner als Femme fatale und den Startschuss von Burt Lancasters kaum vergleichbarer Karriere, wo er gleich mal mehrere Facetten darbieten konnte.
Hier gibt's nichts für mich zu meckern. Clever konstruiert, fabelhafte Schwarzweiß-Shots und eine Geschichte, die eine Inspirationsquelle von fragmentierter, runder Erzählung ist.

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What a 2500 US dollar life insurance policy can trigger...

“The Killers” by Robert Siodmak is one of the film noirs of the higher drawer in of its status in the film world. Some films of this genre, such as Billy Wilder's “Double Indemnity”, Jacques Tourneur's “Out of the Past”, Orson Welles' “Touch of Evil” or Howard Hawk's “The Maltese Falcon” have the status of undisputed works. And then there was this one, which still caught my eye. On the one hand because of Burt Lancaster, who makes his feature film debut here, and that it has Ava Gardner, of whom I... don't think I've consciously seen anything of.
And man! What “Citizen Kane” inspired for movies is most noticeable in a wave of movies of a genre that is almost as old.

I wouldn't have expected a narrative that takes me as a viewer to different time levels and always makes it easy enough to show the course of the murdered man “Swede” (Burt Lancaster) in several facets.

I especially liked, in addition to the buttery smooth narrative, that you can use typical gauze filters for soft faces, which give a certain nostalgia and deceptive. On the other hand, there is also an almost expressionistic polish through the lensing, as in “Night of the Hunter” or “Citizen Kane”, which shows both oppressive or tension within a character.

I also thought it was very cool that a MacGuffin is always carried as a puzzle piece by the insurance investigator (also played very charismatically by Edmond O'Brien), on the one hand a tragic memento, on the other indicative of the femme fatale.

A wonderful Ava Gardner, although she is not seen that often, not only entices with her bedroom eyes, but also shows a presence in which she can let herself fall into the background without attracting much attention. But once you have your eyes on her, it's hard to turn away.

In “The Killers”, a short story by Ernest Hemingway, which dealt more with crime in the big cities of the 1920s, was turned into a narratively more complex construct, which few film noirs that I have seen or noticed possess. This Citizen Kane-esque “eyewitness narrative” makes puzzling with a crime detective really fun. At the same time, you get a good amount of suspense in scenes where you never really know how they're going to end, a damn seductive Ava Gardner as a femme fatale and the start of Burt Lancaster's barely comparable career, where he could show several facets at once.
There's nothing for me to complain about here. Cleverly constructed, fabulous black and white shots and a story that is a source of inspiration for a fragmented, rounded narrative.

Ein Mann, der mit seiner Identität als Kartellboss nicht im Reinen ist, die Umwandlung erfolgreich ist und im Vorfeld über Vagina und Titten gesungen wird?

Eigentlich der perfekte Oscar-Film, je länger ich drüber nachdenke...
Diese Musik lässt mich fragen, warum Musik überhaupt im Film eine Rolle spielen darf, aber ich würd' den als klaren Favoriten ansehen!

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A drug cartel boss who's not one with his identity and aspires to be a woman and while his transformation ends up being successful we sing about (now) her vagina and tits?

Although with this music I wonder why music is playing an important role in films, this is one is a resemblance of an Oscar film the more I think about it...
I'd personally choose it as the awards' favorite!

🇫🇷📽💃English review below💃📽🇫🇷

"Jacques Demy, le rose et le noir" hat mir nochmal eine dokumentarische Überraschung im letzten Jahr beschert über einen besonderen Mann, der Teil der Nouvelle Vague war, aber irgendwo ein kontrapunktiertes Alleinstellungsmerkmal besaß: Musicals und die Schönheit von Nostalgie.

Musical als Filmgenre fällt allzu oft auf eine von zwei Seiten, die entweder "Ja geil, Musicals! Ich liebe Choreo und Gesang!" oder "Bah! So einen Pfirlefanz kannste alleine gucken!" sind.

Als Kind mochte ich früher - bis auf zahlreiche Disney-Filme - Musicaleinlagen ganz und gar nicht. Gerade in meiner Jugendphase vor etwa 9.5 Jahren, in welcher meine Leidenschaft für das Medium Film endgültig entfachte, machte ich stets einen Bogen darum. Tänze selbst, wenn sie der Handlung förderlich waren, waren fein. Aber sobald jemand bewusst eine Gesangseinlage in den Film einbaute, drehte sich in mir der Magen und die Augen um. Es war unsäglich peinlich, sich das anzugucken wie anzuhören.
Wie dem auch sei: Einige Musicalverfilmungen waren auch kein guter Einstieg, wenn man es wirklich angehen will. "La La Land" habe ich erst nach Jahren freiwillig nachgeholt und war erstaunt über diesen Ehrgeiz und die filigrane Inszinierung in exzentrischer Kulisse und Blocking, die dort hineingesteckt wurden.

So auch bei Jacques Demy.
Ich habe bis heute nur einen Film von ihm gesehen. Doch wenn ich wieder den Fokus und die Motivation auf sein Schaffenswerk lege, dann blitzen wieder diese knallig bunten Bilder, leicht realitätsabdriftenden - aber nicht zu eskapistischen - Handlungsverläufe, feinfühligen Gesänge und hochwertig choreographierten Tänze auf. "Les Demoiselles de Rochefort" ist vielleicht sogar mein bisher der Musicalfilm, den ich mir zu Gemüte führen würde, wenn ich wieder Lust auf "schönes Kino" habe.
Er hat nicht nur Musicalfilme, durch die er bekannt wurde, gedreht, sondern hier und dort eine Komödie oder ein Melodram, wo nicht immer leichtfüßige Stimmungen den Ton angeben. Auch eine Charakterstudie mit Jeanne Moreau ("La baie des anges") hatte er zuvor auf dem Radar der französischen Filmwelt gebracht.

Er war ein Talent des Szenenbildes, höchst arrangiert, nicht auf kommerziellen Erfolg fokussiert, stets erheiternd und bescheiden wirkend und zu früh verstorben.

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“Jacques Demy, le rose et le noir” gave me another documentary surprise last year about a special man who was part of the Nouvelle Vague, but somewhere had a counterpoint unique selling point: musicals and the beauty of nostalgia.

Musicals as a film genre all too often fall on one of two sides that either say "Yeah cool, musicals! I love choreography and singing!“ or ”Bah! You can watch that kind of nonsense on your own!".

As a child, I didn't like musicals at all - apart from numerous Disney films. Especially in my adolescent phase about 9.5 years ago, when my ion for the medium of film was finally ignited, I always gave it a wide berth. Dances themselves were fine if they helped the plot. But as soon as someone deliberately included a singing interlude in the movie, my stomach and eyes turned. It was unspeakably embarrassing to watch and listen to.
Be that as it may, some musical adaptations were not a good place to start if you really want to get into it. I only voluntarily caught up with “La La Land” years later and was amazed at the ambition and the filigree staging in an eccentric setting and blocking that was put into it.

The same goes for Jacques Demy.
I have only seen one of his films to date. But when I return my focus and motivation to his oeuvre, these brightly colored images, slightly reality-drifting - but not too escapist - storylines, sensitive songs and high-quality choreographed dances flash up again. “Les Demoiselles de Rochefort” is perhaps even the musical film I would watch if I were in the mood for “beautiful cinema” again.

He didn't just make the musical films that made him famous, but also a comedy or a melodrama here and there, where light-hearted moods don't always set the tone. He also had a character study with Jeanne Moreau (“La baie des anges”) on the radar of the French film world.

He was a talented production designer, highly arranged, not focused on commercial success, always amusing and modest, and died too young.

🦇🩸English review below🩸🦇

Die Lisa Film GmbH präsentiert:
Aller guten Dinge sind Drei - Graf Orlok beißt die Braut von Wisborg

Ein Film, der Ihnen das Blut aus dem Körper rennen lässt!
Eine verführerische Braut, die den schnurrenden Visionen des Schatten-Grafen nicht widerstehen kann!

"Nosferatu" ist das dritte große Remake, welches unter der Handschrift und Regie Robert Eggers fällt. Als ich erstmals von seinem Projekt gehört hatte, verblieb ich mit gemischten Gefühlen dazu. Hat er, der seit den letzten Jahren für originellen Stoff zuständig ist, der Großartiges beinhaltete, es wirklich nötig, einen Stoff zu inszenieren, dem bereits schon einmal eine Neuverfilmung - Werner Herzog - obliegt? Die Frage hat sich im vergangenen Jahr so oft gestellt, dass mir Ohrenschmalz schon raushing. Dass es ein Herzensprojekt seinerseits und seine Handschrift ist, lässt sich durch die Sichtung dieses Films wohl aber kaum verkennen.

Vor etwa 2 Jahren wurden die Schutzmaßnahmen einer Pandemie international abgesetzt und hinterließ zum Zeitpunkt bis zum Jetzt wirtschaftspolitische, aber vor allem gesellschaftliche Erinnerungsnarben. Vielen hatte diese Zeit einen jahrelangen Schwall an Angst vor Isolation und Ungewissheit, wie lange dieses von Krankheit hereingebrochene Unterfangen so verbleiben soll, herbeigerufen. Man muss aber dabei anmerken, dass doch binnen kürzester Zeit - innerhalb dieser 2-3 Jahre - medizinische Griffe für eine Impfung gelungen sind. Rückschläge durch Lockdowns waren bei steigenden Infektionszahlen gegeben, aber letzten Endes kam Kontrolle einher. Man kann sich doch glücklich schätzen, wie schnell die heutige Medizin- und Hygienemaßnahmen bei einem neu mutierten Virus handeln können.
Nun befindet man sich in "Nosferatu" aber in einer Phase, in der eine Vielzahl an Krankheiten diagnostiziert werden konnten sowie Schmerzmittel, jedoch mit einem akuten Befall eines Virus/Bakteriums auch über einen längeren Zeitraum zu kämpfen hat. Alles lief deutlich entschleunigter und experimenteller - oft ethisch fragwürdig - als es heute durch globale Vernetzung von Informationen. Zumal auch die Kleine Eiszeit, die viel Leid der Gesellschaft brachte, noch nicht ausgeklungen ist.
Diese Krankheit ist sowohl physisch als auch für die Hauptfiguren psychisch und seelisch in den Körpern präsent.

Nach ca. 45 Minuten habe ich doch erstaunlich viele Szenen als zu zehrend empfunden. Zwar trumpft hier das Atmosphärische, sobald man in das ominöse Schloss des Grafen mit Thomas Hutter (Nicholas Hoult) eingeweiht bzw. eingesperrt wird. Er dreht sich aber öfters zu sehr um seine eigene Achse, um letztendlich zum Ausgang der Nosferatu-Handlung zu gelangen. Die Shots jedoch trumpfen aber tatsächlich gegenüber der von mir insgesamt besseren zweiten Hälfte. Vor allem eine Kreuzung im transyllvanischen Waldstück bis hin zur Kälte des Schlosses.

Dass Lily-Rose Depp bedrückt und sehr emotional spielen kann, war mir durchaus bewusst, aber ich war so derart überrascht - und das ist auch etwas, wo Eggers für verantwortlich ist, das Abgefahrendste aus Schauspielern zu holen - wie sehr Szenen der Besessenheit ihrer Figur mich an der Seele genagt haben. Die Rolle der Ellen Hutter war ihr schlussendlich maßgeschneidert, in der sie nicht nur die telepathische Obsession zu Orlok, Angst und Scham, sondern auch eine Stärke im Beistand ihres Mannes und das Rückgrat gegenüber die Männer sehr gut porträtiert.
Daneben lieferten Nicholas Hoult, Aaron Taylor-Johnson und Emma Corrin ein ebenso qualitativ sehr gutes Ensemble, in der man das Unheil einer Plage wirklich spüren und nicht gerne selbst nachempfinden will.
Willem Dafoe und Ralph Ineson sind eigentlich generell ein Garant für so etwas.

Beim Graf, aka Bill Skarsgård, hat man sich doch für ein neues Design entschieden, was den einen oder anderen einen Teil der bedrohlichen Präsenz nimmt. Ich selbst hab dieses Feature mit dem langsamen, tiefen Sprech als willkommende Änderung geheißen. Wer Skarsgård in dieser Maskenbildnerei erkennen möchte, dem sei viel Glück dabei gewünscht. Max Schreck bleibt nach wie vor DER Nosferatu/Graf Orlok (oder andersrum), aber diese Performance hat sich nicht als Störfaktor in diesem Film erwiesen.

"Nosferatu" wirft einerseits die heutzutage routinierte Frage auf, ob es denn Remakes von vergangenen Klassikern nötig hat. Murnaus Original ist ein scheinbar unbestreitbares Fundament des Horrorfilms. Herzogs Remake von 1979 liegt auch schon lange Zeit zurück, wo ich mich nur daran erinnern, dass ich den als ziemlich gut abgespeichert habe. Die Disc liegt für den Rewatch im Laufwerk.
Wie ich den Film in Eggers' bisheriger Filmographie einordne: Durch seine Längen und Charakterentwicklung der ersten Hälfte und einer stark ankurbelnden zweiten Hälfte in nahezu allen dramaturgischen Departments reiht er sich mit "The Northman" zu seinen zwei schwächeren Spielfilmen ein. Für mich zumindest, was den WOW-Effekt auf inhaltlich-metaphorischer Ebene sowie die Figurenzeichnung betrifft. Und dennoch: Wer dem Jumpscare-Blumhouse-Kino, der Anbiederung an konventionell schnell geschnittene Produkte oder (noch) nicht Remakes von Klassikern überdrüssig ist, dann dürfte man mit "Nosferatu" von Eggers kaum was falsch machen können.

PS:
Alles, was man braucht ist ein konstantes Licht, meine Freunde!

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Lisa Film GmbH presents:
All Good Things Come in Threes - Count Orlok Bites the Bride of Wisborg

A movie that will make your blood run from your body!
A seductive bride who can't resist the purring visions of the shadowy Count!

"Nosferatu" is the third major remake to fall under the signature and direction of Robert Eggers. When I first heard about his project, I had mixed feelings about it. Has he, who for the last few years has been responsible for original material that has contained great things, really needed to direct material that has already been remade by Werner Herzog? The question has come up so often in the past year that my ears have been burning. But the fact that this is a project close to his heart and his signature style can hardly be denied by watching this film.

Around two years ago, the protective measures of a pandemic were lifted internationally, leaving economic, political and, above all, social scars in its wake. For many, this period brought with it years of fear of isolation and uncertainty as to how long this disease-ridden endeavor would last. However, it should be noted that within a very short space of time - within these 2-3 years - medical steps towards vaccination were successful. There were setbacks due to lockdowns as infection numbers rose, but ultimately control was achieved. We can count ourselves lucky how quickly today's medical and hygiene measures can act on a newly mutated virus.
In “Nosferatu”, however, we are now in a phase in which a large number of diseases have been diagnosed and painkillers have been istered, but an acute infestation of a virus/bacterium has to be dealt with over a longer period of time. Everything was much slower and more experimental - often ethically questionable - than it is today thanks to the global networking of information. Especially as the Little Ice Age, which brought much suffering to society, has not yet come to an end.
This disease is present in the bodies of the main characters, both physically and psychologically and emotionally.

After about 45 minutes, I found a surprising number of scenes too exhausting. It's true that the atmospheric trumps here as soon as you are introduced to or locked up in the Count's ominous castle with Thomas Hutter (Nicholas Hoult). However, he often turns too much on his own axis in order to finally reach the end of the Nosferatu storyline. The shots, however, actually trump the second half, which I thought was better overall. Especially a crossroads in the Transylvanian forest to the coldness of the castle.

I was well aware that Lily-Rose Depp can play depressed and very emotional, but I was so surprised - and this is also something where Eggers is responsible for getting the most out of actors - how much scenes of her character's obsession gnawed at my soul. The role of Ellen Hutter was ultimately tailor-made for her, portraying not only a telepathic obsession with Orlok, fear and shame, but also a strength in standing by her husband and a backbone in the face of men.
In addition, Nicholas Hoult, Aaron Taylor-Johnson and Emma Corrin provide an equally high-quality ensemble, in which you really feel the disaster of a plague and don't want to empathize with it yourself.
Willem Dafoe and Ralph Ineson are generally a guarantee for something like this.

The Count, aka Bill Skarsgård, has opted for a new design, which takes away some of the menacing presence. I myself welcomed this feature with the slow, deep speech as a welcome change. If you want to recognize Skarsgård in this make-up, good luck with that. Max Schreck remains THE Nosferatu/Count Orlok (or vice versa), but this performance didn't prove to be a spoiler in this movie.

On the one hand, "Nosferatu" raises the now routine question of whether remakes of past classics are necessary. Murnau's original is a seemingly indisputable foundation of the horror film. Herzog's 1979 remake was also a long time ago, and I only it as being pretty good. The disc is in the drive for the rewatch.
How I classify the movie in Eggers' filmography so far: Due to its length and character development in the first half and a strong boosting second half in almost all dramaturgical departments, it s “The Northman” as one of his two weaker feature films. For me at least, in of the WOW effect on a content-related, metaphorical level and the drawing of the characters. And yet: if you're tired of jumpscare Blumhouse cinema, of pandering to conventionally fast-cut products or not (yet) remakes of classics, then you can hardly go wrong with "Nosferatu" by Eggers.

PS:
All you need is one constant light in your life, my friends!

🇮🇷⚖✊English review below✊⚖🇮🇷

Ficus Religiosa
ist ein Baum mit einem ungewöhnlichen Lebenszyklus.
Seine Samen, die in Vogelkot enthalten sind, fallen auf andere Bäume.
Luftwurzeln bilden sich
und wachsen bis zum Boden.
Dann wickeln sich die Zweige um
den Wirtsbaum und erdrosseln ihn.
Schließlich steht die heilige Feige
von allein.

"The Seed of the Sacred Fig" (Persisch: "دانه‌ی انجیر معابد") ist ein mit Politik beladenes Schiff, das den Kurs gegen die Respression des theokratischen Macht-Regimes des Irans einlegt. Aber nicht nur gegen die Herrschaft, sondern auch für die Emanzipation der Frau und das Hinwegsetzen über das betont islamistische Patriarchat.
Inmitten der besonders in den Medien lauten Proteste 2022-23 muss man sich auch in einer schwierigen Lage bezüglich Wahrheit und (bewusste) Falschinformationen wiederfinden. Wie verblendet wird einer, wenn man seit Jahrzehnten denselben theokratischen System folgt? Und wann holt die Aufruhr, der die Straßen draußen laut werden lässt, das Leben im Haushalt ein?

Falls einer von euch nicht schon vor Neugier die Zusammenfassung auf Letterboxd oder anderen Webseiten gelesen hat: Lasst es, damit ihr dieses politisch getünchte Familiendrama inhaltlich unbeeinflusst schauen könnt. Denn ab einem Punkt wendet sich die Stimmung rapide in Paranoia, die sich immer mehr verstärkt als die tatsächliche Gefahr, in der sich die Familie ob der Berufung des Vaters hineinmanövriert wurde.

Die Handlung setzt gesamteinheitlich auf die Familie den Fokus, hängt aber von der physischen Präsenz ab. In Teheran ist man 2022-23 nah der oft gewaltvollen, unterdrückten Proteste, wo der Vater durch seine Beförderung zum Ermittlungsrichter des Revolutionsgerichts in einem momentan lebensgefährlichen Posten sich befindet, ist es nur eine Frage der Zeit, wann sein psychischer Druck zur Explosion führt. Das Recht eines jeden ist nicht ein Recht, welches von Gott selbst angewendet und gesteuert wird.
Die Mutter: Aufopfernd für ihre Töchter, die ihre Infos größtenteils von Social Media beziehen, während sie dem TV zuhört, steuert den Haushalt und lebt im Sinne des dekadenlang bestehenden Systems.
Und die Töchter? Zweifeln mit der Zeit mehr und mehr der Vorbildfigur ihrer Eltern und dem, was der Staat ihnen vorgibt.

Mit diesem Prä-Exil-Film von Mohammad Rasulof starte ich mit einer deutlich ernsteren Note in das Jahr hinein, was ich nicht gewollt, aber scheinbar gebraucht habe. Denn einerseits bekommt man ein astreines Familiendrama, das in der zweiten Hälfte, sobald ein wichtiger Gegenstand für die Zustände des Nahen Ostens im Zuge der anhaltenden Islamisierung.

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Ficus Religiosa
is a tree with an unusual life cycle.
Its seeds, contained in bird
droppings, fall on other trees.
Aerial roots spring up
and grow down to the floor.
Then, the branches wrap around
the host tree and strangle it.
Finally, the sacred fig
stands on its own.

"The Seed of the Sacred Fig" (Persian: "دانهی انجیر معابد") is a ship laden with politics that sets course against the repression of Iran's theocratic power regime. But not only against rule, but also for the emancipation of women and defying the emphatically Islamist patriarchy.

In the midst of the 2022-23 protests, which are particularly loud in the media, one must also find oneself in a difficult position with regard to truth and (deliberate) misinformation. How deluded does one become when following the same theocratic system for decades? And when does the turmoil that makes the streets outside noisy catch up with life in the home?

In case any of you haven't already read the summary on Letterboxd or other websites out of curiosity: Don't, so you can watch this politically whitewashed family drama unaffected by its content. Because at one point, the mood rapidly turns to paranoia, which becomes more and more intense than the actual danger the family has maneuvered itself into because of the father's vocation.

The plot focuses on the family as a whole, but depends on their physical presence. In Tehran in 2022-23, one is close to the often violent, suppressed protests, where the father finds himself in a momentarily life-threatening position due to his promotion to investigating judge of the Revolutionary Court, it is only a matter of time before his psychological pressure leads to an explosion. Everyone's right is not a right that is applied and controlled by God himself.
The mother: sacrificing for her daughters, who get most of their information from social media while she listens to the TV, controls the household and lives according to the system that has been in place for decades.
And the daughters? Over time, they increasingly doubt their parents' role models and what the state dictates.

With this pre-exile film by Mohammad Rasulof, I start the year on a much more serious note, which I didn't want, but apparently needed. Because on the one hand, you get a pure family drama, which in the second half, as soon as an important subject for the conditions of the Middle East in the course of the ongoing Islamization.

Einen guten Rutsch in den nächsten 365-Tage-Trip!

Weg von den Gedanken des Refugiums der vergangen 365 des Abteils "2024"!

Das letzte Jahr einer halben Dekade steht an!

Seid mit allem zugedröhnt, was ihr finden könnt... aber KEINE Drogen, bitte!

2025 verschont die Irren und Wirren der Generationen genauso wenig wie 2024!

We can't stop here!

This is bat country!
¡ʎɹʇunoɔ pɐq sᴉ sᴉɥ┴

🇱🇻🐱English review below🐱🇱🇻

"Flow" (Lettisch: "Straume") von Gints Zilbalodis braucht keine Worte zu transportieren. Weder braucht es Menschen, die in diesem Universum ihr unbewusstes Bestes zu geben versuchen, diese glanzvolle Idylle vor die Hunde gehen zu lassen.
Es ist ein kleines Animationsprojekt, das mittels der Software Bender und schlüssiger Imagination für die Geschichte eine tierische Achterbahnfahrt mit Höhen und Tiefen zustande bringen konnte, um Jung wie auch Alt in den Sitz für 84 Minuten zu spannen.

Eine junge, schwarze Hauskatze, die in den Tiefen der Waldprärie einen verlassenen Katzentempel als Unterschlupf hat, muss durch das rasche Vorbeiziehen einer Hirschheerde mit Ach und Krach eine brachiale Überschwemmung erleben, die das Leben aller anderen Tierwesen zur Überlebensprobe. Eine "Sintflut" für Tiere, die Arche Noah ein Segelschiff. Zusammen mit verschiedenartigen Wesen, deren Leben und Wertvorstellungen kaum anders sein könnten, aber im Anbetracht der Katastrophe, wird und muss unsere Katze im Kollektiv sein, um zu überleben. Die Hoffnung auf Besserung? Keiner weiß es, doch an einem sicheren Ufer des steigenden Meeresspiegel zu stranden, wäre ein Anfang.

Der Grafik möge man ein paar Minuten Eingewöhnungszeit einräumen, aber bald wird man merken, dass man mit dem Stil wunderbar tierische Gesichtmerkmale gepaart mit ihren ganz eigenen Emotionen einfangen kann. Es wirkt hier nichts überanimiert oder zu verkompliziert in der Schärfe, dass die Tiere blass und ohne Züge erscheinen.
Dazu noch ein liebevoll eingesetzter Score, der situativ die Gefühlslage untermalt.

Der Watch liegt zwar eine Woche zurück, aber was dieses Abenteuer für mich hinterlassen hat, ist die Faszination und gleichzeitig wie unüberrascht ich war, dass ein Film voller Sound, Figuren wortlos, aber voller Emotionen funktionieren.
Die hier gezeigten Interaktionen als Einzelgänger oder in der Gruppe kennt der beste Mensch in uns nur viel zu gut. Wie schwer die Anung in solchen Extremsituationen für das Individuum ist und dann noch mit Mitstreitern einer völlig anderen Art. Kann man sich nur schwer ausmalen, wie man selbst und andere reagieren. Nochmals: Das Überleben in der Wildnis bestimmt oft das Recht des Stärkeren. Manche Tiere sind der Jäger, manche die Beute, manche bevorzugen Symbiose und mehr. Sobald eine größere Kraft jegliches Leben auszulöschen versucht, ist es bewundernswert, wie sich dieses Prinzip ändern kann. Bei uns Menschen, selbst zwischen Zivilisierung und Bekriegen kein abwegiges Szenario.

In "Flow" sitzt man selbst mit allen anderen im selben Boot. In der heutigen Welt ist diese Metapher offenbar nicht bei jedem angekommen. Die wenigsten sehen die Welt von außen, die meisten verbleiben im abgeschlossenen System. Die Natur gibt den Kurs an, aber verändert seine Gestalt durch menschliche Aktivitäten. Sobald die Menschheit sich in einer nahezu ausweglosen Lage manövriert oder durch Kräfte außerhalb ihrer Macht, wird es nicht darum gehen, wer am längsten überlebt. Sondern man geht zusammen durch.
Ein Filmprojekt, das das Herz an rechten Fleck und genug Kopf zur Berücksichtigung natureller Komplexe.

Und für die kreativen Köpfe unter euch: Blender ist Open Source und sobald man diese Info mit diesem schönen Film verbindet, könnte man den Drang haben selbst größere Kunstgriffe zu flechten.

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"Flow" (Latvian: "Straume") by Gints Zilbalodis needs no words to convey its message. Neither does it need people who try their unconscious best to let this glamorous idyll go to the dogs in this universe.

It is a small animation project that, with the help of Bender software and a coherent imagination for the story, was able to create an animal rollercoaster ride with highs and lows to keep both young and old on the edge of their seats for 84 minutes.

A young, black house cat, who has an abandoned cat temple as a shelter in the depths of the forest prairie, is forced to experience a brutal flood when a herd of deer quickly es by, making the lives of all the other animals a test of survival. A "deluge" for animals, Noah's Ark a sailing ship. Together with diverse beings whose lives and values could hardly be more different, but in the face of catastrophe, our cat will and must be in the collective to survive. The hope of recovery? No one knows, but being stranded on a safe shore of rising sea levels would be a start.

The graphics may take a few minutes to get used to, but you will soon realize that the style allows you to capture wonderful animal facial features paired with their very own emotions. Nothing here seems over-animated or too complicated, making the animals appear pale and featureless.
There is also a lovingly used score that underlines the emotional situation.

The watch was a week ago, but what this adventure has left me with is the fascination and at the same time how unsurprised I was that a movie full of sound, characters function wordlessly, but full of emotion.

The interactions shown here as a loner or in a group are all too familiar to the best person in us. How difficult it is for the individual to adapt in such extreme situations, and then with fellow combatants of a completely different kind. It's hard to imagine how you and others will react. Once again: survival in the wild is often determined by the law of the jungle. Some animals are the hunter, some the prey, some prefer symbiosis and more. Once a larger force tries to wipe out all life, it is irable how this principle can change. For us humans, even between civilization and war, this is not an absurd scenario.

In "Flow", you are in the same boat as everyone else. In today's world, this metaphor has obviously not reached everyone. Very few see the world from the outside, most remain in a closed system. Nature sets the course, but changes its shape through human activity. As soon as humanity finds itself in an almost hopeless situation or is maneuvered by forces beyond its control, it will not be a question of who survives the longest. It's about going through it together.
A film project that has its heart in the right place and enough of a head to take natural complexities into .

And for the creative minds among you: Blender is open source and once you combine that info with this beautiful movie, you might have the urge to weave greater artifice of your own.

Watched on Saturday December 28, 2024.

Watched on Monday December 23, 2024.

🇺🇸👦🏻👩🏻‍🦰English review below👩🏻‍🦰👦🏻🇺🇸

"A lot of people enjoy being dead. But they are not dead, really. They're just backing away from life."

"Harold and Maude" von Hal Ashby ist einer der Paradebeispiele für einen Kultfilm. Eine Komödie, die den Leben und Tod mit einer schwarzhumorigen Ansicht erzählt, die renommierte Kritiker gar nicht zugute kam und vom Publikum kaum Beachtung geschenkt bekam. Doch mit Home Release und einem gesellschaftlichen Mindset, in dem diese Art von Humor viel eher toleriert wird, wandelte sich der Flop zu einem Publikumsliebling.
Harold (Bud Cort) und Maude (Ruth Gordon), ein Duo der Kinogeschichte, in dem eine immense Altersspanne keine Rolle in einer spielt, sondern die Idee davon, das Leben in vollen Zügen zu genießen.

Hal Ashbys Inszenierung hat einen idyllischen Touch, den ich nie einen Amerikaner, sondern den eines Briten zugeordnet hätte.
Ecken von Kalifornien werden gezeigt, wo ich das Gefühl von einen noblen Vorort von englischen Städten à la London oder Leeds hatte, was nur von Harolds patriotischen Onkel oder Bürobilder von Nixon und co. gezeigt werden. Satire gegen die USA-Politik und der Ideologie des Militärs für "Amerika" sich zu mobilisieren, ist durchaus gegeben.

Dazu noch die Musik von Cat Stevens, von dessen Stil ich persönlich nicht viel abgewinnen kann, funktioniert in dieser schwarzhumorig getünchten Prämisse als Tonus für die Freude und Sanftmütigkeit am Leben.

Ruth Gordon (Maude) dürfte man am ehesten als aufdringliche Nachbarin aus "Rosemary's Baby" kennen, es sei dann man ist natürlich geläufiger in der Stummfilmära, was ich nur oberflächlich bin.
Ich finde es faszinierend, wie gut die Chemie zwischen den beiden Schauspielern dafür sorgt, dass dieses vollkommene, charakterliche Kontrastprogramm sich von den ersten Minuten an so gut zusammenfügen. Eine lebensbejahende, langlebige Einstellung gegen eine junge, isolierte und zutiefst zynische Attitüde bewirkt schon drollige Konstellationen. Ist im Alltag auch nicht anders, wenn auch selten.
Der Weg, um Maude eine bedrückende Vergangenheit zu geben, wird sehr bedacht in Eigenerzählung oder Shots an den Zuschauer gebracht. Gerade letzteres war richtig smooth, dass man es beim Blinzeln fast übersehen könnte.

Es gibt zahllose Momente von den beiden, vor allen Dingen Interaktionen mit der fast karikaturhaft gezeichneten Polizei und wenn Maude ans Steuer motorisierter Verkehrsmittel darf. Wenn man die an bei der Polizei einstellen würde, werden die Diebe auf der Flucht abgehängt.
Und all die inszenierten Suizidversuche von Harold sind auf ihre Weise schon ein originelles Konzept für einen Charakter, der von einer überfürsorglichen und gleichzeitig Mutter dann doch keine emotionale Beachtung schenken vermag.

"Harold and Maude" ist eine süß-herzliche und zugleich morbide Ode an die Individualität, nachdem Bewegungen wie Flower Power 1971 zugrunde gegangen sind und dieser Film in einer Phase von Attentaten, Toden zahlreicher Kulturfiguren und Vietnam eine Motivation gibt. Leute, die mental am Boden waren und sind, können durchaus Kraft in diesen knackigen 91 Minuten gewinnen und selbst auch für Pärchen, die gerne eine beherzte Komödie mit Romantik und geerdeten Themen kombiniert sehen wollen. Oder für Menschen am frühen Morgen nach dem Frühstück, die entschleunigt am Wochenende in den Tag starten wollen.

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"A lot of people enjoy being dead. But they are not dead, really. They're just backing away from life."

"Harold and Maude" by Hal Ashby is one of the prime examples of a cult film. A comedy that tells the story of life and death with a black humor view, it was not at all appreciated by renowned critics and received little attention from audiences. But with home release and a social mindset in which this kind of humor is much more tolerated, the flop turned into an audience favourite.

Harold (Bud Cort) and Maude (Ruth Gordon), a duo in cinema history in which an immense age range plays no part in one, but rather the idea of enjoying life to the full.

Hal Ashby's production has an idyllic touch that I would never have attributed to an American, but to a Brit.
Corners of California are shown where I had the feeling of a posh suburb of English cities à la London or Leeds, which is only shown by Harold's patriotic uncle or office pictures of Nixon and co. Satire against US politics and the ideology of the military to mobilize for "America" is a given.

In addition, the music by Cat Stevens, whose style I personally can't get much out of, works in this black-humored premise as a tone for the joy and gentleness of life.

Ruth Gordon (Maude) is probably best known as the pushy neighbor from "Rosemary's Baby", unless of course you are more familiar with the silent film era, which I am only superficially.

I find it fascinating how well the chemistry between the two actors ensures that this complete, character contrasting program comes together so well from the very first minutes. A life-affirming, long-suffering attitude against a young, isolated and deeply cynical attitude makes for droll constellations. It's no different in everyday life, even if it is rare.

The way to give Maude an oppressive past is brought to the viewer very carefully in self-narration or shots. The latter in particular was so smooth that you could almost miss it if you blinked.

There are countless moments of the two of them, especially interactions with the almost cartoonishly drawn police and when Maude is allowed to take the wheel of motorized vehicles. If you were to set them up with the police, the thieves would be taken down on the run.

And all of Harold's staged suicide attempts are, in their own way, an original concept for a character who is unable to pay any emotional attention to an overprotective mother.

"Harold and Maude" is a sweet-hearted yet morbid ode to individuality after the demise of movements like Flower Power in 1971 and this movie provides motivation during a period of assassinations, deaths of numerous cultural figures and Vietnam. People who were and are mentally down can definitely gain strength in these crisp 91 minutes and even for couples who like to see a spirited comedy combined with romance and grounded themes. Or for people in the early morning after breakfast who want to start the day at the weekend at a slower pace.

🇫🇷🗂English review below🗂🇫🇷

"When the source of imagination is not reality, it's mit good. There is no suspense without reality."

"I... for Icarus" (Französisch: "I comme... Icarus") ist ein politischer Verschwörungsthriller - oder Aufdeckungsthriller - vom Regisseur, welcher unter anderem "The Sicilian Clan" inszenierte, Henri Verneuil. Da dessen Namen bei der Suche nach dem Film auffiel und mir zuvor genannter sehr gefiel, wollte ich mal schauen, wie gut er eine weitere französische Schauspiel-Koryphäe handhaben kann: Yves Montand.

Und da ich Yves Montand als einer der fähigsten Schauspieler aus Europa sehe, bin ich auch gar nicht überrascht, dass der Film schauspielerisch einwandfrei ist und noch mehr:
Der Film ist verdammt geil, so dass ich ihn am liebsten selber gedreht hätte.
Gerade in aktueller Zeit, wo sich Verschwörungstheorien und Falschinformationen anhäufen und tatsächliche Verschwörungen dadurch mehr im Hintergrund der öffentlichen Wahrnehmung geraten, wirkt dieser Film durch seine kühle, nüchterne Aura schon fast wie ein Prisma, das durch diese Schicht durchscheinen kann.
Es ist die Geschichte darüber, welche Risiken es nehmen kann, um der Wahrheit näher zu kommen.

Verneuil bedient ein Narrativ, was dem Zuschauer fast alle nötigen Aspekte und Perspektiven für die Prämisse offenlegt. Die Betonung liegt auf FAST. Es ist wie eine filmische Anreihung von Frequenzreglern, die vorgeben, welche Informationen klar präsentiert werden und welche Informationen durch fortschreitendes Durchschreiten des Tunnels zum Licht der Klarheit und Wahrheit leitet.
Ein Attentat auf den neu gewählten Präsidenten eines fiktionalen Staates: Offensichtlich.
Der Attentäter: Ausmusterbar.
Der Vorbau hinter dem Attentar: Sehr schleierhaft.

Letztendlich ist man größtenteils beim Staatsanwalt Henri Volney (Yves Montand), der akribisch, Tag und Nacht, ein Jahr nach der Ermordung, mit einem überschaubaren Team die Wahrheit aufzudecken versucht.
Das Vorgehen ist jedoch nicht die einzige Seite, die man verfolgt. Was genau die andere Seite zur Entlüftung beiträgt, lass ich mal außen vor.

Was ich hier hervorheben möchte, denn das der wahrscheinlich bekannteste Moment im Film ist:
Es gab eine Szene, die mich wahrlich vom Hocker gehauen hat. Sie ist fast ein separater Exkurs in die Verhaltenspsychologie innerhalb dieses clever konstruierten Aufdeckungsthrillers
Ich hätte niemals im Leben erahnen können, dass das der Film ist, wo ich einst vor Jahren im Ethikunterricht eine Szene geschaut habe, die eine Darstellung des Milgram-Experiments - nur diesmal mit Erwachsenen ausgeführt - veranschaulicht. Zwar war dieses wissenschaftliche Experiment erwiesenermaßen von den Versuchspersonen geschauspielert, aber die Intensität und der innere Konflikt des Testenden war echt. Und hier gibt es ein Re-Enactment des Ganzen mit einem entscheidenden Knackpunkt für die Verschwörung um den beschuldigten Attentäter (Didier Sauvegrain).

Neben einer Vielzahl von astreinen Momenten und unaufgeregten Inszenierungen, ist der Film ein weiterer Beweis dafür, was hochwertig gedrehte Szenen für einen Eindruck hinterlassen. Jedes Szenenbild sieht großartig poliert aus. Ich würde nur allzu gern wissen, welche Kameras für diese klaren Aufnahmen genutzt worden sind. Da konnten und können sich so manche Produktionen aus Hollywood mal was abgucken.

Ebenso trifft die etwas unheilvolle Musik von Ennio Morricone einen bestimmten Nerv, wo das Leitthema wie ein Ohrwurm bei mir bis jetzt nachwirkte. Unheilvoll und zugleich sehr schwungvoll und catchy. Oft kommen neben orchestralischen Klängen auch zeitgenössische Kompositionen zum Einsatz. Gitarren und Drums sind gedämpft und bequem auf den Ohren, die fast schon wie ein Vorreiter für das sind, was Italien im 80er-Jahre Pop auf Lager hatte.

"I... for Icarus" hier hätte ein Film von Costa-Gravas sein können und thematisch reiht sich dieser perfekt in seine Kollektion von Politfilmen.
Robert Cherkowski, Filmkritiker bei Filmstars.de, ordnete den Film in seiner Kritik folgendermaßen ein:
"Wenige Paranoia-Thriller verbinden derart schlüssig und effektiv eine politische Aussage mit packender Unterhaltung und großem Schauspiel – ein Meisterwerk"
Von seiner Wertung her würde ich ihm fast die Hand aus Einverständnis schütteln. Mir fehlt da nur so ein kleines Mü an erzählerischem Finesse, aber es fehlt wahrlich nur ein Mü.

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"When the source of imagination is not reality, it's mit good. There is no suspense without reality."

"I... for Icarus" (French: "I comme... Icarus") is a political conspiracy thriller - or revelation thriller - from the director who directed "The Sicilian Clan", among others, Henri Verneuil. Since his name came up in my search for the movie and I really liked the previous one, I wanted to see how well he could handle another French acting luminary: Yves Montand.

And since I consider Yves Montand to be one of the most accomplished actors from Europe, I'm not at all surprised that the acting in the movie is flawless and then some:
The movie is pretty awesome, so much so that I would have loved to shoot it myself.
Especially in these times, where conspiracy theories and false information are piling up and actual conspiracies are becoming more and more in the background of public perception, this film's cool, sober aura is almost like a prism that can shine through this layer.
It is a story about the risks that can be taken to get closer to the truth.

Verneuil uses a narrative that reveals almost all the necessary aspects and perspectives for the premise to the viewer. The emphasis is on FAST. It's like a cinematic string of frequency controls that dictate what information is presented clearly and what information leads to the light of clarity and truth by progressing through the tunnel.
An assassination attempt on the newly elected president of a fictional state: Obvious.
The assassin: Can be discarded.
The pretext behind the assassination: very obscure.

In the end, you're largely with prosecutor Henri Volney (Yves Montand), who meticulously, day and night, a year after the assassination, tries to uncover the truth with a manageable team.
However, the investigation is not the only side being pursued. I'll leave aside what exactly the other side contributes to the airing.

What I do want to point out here, because this is probably the most famous moment in the movie:
There was one scene that truly blew my mind. It's almost a separate digression into behavioral psychology within this cleverly constructed thriller of detection
Never in my life could I have guessed that this was the movie where I once watched a scene in ethics class years ago that illustrated a depiction of the Milgram experiment - only this time conducted with adults. Although this scientific experiment was demonstrably acted out by the subjects, the intensity and inner conflict of the testee was real. And here is a re-enactment of the whole thing with a crucial crux for the conspiracy surrounding the accused assassin (Didier Sauvegrain).

In addition to a multitude of pure moments and unagitated staging, the film is further proof of the impression that high-quality shot scenes can make. Every set piece looks beautifully polished. I would love to know which cameras were used for these clear shots. Some Hollywood productions could and can take a leaf out of their book.

The somewhat ominous music by Ennio Morricone also strikes a certain chord, with the main theme lingering with me like a catchy tune. Ominous and at the same time very lively and catchy. Contemporary compositions are often used alongside orchestral sounds. Guitars and drums are subdued and comfortable on the ears, almost like a forerunner of what Italy had in store in 80s pop.

"I... for Icarus" here could have been a Costa-Gravas movie and thematically it fits perfectly into his collection of political films.
Robert Cherkowski, film critic at Filmstars.de, categorized the film as follows in his review:
"Few paranoia thrillers combine such a coherent and effective political message with gripping entertainment and great acting - a masterpiece"
In of his rating, I would almost shake his hand in agreement. For me, it lacks just a little bit of narrative finesse, but it really only lacks a little bit.

First volume for great movies with fitting endings of all kinds.
Just my opinion, homies!
(But c'mon, would you really disagree?)

• Vertigo
• Harakiri
• The Graduate
• Night of the Living Dead
• The Great Silence
• The Conversation
• Blade Runner
• Indiana Jones and the Temple of Doom
• Chungking Express
• La Haine

10 Szenen aus Filmen, die mir Tränen in die Augen schossen ließen, was bei mir doch relativ selten iert... aber es iert schon mal in bestimmten Momenten.

10 scenes from films that made me tear up which is a relative rarity... but it happens under certain circumstances.

• Ikiru

  Swinging Snow Song (inner peace has been found)

• Blade Runner

  Tears in Rain

• First Blood

  Breakdown of a veteran (Sly's golden moment of acting)

• Paris, Texas

  That final conversation

• Grave of the Fireflies

  Starvation sucks!

• The Land Before Time

  Littlefoot's mama... nuff said.

• Schindler's List

  "I could've done more..."

• Kung Fu Panda

  Oogway ascends

• WALL·E

  Wall-E holding his own hands through "It Only Takes a Moment"

• The Wild Robot

  Having hopeful joy towards the end

• Seven Samurai
• Days of Heaven
• Blade Runner
• Paris, Texas
• Come and See
• In the Mood for Love
• City of God
• The Lord of the Rings: The Return of the King
• Long Day's Journey into Night
• The Batman

Hier kommen die Bösen!
Die Platzierungen können sich stets ändern. Neuzugänge oder schlicht Änderungen der Wahrnehmung des Antagonisten können hier Platzwechsel bescheren.
Es geht hier für mich darum, wie hinterhältig, kalkuliert, böse und ob ich Angst empfunden habe.
PS: Der blonde Obersturmführer (gespielt von Jüri Lumiste) in "Come and See" hat nochmal eine "Ehrenerwähnung".

1. Blue Velvet

   Frank Booth (Dennis Hopper)

2. The Dark Knight

   Joker (Heath Ledger)

3. The Night of the Hunter

   Harry Powell (Robert Mitchum)

4. One Flew Over the Cuckoo's Nest

   Schwester Ratched (Louise Fletcher)

5. Double Indemnity

   Phyllis Dietrichson (Barbara Stanwyck)

6. Scarface

   Tony Montana (Al Pacino)

7. The Silence of the Lambs

   Dr. Hannibal Lecter (Anthony Hopkins)

8. Return of the Jedi

   Der Imperator/Darth Sidious (Ian McDiarmid)

9. I Saw the Devil

   Kyung-chul (Choi Min-sik)
   

10. Inglourious Basterds

    Hans Landa (Christoph Waltz)

...plus 15 more. View the full list on Letterboxd.

Part I
Still being subjective... and a recommendation for everyone who hasn't seen some of those films 😁
No ranking and no placement for a second role of an actor!

• It's a Wonderful Life

  James Stewart as George Bailey

• The Treasure of the Sierra Madre

  Humphrey Bogart as Fred C. Dobbs

• A Place in the Sun

  Montgomery Clift as George Eastman

• The Night of the Hunter

  Robert Mitchum as Harry Powell

• Paths of Glory

  Kirk Douglas as Colonel Dax

• The Human Condition III: A Soldier's Prayer

  Tatsuya Nakadai as Kaji

• Judgment at Nuremberg

  Maximilian Shell as Hans Rolfe

• Lawrence of Arabia

  Peter O'Toole as T. E. Lawrence

• The Swimmer

  Burt Lancaster as Ned Merrill

• The French Connection

  Gene Hackman as Jimmy "Popeye" Doyle

...plus 20 more. View the full list on Letterboxd.

I always ire the feeling of getting lost in moving pictures to a single frame. Important to me is a decent amount of a specific feeling that either compliments the film and highlights it within singular frames and/or stands out as something that leaves a movies stuck with me over a long-term period. Some of them might be basic and popular, some of them aren't obvious and the rest is (maybe) completely out of perception.
Every single mention right here is representing a great example of outstanding and inspirational camera work.
Have fun!

• Metropolis

  Karl Freund
  A cinematographer known for being one of the most prolific cinematographers of the silent movie era.

  Other notable works:
  - The Golem: How He Came into the World (1920)
  - The Last Laugh (1924)
  - Dracula (1931)
  - The Mummy (1932)
  - Key Largo (1948)

• The Exorcist

  Owen Roizman
  Friedkin, Lumet and Pollack. Some of the greatest American directors with a cinematographer who does capture a somewhat menacing and gritty look at humanity.

  Other notable works:
  - The French Connection (1971)
  - Three Days of the Condor (1975)
  - Network (1976)
  - Tootsie (1982)
  - Wyatt Earp (1994)

• Fanny and Alexander

  Sven Nykvist
  A Swedish cinematographer who is famous as being the main man for a unique director called Ingmar Bergman.
  Other notable works:
  - Persona (1966)
  - Shame (1968)
  - Cries and Whisper (1972)
  - Scenes from a Marriage (1974)
  - Autumn Sonata (1978)

• Ran

  Asakazu Nakai
  Someone who lived and inhaled the visions of the great Akira Kurosawa.

  Other notable works:
  - Ikiru (1952)
  - Seven Samurai (1954)
  - Throne of Blood (1957)
  - High and Low (1963)
  - Dersu Uzala (1975)

• GoodFellas

  Michael Ballhaus
  A German cinematographer, inventive, full-fledged, flexible and a guy working with some of the best directors there are and were.

  Other notable works:
  - World on a Wire (1973)
  - Martha (1974)
  - After Hours (1985)
  - Sleepers (1996)
  - Departed (2006)

• In the Mood for Love

  Christopher Doyle
  It's fascinating how a human being can capture such beautiful and beautifully painful moments of melancholic loneliness but also ive tension.

  Other notable works:
  - Chungking Express (1994)
  - Happy Together (1997)
  - Infernal Affairs (2002)
  - 2046 (2004)
  - Endless Poetry (2016)

• Kill Bill: Vol. 1

  Robert Richardson
  Y'all know him, right? But not only the glassy eyes of Tarantino's visions, but also a household name for various directors.

  Other notable works:
  - Platoon (1986)
  - JFK (1991)
  - Casino (1995)
  - Shutter Island (2010)
  - Once Upon a Time in... Hollywood (2019)

• The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford

  Roger Deakins
  Probably the most well-known cinematographer in today's movie business and, for my money, well-deserved.

  Other notable works:
  - Fargo (1996)
  - No Country for Old Men (2007)
  - Prisoners (2013)
  - Sicario (2015)
  - Blade Runner 2049 (2017)

• The Neon Demon

  Natasha Braier
  A woman with a great sense of shifting the mood into various spaces of drama.

  Other notable works:
  - Glue (2006)
  - XXY (2007)
  - The Rover (2013)
  - Honey Boy (2019)
  - She Said (2022)

• Ad Astra

  Hoyte van Hoytema
  One of the younger dudes on this list, but someone who's already memorable for a cool and subdued style that translates the odyssey of characters. Nolan's main man? For sure!

  Other notable works:
  - Her (2013)
  - Interstellar (2014)
  - Dunkirk (2015)
  - Tenet (2020)
  - Oppenheimer (2023)

Just like with the list "Best Performances by an Actor": No double naming of an actress!

• The ion of Joan of Arc

  Renée Jeanne Falconetti as Jeanne d'Arc

• Double Indemnity

  Barbara Stanwyck as Phyllis Dietrichson

• Notorious

  Ingrid Bergman as Alicia Huberman

• Late Spring

  Setsuko Hara as Noriko Somiya

• Nights of Cabiria

  Giulietta Masina as Cabiria Ceccarelli

• Vertigo

  Kim Novak as Madeleine Elster / Judy Barton

• Some Like It Hot

  Marilyn Monroe as Sugar Kowalczyk

• Vivre Sa Vie

  Anna Karina as Nana Kleinfrankenheim

• Who's Afraid of Virginia Woolf?

  Elizabeth Taylor as Martha

• The Graduate

  Anne Bancroft as Mrs. Robinson

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These are not all Classics, but I will try to fill the gaps.

1. The Rescuers
2. The Little Mermaid
3. The Black Cauldron
4. Robin Hood
5. Aladdin
6. The Lion King
7. Lady and the Tramp
8. Pinocchio
9. Bambi
10. Snow White and the Seven Dwarfs

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1. Goldfinger
2. On Her Majesty's Secret Service
3. Licence to Kill
4. Casino Royale
5. Diamonds Are Forever
6. Skyfall
7. Live and Let Die
8. Dr. No
9. The Living Daylights
10. GoldenEye

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• Rear Window
• Touch of Evil
• Yojimbo
• For a Few Dollars More
• 2001: A Space Odyssey
• A Clockwork Orange
• Aguirre, the Wrath of God
• The Godfather
• Jaws
• Apocalypse Now

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Primarily made for several reasons:
- suggesting you movies that you probably haven't seen or never heard of
- for myself ing what themes I considered as fascinating, beautiful, harrowing whatsoever
- a good mixtape/playlist of themes
- for fun

Call me... maybe? No, call me mainstream, artsy, goofy, confused and so on in this list 🤪

• Gone with the Wind

  Theme made by Max Steiner

• Vertigo

  Theme made by Bernard Herrmann

• Lawrence of Arabia

  Theme made by Maurice Jarre

• Contempt

  Theme made by Georges Delerue

• The Pink Panther

  Theme made by Henry Mancini

• The Good, the Bad and the Ugly

  Theme made by Ennio Morricone

• The Great Silence

  Theme made by Ennio Morricone

• Z

  Theme made by Mikis Theodorakis

• Duck, You Sucker

  Theme made by Ennio Morricone

• A Clockwork Orange

  Theme made by Wendy Carlos

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1. Pulp Fiction
2. La Haine
3. Terminator 2: Judgment Day
4. Lost Highway
5. Casino
6. Reservoir Dogs
7. Chungking Express
8. GoodFellas
9. The Silence of the Lambs
10. Se7en

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Heute werden Feinde geschmiedet XD
Jedes Bondgirl ist das Bondgirl, welches hauptsächlich den Bildschirm für sich einnimmt. Bondgirls wie Shirley Eaton aus "Goldfinger" (Mein Gott, ist die hot!) wird nicht in der Liste beteiligt sein.
Und all das ist eine rein persönliche Präferenz. Jede Frau in der Liste hat ihre eigene Schönheit und es geht dann mehr darum, ob voll mein Typ oder nicht.
PS: "Say Never Never Again" gehört nach wie vor mit dazu.
PS Nr. 2: Keine kommt zwei Mal vor!
PS Nr. 3: Platz 1 sollte klar sein <3

1. No Time to Die

   Ana de Armas as Paloma

2. Casino Royale

   Eva Green as Vesper Lynd

3. From Russia with Love

   Daniela Bianchi as Tatiana Romanova

4. Goldfinger

   Honor Blackman as Pussy Galore

5. Dr. No

   Ursula Andress as Honey Ryder

6. The Spy Who Loved Me

   Barbara Bach as Anya Amasova

7. On Her Majesty's Secret Service

   Diana Rigg as Teresa di Vicenzo

8. The World Is Not Enough

   Denise Richards as Dr. Christmas Jones

9. Tomorrow Never Dies

   Michelle Yeoh as Wai Lin

10. Skyfall

    Bérénice Marlohe as Sévérine

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PS 1: Kontroversen garantiert 😉
PS 2: Die Nummer 1 ist eindeutig.

1. The Good, the Bad and the Ugly

   Ennio Morricone

2. Taxi Driver

   Bernard Herrmann

3. Blade Runner

   Vangelis

4. Raiders of the Lost Ark

   John Williams

5. The Godfather Part II

   Nino Rota

6. Mandy

   Jóhann Jóhannsson

7. Chinatown

   Jerry Goldsmith

8. Seven Samurai

   Fumio Hayasaka

9. Mulholland Drive

   Angelo Badalamenti

10. Lawrence of Arabia

    Maurice Jarre

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Always look on the bright side of life!

1. Raiders of the Lost Ark

   Indiana Jones aka Dr. Henry Jones (Harrison Ford)

2. The Silence of the Lambs

   Clarice Starling (Jodie Foster)

3. To Kill a Mockingbird

   Atticus Finch (Gregory Peck)

4. The Human Condition I: No Greater Love

   Kaji (Tatsuya Nakadai)

5. Aliens

   Ellen Ripley (Sigourney Weaver)

6. On the Waterfront

   Terry Malloy (Marlon Brando)

7. Die Hard

   John McClane (Bruce Willis)

8. It's a Wonderful Life

   George Bailey (James Stewart)

9. Schindler's List

   Oskar Schindler (Liam Neeson)

10. Gandhi

    Mahatma Gandhi (Ben Kingsley)

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It's not a ranking, just a reminder for people who aren't aware of those many fantastic films which are pepperd with multi-dimensional characters or characters whose appearances are more iconic than real stars.

• M

  Hans Beckert (Peter Lorre)

• It's a Wonderful Life

  George Bailey (James Stewart)

• Out of the Past

  Jeff Markham aka Jeff Bailey (Robert Mitchum)

• On the Waterfront

  Terry Malloy (Marlon Brando)

• Seven Samurai

  Kikuchiyo (Toshirō Mifune)

• The Human Condition III: A Soldier's Prayer

  Kaji (Tatsuya Nakadai)

• The Good, the Bad and the Ugly

  The Man with No Name (Clint Eastwood)

• PlayTime

  Monsieur Hulot (Jacques Tati)

• The Swimmer

  Ned Merrill (Burt Lancaster)

• The French Connection

  Jimmy "Popeye" Doyle (Gene Hackman)

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Filme, wo normale Bürger zur Eigeninitiative greifen und leben wollen, wie sie wollen, ambivalente Gestalten mit fragwürdigen Haltungen und Aktionen als Helden darstellen bis hin zu Bösewichte, mit denen man nur weinen möchte und sie in die Arme nehmen will.
Antihelden, wie wir Menschen es sind...

1. Taxi Driver

   Travis Bickle (Robert de Niro)

2. Blade Runner

   Roy Batty (Rutger Hauer) und Rick Deckard (Harrison Ford)

3. The Good, the Bad and the Ugly

   The Man with no Name (Clint Eastwood)

4. Drive

   Driver (Ryan Gosling)

5. Pulp Fiction

   Jules Winnfield (Samuel L. Jackson) und Vincent Vega (John Travolta)

6. The French Connection

   Jimmy "Popeye" Doyle (Gene Hackman)

7. Oldboy

   Oh Dae-Su (Choi Min-sik)

8. Léon: The Professional

   Léon (Jean Reno)

9. Unforgiven

   Will Munny (Clint Eastwood)

10. Mad Max 2

    Max Rockatansky (Mel Gibson)

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Much blonde and red hair... so yeah... it's what it is.

• Belle de Jour

  Catherine Deneuve

• Iron Man 2

  Scarlett Johansson

• Django

  Loredana Nusciak

• L.A. Confidential

  Kim Basinger

• The Sicilian Clan

  Irina Demick

• Boogie Nights

  Julianne Moore

• Nostalgia

  Domiziana Giordano

• North by Northwest

  Eva Marie Saint

• La Dolce Vita

  Anita Ekberg

• Wings of Desire

  Solveig Dommartin

1. Fight Club
2. The Matrix
3. Inception
4. Saving Private Ryan
5. The Prestige
6. Serpico
7. Peter Pan

So, why do I made this List for these movies?
The reason is that i will have uncanny respect for this masterpieces or extraordinary movies all my life. This list works just about numbers, not about which movie is better than the other one.

1. Once Upon a Time in America
2. Come and See
3. Wings of Desire
4. The Seventh Seal
5. Stalker
6. M
7. 2001: A Space Odyssey
8. Paris, Texas
9. Seven Samurai
10. Harakiri

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Y'all know that it is my opinion right?

1. Goldfinger
2. On Her Majesty's Secret Service
3. Casino Royale
4. Licence to Kill
5. From Russia with Love
6. Dr. No
7. GoldenEye
8. The Living Daylights
9. Thunderball
10. Live and Let Die

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Side note: Represented by my favorite movie of everyone of them.

1. Goldfinger
2. Licence to Kill
3. GoldenEye
4. Casino Royale
5. On Her Majesty's Secret Service
6. Live and Let Die

Somehow ranked but actually not ;-)

1. Cleopatra

   Elizabeth Taylor oder einfach nur "Liz", mein erster Screen Crush überhaupt. Auf ewig die Eins!

2. Casablanca

   Ingrid Bergman, ein schwedisches Amulett, welches unbezahlbar talentiert und schön war.

3. Blade Runner 2049

   Ana de Armas, eine kubanische Queen der Moderne mit großen Aussichten auf schauspielerischen Ruhm einer Cate Blanchett.

4. The Seven Year Itch

   Marilyn Monroe, die bekannteste Blondine. Schillerte mit ihrer lasziven Stimme und ihren anziehenden Blicken.

5. Modern Times

   Paulette Goddard, einstige Ehefrau von Charlie Chaplin. Wild, zart und herzlich.

6. Once Upon a Time... in Hollywood

   Margot Robbie, die kontaktfreudige blonde Schönheit von der Südhalbkugel.

7. Boyz n the Hood

   Angela Bassett, einer meiner ersten Crushs auf afroamerikanische Schauspielerinnen.

8. Female Prisoner Scorpion: #701

   Meiko Kaji, ein messerscharfer oder gar tödlicher Blick, aber strahlt heller als der Mond über Japan.

9. Vertigo

   Kim Novak, ein verführerisch-mysteriöser Blick aus ihren magischen Augen und geerdet wie sonst kaum eine Schauspielerin.

10. Career Opportunities

    Jennifer Connelly, ein funkelndes Fräulein, welches jeden jungen Erwachsenen hätte an sich reißen können.

• That Day, on the Beach
• Taipei Story
• Terrorizers
• A Brighter Summer Day
• A Confucian Confusion
• Mahjong
• Yi Yi

• Ivan's Childhood
• Andrei Rublev
• Solaris
• Mirror
• Stalker
• Nostalgia
• The Sacrifice

Vertigo (1958)
- Opening Credits -
2001: A Space Odyssey (1968)
- Stargate Sequence -
All the President's Men (1976)
- Bob Woodward s Kenneth H. Dahlberg (6 Minute Sequence) -
Apocalypse Now (1979)
- Kurtz' Monologue (The Horror) -
Stalker (1979)
- Stalker's Dream -
Nostalgia (1983)
- Andrei alone in bedroom -
Ran (1985)
- Hell's Picture Scroll -
Wings of Desire (1987)
- Damiel walks through the reading room, Staatsbibliothek Potsdamer Straße -
The Last Airbender (2010)
- The whole film is considered to be a shitty traumatizing hypnosis -
The Lighthouse (2019)
- Ephraim walks into the sea -

• Vertigo
• 2001: A Space Odyssey
• All the President's Men
• Apocalypse Now
• Stalker
• Nostalgia
• Ran
• Wings of Desire
• The Last Airbender
• The Lighthouse

• Flying Padre
• Day of the Fight
• Fear and Desire
• The Seafarers
• Killer's Kiss
• The Killing
• Paths of Glory
• Spartacus
• Lolita
• Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb

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Masaki Kobayashi is one underated director which doesn't shine as much as his working partner Akira Kurosawa and that's really odd 'cause he's so unique and brilliant in his kind of storytelling and visual language. Despite of all film fans who are always recommend masterful stuff like that, for me it's a mystery that he doesn't have this high position. To put it in a nutshell, Kobayashi has the same problem as Sergio Corbucci in the Italian western genre.

This list is a collection of his best films that have made him immortal.

• The Human Condition I: No Greater Love
• The Human Condition II: Road to Eternity
• The Human Condition III: A Soldier's Prayer
• Harakiri
• Kwaidan
• Samurai Rebellion

• Un Chien Andalou
• L'Âge d'or
• The Young and the Damned
• Viridiana
• The Exterminating Angel
• Simon of the Desert
• Belle de Jour
• Tristana
• The Discreet Charm of the Bourgeoisie
• The Phantom of Liberty

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Deutsch: Dies wäre wahrscheinlich meine Rangliste über den Meister selbst, Akira Kurosawa.
Die größte Frage: Wie würde Kurosawa heutzutage Filme machen?
English: This would probably be the ranking of mine about the master himself, Akira Kurosawa.
The greatest question: How would Kurosawa make movies these days?

1. Seven Samurai
2. Ran
3. High and Low
4. Ikiru
5. Yojimbo
6. Red Beard
7. Rashomon
8. The Bad Sleep Well
9. Sanjuro
10. Dersu Uzala

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All films in this list were watched before I turned 14. So, childhood memories 🥳😱
There might be some weird decisions like "8 1/2" or "Cars" but you have to consider that most of them have influenced a part of my childhood :P
This is not a ranking!
--SPOILER!--
"8 1/2" (1963) --> Guido is stuck in his car (Opening Scene)
First watch: 7/8 years
"Once Upon a Time in the West" (1968) --> Frank shoots a kid
First watch: 13 years
"The Exorcist" (1974) --> Spider Walk
First watch: 11 years
"Watership Down" (1978) --> Bigwig stuggling in a snare (most likely)
First watch: probably at 7 years
"The Empire Strikes Back" (1980) --> Luke loses his hand while fighting Darth Vader
First watch: 6 years
"Indiana Jones and the Temple of Doom" (1984) --> The torn out heart
First watch: 6 years
"The Terminator" (1984) --> Police Station Shootout (actually it's goddamn badass at the same time :D)
First watch: probably at 7 years
"The Black Cauldron (1985) --> First appearance of The Horned King
First watch: 5 years
"Antz" (1998) --> Battle between Ants and Termites
First watch: 5 years
"Cars" (2006) --> The King's horrifying crash
First watch: 4 years

• 8½
• Once Upon a Time in the West
• The Exorcist
• Watership Down
• The Empire Strikes Back
• Indiana Jones and the Temple of Doom
• The Terminator
• The Black Cauldron
• Antz
• Cars

• I Was Born, But...
• The Only Son
• Late Spring
• Early Summer
• The Flavor of Green Tea Over Rice
• Tokyo Story
• Tokyo Twilight
• Equinox Flower
• Good Morning
• Floating Weeds

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• Bambi
• Ikiru
• The Fox and the Hound
• Grave of the Fireflies
• Schindler's List
• Philadelphia
• The Lion King
• Million Dollar Baby
• Up
• Lion

"Scores" means: Musical compositions which are originally made for a specific film/movie.
This is not a ranking!
Films/Movies are ordered by oldest release date.
And my favourite track for each motion picture is just probably my favourite track because I heard them roundabout twice as often as any other.
Vertigo (1958)
Score composed by: Bernard Herrmann
Fav. Track: Prelude and Rooftop
YouTube Link: youtu.be/u9T8a5QMpcA
8 1/2 (1963)
Score composed by: Nino Rota
Fav. Track: Otto e mezzo
YouTube Link: youtu.be/Ls-1S1WuqpE
The Good, the Bad and the Ugly (1966)
Score composed by: Ennio Morricone
Fav. Track: Il Triello (The Trio)
YouTube Link: youtu.be/_gJdT5Vn11w
The Godfather Part II (1974)
Score composed by: Nino Rota, Carmine Coppola
Fav. Track: Main Title/The Immigrant or Ev'ry Time I Look In Your Eyes/After the Party
YouTube Link: youtu.be/9LZFH4xC9Q8
youtu.be/kTgy7gmWAlI
Chinatown (1974)
Score composed by: Jerry Goldsmith
Fav. Track: Love Theme From Chinatown
YouTube Link: youtu.be/lmOhNyitewI
Apocalypse Now (1979)
Score composed by: Carmine Coppola
Fav. Track: The Nung River
YouTube Link: youtu.be/u_MIaZ4qRSs
Raiders of the Lost Ark (1981)
Score composed by: John Williams
Fav. Track: Raiders March
YouTube Link: youtu.be/IgncJgSbbck
Blade Runner (1982)
Score composed by: Vangelis
Fav. Track: Blade Runner Blues
Link: youtu.be/ECYLHiXvrBQ
Once Upon a Time in America (1984)
Score composed by: Ennio Morricone
Fav. Track: Cockeye's Song
Link: youtu.be/qegiM7UiVc8
Ran (1985)
Score composed by: Tōru Takemitsu
Fav. Track: Hell's Picture Scroll
Link: youtu.be/SjvT5wqipq4
Jurassic Park (1993)
Score composed by: John Williams
Fav. Track: Welcome To Jurassic Park (favourite Part: at 4:29)
YouTube Link: youtu.be/BXsWn9DhF5g
Ghost in the Shell (1995)
Score composed by: Kenji Kawai
Fav. Track: Nightstalker
YouTube Link: youtu.be/I9Pq0BVm38k (at 24:20)
The Thin Red Line (1998)
Score composed by: Hans Zimmer
Fav. Track: I don't know. For me the whole Score is one Track
YouTube Link: youtu.be/EIB92m7P-_A
There Will Be Blood (2008)
Score composed by: Jonny Greenwood
Fav. Track: Henry Plainview
YouTube Link: youtu.be/ujkiFfhGQOU
Mandy (2018)
Score composed by: Jòhann Jòhannsson
Fav. Track: Forging the Beast
YouTube Link: youtu.be/Hmtct-aWXMk

• Vertigo
• 8½
• The Good, the Bad and the Ugly
• The Godfather Part II
• Chinatown
• Apocalypse Now
• Raiders of the Lost Ark
• Blade Runner
• Once Upon a Time in America
• Ran

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1. Akira
2. WALL·E
3. Grave of the Fireflies
4. Watership Down
5. Neon Genesis Evangelion: The End of Evangelion
6. Princess Mononoke
7. Spirited Away
8. Ratatouille
9. The Rescuers
10. Up

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It's not a ranking. Just the chronological order of the filmography of the one and only Federico Fellini which is probably at the same position of unforgettable childhood memories like Ingmar Bergman but otherwise... he wasn't that friendly to my brain. He was my introduction to "how to break your previous visual convention".
Fun fact: "8 1/2" was the film that included scenes which scarred me for life 😁

1. Variety Lights
2. The White Sheik
3. I Vitelloni
4. Love in the City
5. La Strada
6. The Swindle
7. Nights of Cabiria
8. La Dolce Vita
9. Boccaccio '70
10. 8½

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The Good, the Bad and the Ugly
- The Mexican Standoff -

Pulp Fiction
- Ezekiel 25:17 -

Blade Runner
- Tears in Rain -

Taxi Driver
- Final Shootout -

The Dark Knight
- Interrogation Scene -

Indiana Jones and the Temple of Doom
- Indy cuts the rope bridge -

Vertigo
- Scottie meets Madeleine -

Apocalypse Now
- Ride of the Valkyries -

8 1/2
- Guido is stuck in his car (Opening Scene) -

Return of the Jedi
- Luke Skywalker vs. Darth Vader under the stairs -

• The Good, the Bad and the Ugly
• Pulp Fiction
• Blade Runner
• Taxi Driver
• The Dark Knight
• Indiana Jones and the Temple of Doom
• Vertigo
• Apocalypse Now
• 8½
• Return of the Jedi

All movies that I've seen already from the most scientific filmmaker of our time. Unfortunately I didn't see every single one but I always hold on to it so that I have no more gaps later.

1. The Dark Knight
2. Memento
3. Interstellar
4. Batman Begins
5. Dunkirk
6. The Dark Knight Rises
7. Inception
8. The Prestige

• The Colossus of Rhodes
• A Fistful of Dollars
• For a Few Dollars More
• The Good, the Bad and the Ugly
• Once Upon a Time in the West
• Duck, You Sucker
• Once Upon a Time in America

• Eraserhead
• The Elephant Man
• Dune
• Blue Velvet
• Wild at Heart
• Twin Peaks: Fire Walk with Me
• Lost Highway
• The Straight Story
• Mulholland Drive
• Inland Empire

• Following
• Memento
• Insomnia
• Batman Begins
• The Prestige
• The Dark Knight
• Inception
• The Dark Knight Rises
• Interstellar
• Dunkirk

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• August 32nd on Earth
• Maelström
• Polytechnique
• Incendies
• Prisoners
• Enemy
• Sicario
• Arrival
• Blade Runner 2049
• Dune

According to Letterboxd, all ten films are classified as war movies.

1. Apocalypse Now
2. Come and See
3. Paths of Glory
4. Lawrence of Arabia
5. Grave of the Fireflies
6. Schindler's List
7. The Deer Hunter
8. Barry Lyndon
9. Inglourious Basterds
10. Full Metal Jacket

• Reservoir Dogs
• Pulp Fiction
• Jackie Brown
• Kill Bill: Vol. 1
• Kill Bill: Vol. 2
• Death Proof
• Inglourious Basterds
• Django Unchained
• The Hateful Eight
• Once Upon a Time... in Hollywood

• Hard Eight
• Boogie Nights
• Magnolia
• Punch-Drunk Love
• There Will Be Blood
• The Master
• Inherent Vice
• Phantom Thread

All movies of the Swedish philosophical movie maker legend Ingmar Bergman that I watched. Most of them came at TV when I was a kid. So I set myself the goal to refresh my opinion of every single movie. Of course there will be more of his works.

• The Seventh Seal
• Wild Strawberries
• Through a Glass Darkly
• Winter Light
• Persona
• Hour of the Wolf
• Shame
• Cries and Whispers
• Scenes from a Marriage
• Autumn Sonata

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All three movies where the American icon James Dean played an important role.

• East of Eden
• Rebel Without a Cause
• Giant

Here are all animated movies that have inspired me since I was in kindergarten. Of course I also mean movies that were also made with the help of computer effects. In this case, I limit myself to the period 1937-1990. That's the period of the first movies I ever watched at the age of 3 years.

Another Disney Classics like The Lion King, Aladdin, Beauty and the Beast and nearly all Pixar movies and animated movies of Dreamworks came later, maybe at the age of 5-7.

And that's why I call this list:
"The cauldron where it all started..."

• Snow White and the Seven Dwarfs
• Pinocchio
• Animal Farm
• Robin Hood
• The Rescuers
• Watership Down
• The Fox and the Hound
• The Secret of NIMH
• The Last Unicorn
• The Care Bears Movie

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